Isma Romero: Han sido dos años de puertas cerradas, nadie quería el disco

Texto: Cristina Muñoz
Fotos: Jorge Gordo

Isma Romero empezó en esto de la música con apenas 16 años. Por aquel entonces eran sus padres los que le firmaban las autorizaciones para que pudiera tocar en salas. Ahora, ocho años después ya tiene en el mercado dos discos, Antes de que esté prohibido (2014) con el que llegó a subirse al escenario acompañado de músicos de la talla de Carlos Tarque (MClan), Rubén Pozo, Juancho (Sidecars) y Ovidi (Los Zigarros); y Luminiscencia, publicado el pasado 13 de octubre, con la mano de Nigel Walker y el respaldo de Warner Music.

Su segundo álbum llega en un momento en el que ha aprendido a disfrutar y a vivir el día a día. Con en el que ha pasado por dos años de incertidumbre, de algunos noes y puertas cerradas que terminaron por abrirse al escuchar su rock positivo y enérgico. Un disco que, tal y como nos relata , "hace dos años no lo quería nadie". Un tiempo en el que ha tenido que "pelear" y al tiempo ha aprendido que "las cosas buenas siempre cuesta conseguirlas". "No hubiera sido lo mismo sacar el disco de esta manera que de otra".

Y nosotros agradecidos estamos de todo ese esfuerzo y lucha que se han transformado en un disco al que auguramos un futuro brillante, con diez canciones que desprenden 'buenrollismo' y ganas de cantarlas a voz en grito. Y tiempo tendremos para hacerlo durante la intensa gira que llevará al valenciano a recorrer gran parte de la geografía española.

Fechas de la gira de presentación de Luminiscencia:

  • 20 OCTUBRE - MADRID (Fnac Parquesur) 19:00h
    Firma de discos + acústico
  • 21 OCTUBRE - MADRID (Fnac Plaza Norte) 19:00h
    Firma de discos + acústico
  • 28 OCTUBRE - ALFAFAR (Valencia) - Jornadas Culturales
  • 10 NOVIEMBRE - LEÓN - Sala Babylon
  • 11 NOVIEMBRE - VALLADOLID - Black Pearl
  • 17 NOVIEMBRE - TOLEDO - Sala Pícaro
  • 18 NOVIEMBRE - CIUDAD REAL - Sala Nice
  • 24 NOVIEMBRE - SANTANDER - Black Bird
  • 25 NOVIEMBRE - OVIEDO - Franel Rock
  • 1 DICIEMBRE - BILBAO San Miguel Music Explorers
  • 2 DICIEMBRE - BURGOS San Miguel Music Explorers
  • 2 FEBRERO - MURCIA Sala Musik
  • 3 FEBRERO - VALENCIA - Sala Wah Wah
  • 17 FEBRERO - MADRID Sala El Sol

ENTREVISTA CON ISMA ROMERO

Pregunta: Hay una frase en Héroes que dice "brindaré por los sueños que hoy son días". ¿Se están cumpliendo tus sueños?

Respuesta: Esa canción hace referencia a muchas cosas. Realmente es como un torbellino de ideas y de experiencias. En la parte final de la canción es donde sale la luz, habla de que bueno realmente lo que estoy viviendo que cada día es un sueño, estoy agradecido por todo lo que tengo y para mí ya es un sueño ser feliz. Realmente todos esos sueños que son días ya los tengo cumplidos.

P: ¿Cómo has vivido este año? ¿Has sentido que por fin llegaba todo eso por lo que tanto has luchado desde que tenías 15/16 años?

R: En estos dos años han ocurrido muchas cosas, muchas puertas que se han abierto, muchas que se han cerrado, muchísimos noes. Y de eso habla el disco. Realmente todo lo que ha ocurrido es un aprendizaje, y yo lo veo así. Para mí las cosas, entre comillas, negativas que nos ocurren, son las que nos ayudan a formarnos como personas. A mí me han ayudado, por lo menos seguimos en el camino.

P: ¿Qué has aprendido y con qué te quedas de todo este camino que has recorrido desde que ibas de sala en sala con la autorización de tus padres para que te dejaran tocar hasta llegar aquí?

R: Pues lo que he aprendido es a disfrutar y valorar las cosas que van viniendo, ese es el premio. Porque muchas veces se me olvida y realmente es lo que te llevas, si no disfrutas cualquier cosa que hagas da igual lo que consigas en tu vida porque no tiene ningún sentido, no se queda el sentimiento de lo que vives, sino que vas viviendo como muchas escenas de tu vida y no disfrutas. Después de todo este tiempo y proceso y puertas abiertas y cerradas, ¿qué significa poder vivir de la música, de lo que te apasiona, que es como un regalo poder dedicarte a ello?

Lo valoro mucho porque, bueno, la vida tiene mucha magia pero con música es un plus. Y así es como la vivo yo y cada persona la vivirá desde el punto de vista en el que es feliz con lo que le late. En mi caso tengo que depender de muchas cosas, también doy clases de guitarra a niños. Pero lo que he intentado siempre es que tenga que ver con la música, que el tiempo que pueda dedicar sea a la música. Y eso ya es un regalo.

P: Durante estos años has dado con grandes músicos que han confiado en ti y en tu música y con los que has compartido también escenario: Rubén Pozo, Candy Caramelo, Urrutia, Tarque, Ovidi, Juancho y Nigel Walker han apostado por formar parte de tu historia. ¿Qué te han aportado todos ellos? y si pudieras elegir, ¿quién sería el que más ha creído en tu sueño?

R: Todas las personas que han pasado por mi vida son importantes, porque me han enseñado algo. Si me centrara en una no estaría haciendo bien las cosas, porque cada uno me ha aportado y me ha dado algo. Estoy agradecido por todos. Por todos los momentos en los que han pasado por mi vida, y lo que queden que sean muchos, ojalá.

P: ¿Cómo se creó el vínculo con Nigel Walker?

R: Le pasamos las maquetas de este segundo disco. Yo tenía muchas ganas de trabajar con él, pero no sabía de su disponibilidad ni le conocía, pero como soy muy pa'lante siempre decidimos pasarle el trabajo y le gustó. Y quedamos en una cafetería por el Palacio Real y hablamos de lo que tenía en mente, de lo que me gustaría trabajar con él... y bueno, como son las cosas que salen naturales, si vas de cara y vas con la verdad, las cosas sólo pueden salir bien. Por lo menos así han salido.

P: Y cómo ha sido trabajar con alguien que lleva tantos años en esto de la música. ¿Qué te ha aportado?

R: Siempre que preguntaba por ahí decían que era un productor exigente y que daba caña. Ha dado caña, pero ha sido un gran apoyo porque nos ha enseñado a trabajar bien las cosas y su exigencia ha servido para crecer como personas y músicos. Es exigente pero al mismo tiempo ayudaba y animaba. Y para eso quería trabajar con él, para crecer.

P: ¿Cómo es el salto de entrar a formar parte de una gran discográfica? ¿En qué has notado que cambian las cosas?

R: El mundo de las discográficas, como todo, es un poco que tú quieras o no entrar en él. Hay gente que prefiere otros caminos y son igual de maravillosos. Lo que quiero decir es que a día de hoy las discográficas no tienen un peso espectacular para defender o tirar pa'lante tu carrera. En mi caso, he tenido la suerte de que me hayan dado su apoyo, porque como me decían los que han sacado el disco "aquí llegan 200 maquetas diarias solamente para licenciar, y nosotros te damos la oportunidad para poder tener tu disco en las tiendas y tener un soporte". Y así he podido sacar mi disco, que hace dos años era imposible, nadie lo quería.

P: Dices... "nadie lo quería", entiendo que ha sido un proceso complicado. ¿Cómo ha sido la lucha? ¿Te llegaste a frustrar?

R: Totalmente. Soy humano y tengo mis sentimientos, y aparte soy una persona bastante sensible y me afectan las cosas. Pero gracias a esto he aprendido a saber cómo tomarme las cosas. Si no hubiera pasado por este proceso de dos años de noes, puertas cerradas, ver que la cosa no avanza, muy potente... no sería la misma persona que soy ahora. Realmente cuando confías en algo y lo sientes y lo haces para que la gente vea lo que hay... Las cosas buenas siempre cuesta conseguirlas, si todo el mundo pudiera hacer todo seríamos indestructibles. Gracias a esos dos años en los que he tenido que pelear he valorado muchas cosas, y no hubiera sido lo mismo sacar el disco de esta manera que de otra.

P: Has vivido cierta incertidumbre con el disco ya grabado y sin una fecha concreta de lanzamiento...

R: La incertidumbre es algo que tenemos presente todos los días. Nos encanta tenerlo todo controlado, queremos tenerlo todo ya y saber dónde vamos a estar el año que viene. Y eso es una mentira muy potente, el futuro no se puede planificar, y es lo que he aprendido, a vivir ahora y a vivir con lo que tengo, y lo que venga viene. Y lo que venga vendrá gracias a lo que estamos sembrando o a lo que tú estés dando.

P: ¿Llegaste a perder la esperanza o sentir que al final no salía adelante?

R: Claro, claro que lo piensas. Pero gracias a eso pude componer una de las canciones más importantes para mí que es Fogonazo de Luz. Y también he podido valorar, vuelvo a decirlo, lo que no estaba viendo. Me he sentido mal, me he sentido bien, me he sentido regular, de todas las formas. Pero es que es un sentimiento necesario para crecer, y es humano, si tú no pasas por esos procesos creo que te pierdes muchas cosas. Pero ahora de momento todo está bien, así que ya que tarde un poquito.

P: Bueno, hablemos de Luminiscencia. Has pasado de Antes de que esté prohibido, un título que parecía que expresaba una necesidad de hacerlo todo ya antes de que no dé tiempo a ello, a este álbum que transmite paz, tranquilidad, buen rollo... ¿Es así como te encuentras ahora a nivel profesional?

R: Tenía 19 años cuando empecé a grabar el primer disco. Y soy puro nervio, pero hace años lo era más y más, un caos total, y quería saber y planeaba lo que iba a hacer en los próximos cinco años. Y no. Ya está, eso se acabó porque no podía vivir así. Y la historia de este disco habla de esto, define muy bien estos dos años. Podría haber llamado al disco "Pa'lante" pero lo llamé Luminiscencia, me parecía más acorde (risas), porque es el poder que tiene un cuerpo de emitir luz en mitad de la oscuridad. Y esto es siempre seguir hacia adelante, hacia las cosas que nos pueden asustar. Y este disco aparte de eso, de tirar hacia adelante es un disco que llega en un momento en el que las cosas están más calmadas, todo tiene su tiempo y todo no lo puedes controlar. Y cuando lo quieres controlar es cuando te vas a la mierda. Y es la filosofía de este disco.

P: Hay mucha positividad en este disco, desde el nombre elegido hasta el sonido de las canciones, las letras... ¿También hay mucha realidad?

R: Claro. En el disco buscaba... No puedo decir una parte de mí porque solo tengo 24 años y a veces hablo como si tuviera 40. Pero es que me han venido bastantes años de golpe. He tenido la suerte de vivir muchas experiencias y hablo desde el corazón. Yo soy así y no tengo vuelta de hoja. Lo único que puedo hacer escribiendo canciones es decir lo que siento. Me cuesta escribir canciones, ¡imagínate si tuviera que inventarme también lo que tengo que decir, tardaría cinco años en hacer un disco!. Estas canciones hablan de la realidad, de cómo soy yo y me abro en canal a tope, aunque eso es complicado porque cuando entregas tu corazón juegas con las desventaja de que te lo puedan partir. Pero este disco habla de las tres cosas más importantes a las que les he dedicado todo mi tiempo y mi cariño en estos dos últimos años, que son la vida, los sueños y el amor. Algo tan obvio que se nos escapa y algo que todos compartimos.

P: Sobre eso quería preguntarte, ¿da miedo desnudarse tanto en unas canciones que van a escuchar tanta gente?

R: Es muy fácil para mí porque no tengo que aguantar ninguna careta ni ninguna pose de nada. Soy Isma Romero, soy así musicalmente y haciéndome unas lentejas. Me es muy fácil porque no tengo que llevar ninguna carga de tener que mostrar una determinada imagen, esto es o te gusta o no hay otra cosa. Es una forma directa de decir esto es lo que soy, y si no te lo crees ven a descubrirlo.

P: ¿Cuál es el tema que más te costó escribir?

R: Pues mira, la canción que más me costó escribir fue Héroes porque habla de un desencuentro. Cuando no te esperas algo de una persona y te engaña o te jode, pero al mismo tiempo como el disco es positivo, el estribillo da una vuelta y dice "gracias porque quizás existen héroes que pasan por una vez en la vida". Esta canción me costó bastante, pero Fogonazo de Luz es para mí la más importante porque habla de que todas las personas son igual de especiales, y que todo el mundo puede llegar a hacer lo que quiera en su vida. Únicamente tienen que dejar despertar ese "fogonazo de luz".

P: En Demasiadas Cosas dices que "llevas demasiado tiempo con las alas rotas", ¿En estos momentos cómo están esas alas?

R: Esa canción habla de amor, del amor a la vida. Y habla de una relación, un poquito. Mis canciones son como un batiburrillo de ideas. Cuando dice "llevo tiempo con las alas rotas y no me alcanza para subir" quiero decir que llevo tiempo viviendo por encima de lo que puedo hacer y no me alcanza para subir porque no estoy viviendo el presente. Yo es que soy muy metafórico. Pero cuento una realidad personal, luego que cada uno la perciba y la viva desde su punto de vista. Y ahora estoy empezando a vivir como soy, y me siento muy a gusto.

P: Los medios tiempos y las baladas quedan casi relegados en este disco, ¿por qué? (sólo Sin Frenos)

R: Han salido así. El disco es una verdad y una declaración de intenciones . Y se expresa en el sonido esa garra, la fuerza y al mismo tiempo un hilo de paz y buen rollo en las canciones. No ha sido premeditado, ha salido así.

P: ¿Echas de menos algo en este disco? Algo, quizá, que digas quería que estuviera aquí y no está en ninguno de los diez temas. O lo que sea, vaya.

R: La verdad que para mí es un disco que es redondo. Creo que en el tiempo este disco va a ser uno de los más importantes de mi vida porque marca un antes y un después, aunque saque, ojalá, cuarenta discos. Aquí hay muchas canciones que creo que las voy a seguir tocando con cuarenta años.

P: Luminiscencia es un chute de energía, de fuerza, mucha guitarra... Y mucho Rock. ¿Vive el Rock un buen momento?

R: Hay sitio para todo. Lo que pasa es que a veces vivimos con muchas cargas y etiquetas de que esto no entra... pero hay sitio para todo porque el mundo es enorme. Imagínate la música, la música es algo que está en la libertad y en el viento y puede ocupar cualquier rincón. Hay sitio para el indie, para el flamenco... Realmente para las canciones hay sitio siempre en el corazón de todo el mundo. Para llegar a la gente siempre hay sitio, luego cada uno coge lo que necesita, no lo que es bueno o malo.

P: Haciendo un inciso, ¿hay cabida para los artistas más emergentes y rockeros en los festivales?

R: Los festivales hoy en día funcionan de la siguiente forma: si tú vendes entradas, entras. Si no, no. Entonces, a día de hoy a Isma Romero le queda mucho camino. Sí que apoyan, pero claro si no vendes no interesas. Por eso, para los que estamos empezando es una movida, porque tienes que vender sin tampoco tener un apoyo, hay que ganárselo. Cuando entras es cuando ya funcionas, pero sino búscate la vida. Es la realidad.

P: Volviendo a Luminiscencia, ¿sigue este disco la estela del anterior en influencias musicales (Tom Petty, Pereza, MClan, Fito...) o has ido descubriendo y adaptando algunas nuevas?

R: En este disco hay mucho de todo y mucho mío también... Quiero decir, lo que hay mío es lo que escribo y lo que canto. A nivel de influencias musicales hay de todo porque no estoy inventando nada ni pretendo inventar nada. Lo que quiero es dar continuidad a una generación de canciones, esa es mi prioridad por encima de todo. Y hay estilos que se meten mucho en todo. Yo no hago rock&roll, para mí el rock&roll es una forma de vida, pero yo puedo sacar un disco latino, con trompetas o un disco más 'popero'...

P: Y por último, haciendo honor a uno de tus temas Todo lo que Espero, ¿Qué es todo lo que esperas a partir de ahora?

R: Lo que espero realmente es salud y mucho amor, y que las cosas vayan viniendo como tengan que venir. Creo que lo estamos haciendo muy bien y estamos en un momento muy bonito porque hay un disco muy guay y de mucha verdad, y espero que todo lo que venga tenga que ver con la luz. Y si tiene que ver con la oscuridad, como no manejo eso, tenemos que seguir pa'lante. Deseo que todo lo que venga, tenga venir como tenga que venir, de la mejor forma y disfrutándolo.

 


Sonorama Ribera ha vuelto a hacerlo: Camela encabeza el cartel en el 20 aniversario del festival

La última confirmación de Sonorama Ribera 2017 no ha dejado indiferente a nadie. Y es que este año, entre tanto artista indie, rock y pop, todos nacionales, subirá al escenario un grupo con un sonido bastante alejado de lo que suele ofrecer en un festival de este tipo. Un grupo que lleva por bandera los ritmos tecno-rumba. Un grupo que sueña contigo sin saber muy bien qué le has dado. Sí, señores y señoras, hablamos de Camela.

Es el grupo elegido para encabezar el cartel en esta edición tan especial de Sonorama, cuando celebra su 20 aniversario rodeado de grandes artistas y bandas de ámbito nacional. Pues este año el festival se empeña en hacer un (merecidísimo) homenaje a la música española.

El anuncio ha sido un bombazo, al tiempo que sonaban nombres como Julio Iglesias o Perales para poner el broche de oro a este cartel. Pero los elegidos han sido ellos, Camela. Un grupo que, según apuntaba el director del festival, Javier Ajenjo, son muchos los que sin querer reconocerlo lo escuchan en casa a escondidas. "Porque, claro, nadie escucha a Camela".

Pero para aquellos que siguen descolocados con esta incorporación, Ajenjo aclara sin medias tintas que Sonorama pensó en Camela "básicamente porque nos apetecía. Y si tengo que extenderme un poco más podría hablar de su discografía, de su trayectoria y de la cultura musical que representan".

"Y teníamos muchas ganas de tenerles. Sonorama Ribera es un festival para disfrutar. Porque para cosas más técnicas ya tenemos lo que escuchamos cuando nos ponemos los cascos", añade.

Para Camela es un "honor" que cuenten con ellos para soplar las velas en este cumpleaños tan especial con el que Sonorama entrará en la veintena. "Nosotros estamos dispuestos a todo", aseguran. "Pero si teníais tantas ganas no sé por qué no nos habéis llamado antes", replicaba Dioni entre risas.

Gusten más o menos, es más que evidente que Camela ocupa un hueco importante en la historia de la música de nuestro país, que va más allá de la música de fondo que suena en las ferias de los pueblos, con más de siete millones de discos vendidos a lo largo de su carrera. Ahora, estamos expectantes por ver cómo encajarán y les recibirá el público del festival. Y seguro que más de uno se descubre cantando eso de "cuando zarpa el amor".

Pero, entre tanto asombro, no ha sido el único anuncio . El maravilloso cartel de Sonorama sigue sumando nombres de bandas que cuentan con una importante y reconocida trayectoria que ha marcado la historia de la música de nuestro país, así como aquellas que empiezan a abrirse paso, y con bastante fuerza.

Ángel Stanich, Apartamentos Acapulco, Cuervos, Diego Vasallo, Echo, El Meister, El Rincón de los Sueños, El Sótano de Babel, Estrogenuinas, Fangoria, Fernando Maeso, Garaje Florida, Gimnástica, Homenaje OK Computer, La Casa Azul, Lagartija Nick, Lichis, Little Indian Rabbits, Los Vengadores, Loud, Maldito Reloj, Mamba Beat, Mechanismo, Morgan, Nocturnas, Ochoymedio DJs, Olivia Emdiv, Pianet, Quadrophilia, Rufus T. Firefly, Shiva, Sierra Nevada, Tachenko, Tardeo, The Girondines, The Milkyway Express, The Niftys, The Royal Flax, The Wharmy Paradox, The Wyest, Tierra Vertical, Vaya Cuadro, Virginia Díaz DJ, Viva Suecia, WAS, Willy Drummond, Yo Estratosférico y Yoyo Banana, son los más de 40 artistas que se unen a los ya anunciados con anterioridad, entre los que figuran músicos y grupos de la talla de Loquillo, Leiva, Coque Malla, Iván Ferreiro, Sidonie, Lori Meyers, Sidecars, Xoel López, Niños Mutantes o Santiago Auserón, entre muchos otros.

Un festival que deja fuera de juego a la música internacional para centrarse y apoyar el producto nacional. Y lo hace con un homenaje a la historia de la música en español, en sus últimos 20 años, mediante un concierto en el que participarán diferentes generaciones de artistas que han marcado la trayectoria del pop y rock nacional y también de Sonorama. Un concierto impulsado por Charlie Bautista, y en el que 20 bandas tocarán algunas de las 20 canciones más memorables de nuestra música.

Imagen: wikipedia


Modelo de Respuesta Polar: "No tenemos ganas de parar"

Texto: Cristina Muñoz

Modelo de Respuesta Polar: “Recibir apoyos o no es algo temporal y necesario, pero el tiempo manda y decidirá si un grupo aguanta o no”

 

Modelo de Respuesta Polar parece estar viviendo su mejor año a nivel musical. Con su último disco ‘Dos Amigos’ (2016), que vio la luz gracias a un crowdfunding, han logrado llegar a un público que hasta entonces no sabía de la existencia de los valencianos. Han teloneado a Izal en los conciertos de su fin de gira, y han comprobado lo que se siente encima del escenario del Palacio de los Deportes con más de 16.000 personas atentas a cada uno de sus movimientos. Por todo ello, y mucho más, aseguran que este ha sido “un año magnífico”.

Pero todavía, aseguran, les queda “muchísimo por conseguir”. Y en este recorrido, se preparan para cruzar el charco el próximo otoño, mientras continuarán por nuestro país con la gira de Dos Amigos, y buscan un hueco para meterse en un estudio a grabar su próximo disco.

Hablamos con los valencianos para saber, además, cómo valoran el papel de la industria hacia los grupos que buscan su lugar en una escena musical que no para de crecer, de si el crowdfunding sirve para “salvar” a las bandas y a la música, y del apoyo que dan a la música marcas ajenas a este mundo.

Ha pasado más de un año desde que lanzasteis vuestro último disco 'Dos Amigos', habéis abierto el fin de gira de Izal en varias ciudades... ¿en qué momento estáis ahora?

Estamos organizando los meses venideros para sacar un espacio y meternos a grabar disco. La idea es poder tenerlo preparado para finales del 2017, pero por suerte los compromisos y los conciertos se han alargado más de lo previsto.

¿Qué rescataríais de vuestro 2016 a nivel musical? ¿Qué es lo mejor que os ha pasado?

El 2016 fue el año en el que lanzamos Dos Amigos y en el que mucha gente nueva nos conoció. Lanzamos el crowdfunding y pudimos girar en muy buenas condiciones. Ha sido un año magnífico.

¿Qué significa para Modelo de Respuesta Polar 'Dos Amigos'?

Es un disco en el que se depositó mucha ilusión y supuso un cambio a muchos niveles. Es un disco grabado en condiciones que nunca habíamos podido permitirnos y con un equipo de trabajo increíble.
Luego ha sido un disco que nos ha dado muchas alegrías por las canciones que lo componen.

‘Dos amigos’ nació con un crowdfunding, pero con la mano detrás de un productor de la talla de Ricky Falkner, ¿cómo se recurre a un Crowdfunding y se tira de uno de los productores musicales más respetados actualmente? ¿Son muchos los grupos y artistas que confían en él, qué ha aportado a MDRP?

Ha aportado una visión muy importante para afrontar las canciones. Mucho saber hacer y elegir con criterio.

¿Qué ha supuesto para Modelo de Respuesta Polar telonear a un grupo como Izal?

Ha supuesto aprender de cerca como se gestiona un éxito inmenso. Son un grupo de personas con mucho talento y muy cercanas.

¿Sobre todo, como fue ese momento en el que os subisteis al escenario de un Palacio de los Deportes de Madrid abarrotado? ¿Fue una experiencia que os ha aportado algo más como grupo?

Fue un subidón de adrenalina complicado de explicar. Es una suerte poder vivir momentos como esos y poder sacar conclusiones de todo ello. Aquel día fue sencillamente perfecto y como tal nos lo guardamos.

Hablábamos del apoyo que supone tener detrás a un grupo que se ha hecho un hueco importante en el mundo de la música y también a una productora que confíe en vosotros, ¿pero sentís un apoyo real hacia los grupos que, aunque con varios discos a las espaldas como vosotros, están buscando su lugar en una escena musical que no para de crecer?

Cada grupo tiene su propia trayectoria y es así desde el principio de los tiempos. Es bueno recorrer cada etapa e ir aprendiendo con cada paso que vas dando. Recibir apoyos o no es algo temporal y necesario, pero el tiempo manda y decidirá si un grupo aguanta o no.

¿Dónde se encuentra ese apoyo? Vosotros que además recurristeis al crowdfunding para sacar adelante este disco.

Cada uno recurre a lo que puede, desde un banco a una discográfica, a un crowdfunding o a tu propio trabajo. Ninguna es mejor o peor que otra, simplemente tienes que ver cuál es tu mejor opción.

Siguiendo con el tema del crowdfunding. Son muchos los artistas que se han visto en la necesidad de financiar su disco mediante este tipo de ayuda. ¿Creéis que este tipo de mecenazgo colaborativo, de ayuda social es lo que va a "salvar" a la música y a los grupos? ¿O es más un grito y una búsqueda de alternativas ante la falta de implicación de la industria hacia las nuevas bandas?

Es una alternativa y muchas veces no es ni siquiera una salvación, es una opción. En nuestro caso tomar esta alternativa nos ha llevado a encontrarnos cara a cara con nuestro público y poder estar en contacto con ellos durante todo el proceso. Ha sido más una agradable terapia.

Entonces, ¿habéis sentido la necesidad de implicaros más en este disco y darlo todo para recompensar a aquellos que confiaron en vosotros antes si quiera de escuchar las canciones? ¿Es una forma de crear más exigente o con más responsabilidad?

Siempre damos todo lo que tenemos, solo que esta vez nos hemos sentido arropados por más de 300 personas y eso ha sido muy motivador.

Más allá de la industria, las salas o el público y el crowdfunding, que está tan de actualidad, ¿cómo valoráis la implicación de marcas que en un principio son ajenas al mundo musical en este ámbito, vosotros que últimamente sois asiduos a las propuestas de Mahou? ¿Es positivo que entren en juego factores externos en el mundo musical?

Nos parece estupendo que marcas del tipo que sean decidan dar soporte económico cuando prácticamente nadie lo hace. Gracias a estos departamentos que ponen el foco en la música, se pueden realizar festivales, giras etc

Es casi imposible encontrar un hueco en el calendario, sea verano o invierno, donde no haya algún festival, ¿vosotros sois amigos de los festivales? ¿Creéis que realizan una labor importante en la música y con los artistas?

A nosotros nos viene muy bien tocar delante de gente nueva y aparecer en carteles donde a través de otros artistas llegan a nosotros. Son un tipo de conciertos que nos gustan y lo pasamos bien. Eso no quiere decir que no disfrutemos en otros aforos. De hecho somos más de salas y en realidad es nuestro lugar

Vuestras letras y ese sonido que parece compuesto para disfrutarlo en la intimidad de una sala pequeña, ¿cómo se reciben en un recinto al aire libre con miles y miles de personas alrededor?

Tenemos nuestro momento ideal para tocar en festivales y hacer que se cree una atmósfera especial. Hemos vivido grandes sensaciones mientras anochecía en un concierto.

¿Tenéis en mente proyectos futuros, un nuevo álbum, canciones en mente, o todavía os apetece disfrutar de 'Dos Amigos' un poco más y acercarlo al público?

Tenemos en agenda un viaje a Brasil, un disco nuevo y acabar la gira de Dos amigos. No tenemos ganas de parar.

¿Sentís que después de un año tan intenso aún os quedan muchas cosas por hacer y conseguir?

Nos queda muchísimo por conseguir. Sencillamente disfrutamos del camino que por suerte es muy agradable.


El festival solidario Be Water reúne a Capitán Cobarde, Mamita Papaya y Paul Panés por una buena causa

La música, además de amansar a las fieras, a veces también sirve para ayudar. Y eso es lo que promueve el festival solidario Be Water, organizado por la agencia de Management & Booking High Fidelity, por la ONG Be Water, y patrocinado por Alain Afflelou, que celebrará su segunda edición el próximo sábado 10 de junio en la Sala Caracol de Madrid y donde se darán cita grupos como Capitán Cobarde, Mamita Papaya o Paul Panés (además de alguna que otra sorpresa), con el objetivo de recaudar dinero de abastecer de agua algunas de las zonas más desfavorecidas de África. Y por supuesto, pasar una gran noche llena de muy buena y variada música.

Así, tras conseguir, con la primera edición, recaudar la cuantía necesaria para llevar a cabo la construcción de un pozo en Camerún con el que garantizar el acceso al agua potable a las familias y niños de la zona. Este año Be Water vuelve a reunir a los melómanos madrileños y vuelve a repetir iniciativa, pero en esta ocasión el dinero obtenido de las entradas del concierto se destinará a dos nuevos proyectos que se pondrán en marcha a principios de 2018, de la mano también de la ONG Tatu Poject.

Por un lado, se llevará a cabo la creación de un aljibe en Marruecos, en un pueblo del Valle de Tessaout en el Alto Atlas, que dará agua potable a más de 500 personas, y que cuenta también con la colaboración de la Fundación Geoda. Al tiempo que en Tanzania se establecerá un pozo de agua con bomba electrosumergible y paneles solares, que abastecerá a más de 100 personas.

El acceso al agua potable es todavía un derecho restringido que afecta a alrededor del 50 por ciento de la población africana. Pueblos donde el agua es un recurso escaso, donde muchas veces se ven obligados al consumo de agua contaminada, lo que provoca enfermedades como la diarrea, que se ha convertido en la segunda causa de muerte entre los niños menores de cinco años de estas zonas afectadas, según los datos publicados por la ONU en marzo de este año. Pues casi dos millones de niños se encuentran en peligro de sufrir enfermedades diarreicas.

Las entradas se pueden adquirir por 10 euros de manera anticipada a través de Wegow, o por 12 euros en taquilla. Una cantidad con la que, además de contribuir a una buena y necesaria causa como es el abastecimiento de agua potable en algunas de las zonas más necesitadas de África, también permitirá disfrutar de las canciones del último disco de Capitán Cobarde, publicado hace tan solo unos meses. Así como los nuevos temas incluidos en el primer disco de Mamita Papaya y los nuevos cortes de Paul Panés con su nueva formación.


Pop, una historia de la música y la televisión

Pop, una historia de la música y la televisión: El documental que recorre más de seis décadas de música popular española

 

La madrileña sala El Sol se vestía anoche de largo para acoger la presentación de un nuevo programa musical. Y es que tal y como está la televisión en nuestros días, que se apueste por estos formatos y se otorgue a la música un protagonismo que desde hace algunos años había ido perdiendo, es un lujo.

Sobre el escenario un sexteto de musicazos, los que componen la potente ‘Banda de Late Motiv’. Con Litus al frente, respaldado por el bajista Mac Hernández, el saxofonista Pirata, Santiago Comet a las teclas, Cocke Santos a la batería y el sonido eléctrico de la guitarra de Pablo Novoa. Una calidad instrumental que encontró anoche en Zahara su pieza clave. La dulzura y, en ocasiones, el desgarro de su voz aportaron el toque cálido al rollo canalla de los del programa de Buenafuente.

Y así, de su mano, fue posible transportarse a otras décadas, con canciones que son parte de la historia de la música y de la memoria colectiva como ‘Black is Black’ de Los Bravos, ‘Escuela de calor’ de Radio Futura, ‘Lucha de Gigantes’ del excepcional Antonio Vega (y que cobra un sentido especial en la voz de Zahara, de esos que ponen la piel de gallina), ‘Insurrección’ de El último de la fila, ‘Sin documentos’ de Los Rodríguez, uno de los himnos de Mecano ‘Perdido en mi habitación’, y un guiño a lo que suena en nuestros días con ‘Golpe Maestro’ de Vetusta Morla.

Un recorrido que es solamente una pequeña parte de lo que el canal #0 de MoviStar+ ofrecerá la noche de los miércoles con ‘Pop, una historia de la música y la televisión’. Así, vuelve #0 a rescatar a la música del olvido en los programas de televisión y elevarla al lugar que se merece, como ya viene siendo habitual en casi todos sus espacios. Esta vez lo hace en forma de documental. Invitándonos a viajar en el tiempo en un recorrido de más de seis décadas de pop y rock por más de 80 entrevistas a artistas clave en la historia de la música en España y a profesionales de la pequeña pantalla.

El dúo dinámico, Los Bravos, Nacha Pop, Radio Futura, Burning, Danza Invisible, Gabinete Caligari, El último de la fila, Los Secretos, Miguel Ríos, Bunbury o Raphael, pasando por Tequila, Hombres G, Coque Malla, Alejandro Sanz, Estopa, Amaral, Pereza o El canto del loco, hasta Vetusta Morla, Love of Lesbian, Sidonie o Manel. En ‘Pop, una historia de la música y la televisión’ no hay un estilo marcado, no hay roles, ni importa si es indie o mainstream. Tienen cabida todos. Y cuando decimos todos, nos referimos a que no faltarán si quiera referencias a los talent shows de esos que consiguen ser líderes de audiencia y dejar algún que otro juguete roto, y alguna que otra entrevista a los ‘Triunfitos’.

Con las opiniones y la crítica de grandes periodistas, presentadores y realizadores de la talla de Diego Manrique, Fernando Navarrete, Jesús Ordovás, José María Íñigo, Jose Ramón Pardo, Hugo Stuven, Jose Antonio Abellán, Mercedes Resino, Marisol Galdón, Santiago Alcanda, Fernandisco, Jorge Flo, Tony Aguilar, Tinet Rubira, Javier Limón, David Trueba o Virginia Díaz.

Un documental que hará las delicias de los más melómanos al tiempo que repasan las canciones que fueron, son y muy probablemente serán clásicos de nuestra música y nuestra vida, la historia detrás de ellas y de los grupos que se pondrán delante de la cámara, las vidas de aquellos que ya no están pero siempre serán un referente, la evolución de la industria musical y discográfica, y los programas musicales de todas las épocas. Un paseo desde el sillón por los ensayos, grabaciones, las giras, los conciertos y los festivales de cada uno de los grupos desde los años 50 hasta nuestros días.

Todo ello en un formato de cuatro episodios, que promete ofrecer un cocktail de recuerdos y melancolía, acercándonos a esas canciones que acabamos haciendo nuestras, a esos artistas de los que un día fuimos un poco groupies, a esos programas a los que nos enganchamos, y, sobre todo, ayudándonos a entender mejor la música y lo que representaba en cada época.

Esto es lo que encontraremos en ‘Pop, una historia de la música y la televisión’. Un programa que se estrena esta noche a las 22:30 horas, en el canal #0 de MoviStar+. Nosotros sólo podemos decir: Larga vida a la música. Y si es nacional, mucho mejor.


Cannibals, el “oxígeno” para un panorama musical saturado

Lo oscuro de su nombre contrasta con el buen rollo y la frescura que desprende su música. Y es que a veces las apariencias engañan. Hablamos de Cannibals, una de las bandas emergentes del momento, que llegan para comerse el mundo y conseguir que la gente “disfrute de la vida con sus canciones”.

Son una auténtica fiesta sobre el escenario, con un sonido difícil de catalogar en un solo estilo pero con una notable influencia del Rey del Pop, y con un lema con el que quieren traspasar fronteras: ‘Do the cannibalism’ es su grito de guerra. Con él, invitan a exprimir la vida, bailar, comernos los unos a los otros, y amarse. “Pero de verdad”.

El grupo madrileño ha sido uno de los seleccionados por el concurso de talentos Mad Cool Talent para formar parte de la segunda edición del festival. Pero antes de subirse, el próximo 7 de julio, a alguno de los cinco escenarios que invadirán La Caja Mágica de Madrid, pasaron por el ciclo de conciertos nacido de la unión entre Mahou y Mad Cool que recorre las salas madrileñas, para ir calentando motores y preparando a los festivaleros de cara a lo que vivirán en poco más de un mes.

¿Qué ofrece Cannibals a un panorama musical tan saturado?

¡Oxígeno! Intentamos no aburrir a la gente. Que bailen y disfruten de la vida con nuestras canciones de fondo. Supongo que ofrecemos lo que somos. O lo que queremos ser. Felices.

Cannibals tiene ya un recorrido, pero os ha costado dar el salto final y presentaros de forma oficial con un disco, ¿por qué habéis tardado tanto en hacerlo o por qué dudabais?

Realmente el nombre de Cannibals sí que existía en mi inconsciente como algo que quería hacer. Pero Cannibals como lo conocemos hoy existe desde hace un año. Y cuando las piezas del puzzle encajaron, fue realmente sencillo. Todo. No hubo dudas.

¿Podéis definiros musicalmente? Es difícil catalogaros dentro de un único estilo.

Hacemos lo que nosotros llamamos Tropical Dance. Es en el fondo una devoción hacia las raíces del ser humano. A la tribu, a esos ritmos frenéticos, cantar con tus amigos una canción. Y el choque cultural con la manera de hacer música europea o americana.

¿Cuáles son vuestras influencias más directas?

Son muchísimas. Ya te digo, van desde Fela Kuti, Bob Marley, Alton Ellis, Ebo Taylor, hasta Bruno Mars o Michael Jackson.

‘Do the cannibalism’ es vuestro grito de guerra, ¿por qué hay que practicar el canibalismo?

¡Porque debemos! Porque la vida es demasiado preciosa como para no disfrutarla. No en plan estúpido, ‘carpe diem’ y todo eso. Que también. Si no con las ganas de exprimirlo todo. Todo lo bueno. Comernos los unos a los otros. Estamos contando lo que se ha contado siempre. Hay que recordarlo. Hay que amarse. De verdad. Y disfrutarlo. Y bailar.

El videoclip de ‘In toledo’ no deja indiferente, ¿os gusta la provocación o es una táctica para que se hable de Cannibals?

La provocación es un medio para un fin. Pero salió de un modo natural. No hubo una intención de ser especialmente provocativos. Simplemente cuadraba la historia. Pero es bueno ponerse la zancadilla mental de vez en cuando. Te mantiene despierto.

Escucha aquí "In Toledo" de Cannibals

Habéis ganado un concurso de talentos musicales que os llevará a participar en uno de los festivales más valorados de este país, ¿consideráis que existe un apoyo tan grande y real como parece, tanto por parte de la industria como del público, hacia las bandas emergentes?

No sabría qué es lo que pasa en otras bandas. Pero en nuestro caso el apoyo del público ha sido muy real. Muy tangible. En cada concierto se ha sentido una conexión muy especial entre la banda y el público. Y eso nos ha elevado y hecho felices. La gente está empezando a empaparse del canibalismo. La industria siempre va más lenta. Pero tampoco nos podemos quejar.

Habéis sido una de las bandas emergentes seleccionadas para subiros a uno de los escenarios de Mad Cool, ¿Cómo fue el proceso? y ¿qué se os pasó por la cabeza al recibir la noticia de que estaríais en uno de los grandes festivales de este país?

Fue una pasada. Casi más el proceso que el fin. TODO EL MUNDO que conocía nuestra música y a nosotros se volcó en votar y en hacer que otros votaran. Fue increíble. Y sentimos más que nunca al público detrás. Sentimos que querían más. Y estamos trabajando a muerte para devolverles el favor en forma de música. Y el festival, saberte dentro, fue como el primer escalón de un sueño. Va a ser genial.
Queremos que la gente que se pase flipe. Disfrute al máximo.

Tenéis un directo muy fresco, con una puesta en escena muy divertida ¿cómo planteáis el show de cara a Mad Cool?

La verdad es que nos hace muchísima ilusión poder quedar en la retina de los que nos vean. No quiero desvelar nada. Pero si diré que será algo diferente y absolutamente divertido. Aunque para ser justos, es algo que en la medida de lo posible intentamos en cada bolo. Cada persona que elije vernos se merece todo lo que podamos darle.

¿Qué esperáis de vuestro paso por y tras el festival?

De nuestro paso por el festival pretendemos que no se olviden del concierto. Que el público recuerde que Cannibals es Cannibals. Y que si caes en nuestro bolo, no lo olvides. Sólo esperamos que nuestro mensaje pueda llegar a todo el mundo que esté dispuesto a escuchar.

¿Que vuestro nombre parezca en el cartel de Mad Cool os ha abierto puertas en estos meses, desde que se anunció?

Los primeros contactos que estamos teniendo con gente a la que antes no podíamos acceder están siendo buenos. Quizás en poco tiempo pasen cosas guays. Pero ya te digo, no es nuestra preocupación. Estamos volcados en la música y los vídeos.

¿Y qué espera de ahora en adelante Cannibals?

Que más y más gente conozca el canibalismo. Que escuchen nuestra música. Queremos salir fuera, grabar un largo, más videoclips, más bailes y más gente compartiendo lo que hacemos. Eso sería perfecto.


Rufus T.Firefly son un milagro

Madrid viaja al corazón de una Magnolia al ritmo de la psicodelia de Rufus T.Firefly

Hay conciertos y conciertos. El de Rufus T.Firefly el pasado sábado en Madrid era de esos que se esperan con ansias. De esos que se hacen cortos. En los que podrías quedarte a vivir eternamente. Y al acabar, volverías a retroceder en el tiempo para encontrarte de nuevo frente a ese escenario con el telón bajado minutos antes de que empezaran a sonar los primeros acordes de ‘Tsukamori’. Fue uno de esos conciertos que te reconcilian con la música. De los que sales envuelto en felicidad, y ya no puedes parar de tararear las canciones. Canciones que ahora suenan en bucle dentro de un vinilio.

No era la primera parada en la presentación de Magnolia. Ni si quiera en Madrid, pues ya habían interpretado algunas de sus nuevas canciones hace meses en la capital. También habían recorrido otras ciudades, e incluso conquistado uno de los primeros festivales de la temporada. Pero el concierto del pasado 22 de abril en la sala Ocho y Medio, era su puesta de largo.

Nadie quería (ni debería) perderse a Rufus T.Firefly. Las ganas de poder saborear en directo la potencia de los temas incluidos en Magnolia eran máximas, y las expectativas que había puestas sobre ellos eran demasiado altas, pero no solamente pudieron con ellas, sino que las superaron. Ya en los días previos una pregunta rondaba por Madrid, (y nada tenía que ver con ‘el clásico’): “¿vas a Rufus, no?”. Así, sin dar opción a que existiera la posibilidad de que alguien pudiera faltar a esta cita. Quizá por esto no resultó raro que una legión de fieles, de los de antes y de los que se han convertido con su último trabajo, inundaran todos y cada uno de los huecos de la sala.

“Os deseamos a todos un buen viaje. Venimos desde Aranjuez con amor”. Así daba la bienvenida Víctor Cabezuelo (voz, guitarra y sintetizadores) tras haber hecho entrar en calor a los allí presentes con las primeras canciones. ‘Tsukamori’, ‘El Halcón Milenario’, e ‘Incendiosuicida’ (incluida en Ø), daban el pistoletazo de salida a este esperadísimo concierto.

Y en ese viaje, fuimos poco a poco llegando hasta el centro del corazón de Magnolia -sin que faltaran temas de sus discos anteriores Ø y Nueve- guiados por su rock alternativo y psicodélico, adentrándonos en los ritmos eléctricos de ‘··0··’, la extrema belleza de ‘Nebulosa Jade’, o la envolvente ‘Última noche en la Tierra’. Pero además, homenajearon a los Beatles con ‘Lucy in the sky with diamonds’, quienes de una manera poco evidente están presentes en su último álbum. Y el silencio se adueñó de la sala cuando Víctor se puso tras el teclado y cedió su lugar a la espectacular voz de Alice Wonder, para interpretar, sin necesidad de guitarras, ‘Canción Infinita’ (extraída de Nueve).

La fuerza instrumental y el juego de luces fueron los protagonistas principales de una puesta en escena en la que, sin embargo, el foco estuvo dirigido gran parte de la noche sobre Julia Martín-Maestro, quien, sentada tras la batería -que en esta ocasión pasó de ocupar la parte trasera del escenario para situarse en primera fila-, se adueñó del show, ofreciendo una lección magistral, con un ‘groove’ y una fuerza al golpear las baquetas que son de otro planeta. Capaz de atraer todas las miradas, aplausos y desencajar las mandíbulas de los allí presentes.

A su lado, justo en el centro, con una sonrisa permanente que le duró todo el concierto, Víctor consiguió conectar con el público desde el primer momento y transportarle, con su voz (y sus bailes), a ese mundo lleno de colores y trazos psicodélicos que se dibuja en las canciones de su último trabajo, a través de un recorrido en forma de alegato en defensa de la naturaleza, el arte y el amor. Elementos que confluyen en sus nuevos temas, y que sonaron todos y cada uno de ellos, sin excepción alguna, para deleite de los que desde la pista estaban siendo espectadores de un viaje que va a llevarles muy lejos.

Sobre el escenario, a ratos las canciones dejaban paso a las palabras de Víctor, quien demostró una verdadera lección de humildad, y terminó de ganarse a los que llenaban aquella sala. Recordó y agradeció el apoyo de todos aquellos que les habían acompañado durante los “muchísimos años de carretera”, desde antes de que todo se hiciera realidad, y entre ellos a muchos de sus compañeros de profesión. Sin olvidarse de los que esa noche habían ido allí para verles: “No sé por qué apoyáis a estos freaks, pero nos apoyáis. Y todo esto es gracias a vosotros”.

Pero todo lo bueno se acaba. Aunque antes de cerrar el telón, decidieron reventar el Ocho y Medio con dos de los temas más potentes del disco, Magnolia y Río Wolf. Y mientras todos enloquecían, invadidos por una especie de éxtasis colectivo del que sería imposible salir, aquello llegaba a su fin, y ese concierto, que había sido una especie de prueba de fuego para los de Aranjuez, dejaba claro que Rufus T.Firefly son un “puto milagro”.

Fotos vía: JanethePlanet


Cuenta atrás para los Premios MIN de la Música Independiente 2017

Empieza la cuenta atrás para inscribirse en los Premios MIN de la Música Independiente 2017

Artistas y profesionales de la música independiente de la escena española tienen una nueva oportunidad de presentar sus proyectos en la novena edición de los Premios MIN de la Música Independiente. Pero háganlo rápido, porque la cuenta atrás para inscribirse y poder figurar entre los candidatos a optar a uno de estos reconocidos galardones ha comenzado, y será el próximo martes 31 de enero el último día para hacerlo.

Para participar es imprescindible haber publicado grabaciones musicales –canciones, EPs o álbumes- en 2016, que hayan sido producidas por sellos discográficos independientes o autoeditadas por el propio artista. Pueden inscribirse también videoclips, directos, producciones, diseños y fotografías relacionadas con las grabaciones musicales.

Los Premios MIN, organizados desde 2009, ponen en valor y reconocen el proceso de creación, la diversidad y la calidad artística de las producciones independientes realizadas en España, las cuales publican el 80% de las novedades discográficas.

En esta edición llegan con una novedad, pues será el público el encargado de seleccionar, en la primera fase, a los 30 semifinalistas de entre todos los inscritos. Ya en la segunda fase, será un jurado profesional compuesto por una comisión de prescriptores musicales nacionales e internacionales el que se encargue de elegir a los finalistas de cada una de las categorías.

EL PLAZO DE INSCRIPCIONES EL MARTES 31

En los Premios MIN tienen cabida todos los estilos, por ello entre las categorías, además de las de mejor álbum, mejor artista, canción del año, mejor artista emergente, mejor directo, mejor videoclip, mejor producción musical, hay espacio para mejor álbum de pop, mejor álbum de rock, mejor álbum de músicas del mundo y fusión, mejor álbum de jazz, mejor álbum de hip hop y músicas urbanas, mejor álbum de flamenco, mejor álbum de clásica, mejor álbum en catalán, mejor álbum en euskera, mejor álbum en gallego y mejor grabación de electrónica. Se reconocerá también el mejor diseño gráfico y la mejor la fotografía promocional, así como un premio de honor Mario Pacheco –productor, promotor, editor y fotógrafo-.

Los ganadores recibirán, como lleva siendo año tras año, un trofeo de lo más original y extravagante, que emite sonidos de sirenas y metralleta que imitan los que reproducen los juguetes de los niños. La entrega del premio se llevará a cabo el próximo 28 de marzo en el Teatro Nuevo Apolo de Madrid, donde no faltarán las actuaciones de algunos de los artistas y grupos más reconocidos de la escena independiente.

En la pasada edición, los claros triunfadores fueron los chicos de Vetusta Morla, quienes se alzaron con el premio a mejor artista, mejor directo y mejor videoclip. Otros ganadores fueron Xoel López, Izal, El Langui, Aurora&the Betrayers, Guadalupe Plata, Juanito Makandé, Hidrogenesse y New Order, entre otros.


VillaManuela inundará de música Malasaña y Conde Duque los días 7 y 8 de octubre

Cuando crees que la temporada de festivales daba sus últimos coletazos, y que el calor no iba a abandonarnos nunca, nos encontramos con una nueva edición de VillaManuela, que inundará de música las salas de Malasaña y Conde Duque en el mes de octubre. Demostrando que, al contrario que las bicicletas, los festivales no son solo para el verano.

Este festival madrileño, que ya celebra su quinta edición, se dividirá por primera vez en tres bloques: VillaManuela Tarde, VillaManuela Noche y los Escenarios Mahou --a los que se podrá acceder de manera gratuita, tras hacerse con los PIN CODE que aparecerán en los cuello de los botellines Mahou--. En ellos, se darán cita más de 30 bandas, entre el 7 y 8 de octubre.

Los conciertos correrán a cargo de grupos como Death in Vegas Live A/V, Faust, Lena Platonos, Andy Stott, Craig Leon, Mecánica Popular, LCC, Lena Wilikens, Las Odio, Kaydy Cain, Personal Mythologies, Vladimir Ivkovic, Fiera, Aries, Mar Otra Vez, John Grvy, Ailizz, Amnesia Scanner, Anna Meredith, Bo Nincen, Damian Schwartz, Den Sorte Skole, Group A, Holögrama, Jaakko Eino Kalevi, King Khan&The Shrines, Melange, Naked, Nightcrawler, The Dwares of East Agouza, The Suicide of Western Culture.

Salas como Siroco, Joy Eslava, Clamores, Café La Palma o Teatro Barceló, abrirán sus puertas a VillaManuela. Como novedad, los organizadores anunciaron durante la presentación del festival, la apertura de la Sala 0 del Palacio de la Prensa a algunos de los conciertos.

VILLAMANUELA ES MÁS QUE MÚSICA

Pero no solo de conciertos vive VillaManuela. Y como parte del festival, se llevará a cabo la exposición 'La construcción del sonido', que ofrecerá una reinterpretación del sonido que se convierte en una entidad visual. Se podrá ver en Conde Duque del 28 de septiembre al 9 de octubre.

No faltarán tampoco una serie de interesantes conferencias entorno al mundo de la música, que contarán con las intervenciones de destacados periodistas, profesionales del sector musical, fotógrafos y, por supuesto, músicos. Tres conferencias en las que se debatirá sobre 'Mujer e industria musical, ¿a qué problemática nos enfrentamos?', 'Fotografía musical. Salida de emergencia', y '¿Existe el buen gusto musical? Los músicos enjuician a la prensa'.

FIESTA DE BIENVENIDA

El Festival dará el pistoletazo de salida con una fiesta de bienvenida en la que los canadienses Holy Fuck pondrán a bailar a los presentes al ritmo de electrónica mezclada con instrumentos propios del rock. Será el 6 de octubre en la sala Caracol.

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Ciudad Oasis nace para dar visibilidad a bandas emergentes y devolver la vida a las cintas de cassette

Texto: Cristina Muñoz.

Luis González y Nacho Cano son los fundadores de Ciudad Oasis, una nueva agencia, que hará también las funciones de promotora, productora y discográfica, y que nace con el objetivo de dar apoyo y difusión a la música procedente de la escena independiente nacional. Para ser, como reza su lema, "el refugio en el asfalto" de bandas emergentes de rock, punk, garage y psicodelia.

Pero también desde Ciudad Oasis quieren devolver a la vida a las olvidadas cintas de cassette. "Queríamos hacer cosas diferentes y ahí surgió la idea. Nosotros no nos planteamos qué formato se vende más, cuál se vende menos, o si hay que impulsar un formato u otro, lo que sí tenemos claro es lo que no queremos hacer. No queremos editar discos como cualquier otra empresa, y eso va a ser nuestro sello de identidad", subraya Luis, quien tras montar su propio blog y darse cuenta de que "escribir no era lo suyo" y lo que realmente le gustaba eran los conciertos, decidió fundar la promotora de conciertos y empresa de servicios musicales Madrindie.

Los chicos de Ciudad Oasis buscan "llamar la atención", tal y como señala Nacho, batería de The Garage Players, y que se unió a Luis en Madrindie. "Yo, personalmente, si me compro algo de música me lo compro por la originalidad del objeto. La música es importante, pero eso ya lo tienes en plataformas, el objeto es de coleccionismo", explica.

Y con esta idea de llamar la atención, trabajarán en la creación y producción  de ediciones limitadas de los trabajos de las bandas que representan. "Queremos dar visibilidad a los grupos de una manera original y cuidada. Todo lo que saquemos van a ser ediciones limitadas, de poca cantidad y numeradas y nunca habrá dos trabajos iguales. Cuando uno se acabe se acabó, y si en algún momento queremos reeditar algún trabajo, habrá que planteárselo como algo nuevo -apunta Luis-. Un 7'', 10'' o 12'', en cassette o digital, todo dependerá de lo que nos diga el disco, qué es lo que queremos hacer con él y dónde queremos llegar. Dos discos no son iguales como dos grupos no son iguales, ¿por qué tratar a todos por igual?".

"¿Qué mejor que un producto cuidado, único y atractivo para regalar y coleccionar?"

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Luis y Nacho, en quienes ya confían bandas como The Garage Players, Milk It, The Bards, Kings of the Beach y Marklenders, se plantean la vuelta a las cintas de cassette como material de coleccionismo, de la misma forma que ocurre con los vinilos. "¿Qué mejor que un producto cuidado, único y atractivo para regalar y coleccionar?", plantea Luis.

Pero, ¿volveremos a recuperar los walkmans como hemos hecho con los tocadiscos?

Duda a parte, para los que queráis conocer mejor Ciudad Oasis, no podéis perderos la 'Fiesta del Flotador', un evento que reunirá en un concierto a los barceloneses Mujeres, a los canarios Texxcoco y a los madrileños The Garage Players, el próximo viernes 16 de septiembre en la sala Siroco.