Sidecars se marca la piel: "Nuestras canciones se están haciendo de la gente"

Llevan ya diez años subidos sobre el escenario. Son de Alameda de Osuna y en su último disco se han abierto el pecho, lo han dejado al descubierto y nos lo han entregado en forma de trece canciones. Ellos son Sidecars y ahora están de vuelta con su quinto disco, Cuestión de Gravedad.

El frío ya se ha instalado en la capital. La manecillas del reloj rozan las tres y media y Ruli y Gerbass me reciben en la sala Costello de Madrid: sin duda, un bonito lugar para este encuentro.

Música Ilustrada: Ruli y Gerbass. La sala Costello os ha visto crecer. Aquí habéis vivido muchas historias. Qué bonito es volver, mirar atrás y ver todo lo que habéis conseguido.

Ruli: Es nuestro cuartel general. Antes veníamos mucho, pero ahora es verdad que venimos menos. Había semanas que nos tirábamos aquí de lunes a viernes.

Gerbass: Así es. Es nuestro cuartel general desde hace diez años y nos hemos visto en todas las posiciones de Costello, desde borrachos en el baño vomitando, que no había quien saliera de ahí, hasta yo mismo que he estado currando durante dos años detrás de la barra. Ahora es más un rincón de reunión, de estar con los jefes, de hablar, y de celebrar las cosas que nos están pasando.

MI: Siempre habéis sido Juancho, Ruli y Gerbass, y Manú en los comienzos, pero en esta nueva etapa habéis incorporado a nuevos miembros como son Ramiro Nieto, Sergio Valdehita, Pere Mallén y Nigel Walker como productor. Amigos con los que ya habéis tocado en conciertos y festivales, pero, ¿cómo se producen estas nuevas incorporaciones?

R: La verdad es que todo ha sido de manera muy natural. En el caso de Pera, Valdehita y Ramiro, siempre han sido como nuestros fieles escuderos. Todo empezó a raíz de la grabación de Contra las Cuerdas, ahí se reestructuró un poco el formato de la banda, Matías tenía que volver a Argentina, Mauro se fue durante la gira, y bueno, fueron apareciendo esta serie de personajes que ahora mismo son vitales para Sidecars. Siempre nos hemos llevado bien y siempre intentamos que la gente que se incorpore forme parte de la familia.

G: Es como con las novias: con la primera tienes una relación insufrible, con la segunda ya va a mejor, y con la tercera ya buscas que te vayas a llevar bien durante mucho tiempo y que te vayas a entender y a que todo vaya a ir bien. Y es lo que nos ha pasado con estos tres monstruos. Son músicos geniales y con los que nos llevamos muy bien. Y de Nigel, qué decir. Hicimos Fuego Cruzado y Contra las Cuerdas con él, y no es que se nos impusiera. Estuvimos tanteando y pensado con qué productores podíamos trabajar, pero ya teníamos la espinita de querer trabajar con él. Ya nos conocía, él sabe perfectamente cómo llevarnos y tiene más experiencia que cualquier otro productor al que pudiéramos optar.

MI: Pero Nigel recibe muchas propuestas, es un subidón que decida coger vuestras canciones.

R: Eso es. Al principio sobre todo. Recibimos mucha información sobre él de gente que había trabajado a su lado y en el primer disco sí fue así. Luego en Contra las Cuerdas y en Cuestión de Gravedad hemos hecho tan buen tándem que desde un principio sabíamos que queríamos trabajar con él.
G: También se tienen que dar los tiempo: que nosotros tengamos canciones y material para grabar y que él estuviera libre. Pero sí teníamos claro que era con Nigel con quién queríamos producir estos discos.

MI: A nivel artístico, el trabajo en equipo puede llegar a ser duro o complicarse, ¿qué tal lo lleváis eso vosotros?

G: Nosotros no tenemos problemas de egos. Juancho escribe las canciones y tenemos plena confianza en que él es el que mejor está en forma a la hora de escribir. Ahí no tenemos problemas, le damos vía libre. Pero es que Juancho ya viene con los bocetos de las canciones muy trabajadas y eso facilita mucho el trabajo en el estudio.
R: Sidecars funciona como un organismo. Nos conocemos de hace mucho tiempo y ya sabemos cómo funcionamos. Sabemos perfectamente cuál es la función de cada uno y la verdad es que son más de diez años ya trabajando juntos, entonces, lo tenemos ya muy hecho.

MI: Habéis dado miles de conciertos, pero siempre que se vuelve uno a subir al escenario hay nervios. ¿Cómo hacéis para liberara esa tensión? ¿Qué manías tenéis?

G: Las manías siempre son las mismas, siempre estamos dando vueltas y chocando unos con los otros, pegando un grito de vez en cuando, pegarle una patada a un taburete que te encuentras, pero al final nos tomamos un chupito y nos abrazamos fuerte antes de salir y para adelante. Pero el ritual es ese, estar dando vueltas sin parar.

MI: Después de haber defendido vuestras canciones en eléctrico como en acústico, y haber grabado un disco, Contra las Cuerdas, en ésta última, ¿con qué formato os identificais más o cuál os gusta más para defender las canciones?

R: En el caso de Contra las Cuerdas no es que estuviéramos cansados de tocar en eléctrico, más bien fue un forma bonita de hacer un repaso y recuperar viejas canciones, que quizá, nos habíamos dejado por el camino. Las canciones, por cómo las trabaja Juancho, nacen en el salón de su casa él sólo con la guitarra y es la manera más natural de hacerlas, por eso el acústico en este caso se acerca más a la canción original o a cómo nacen. En el caso de los teatros, por ejemplo, siempre pensamos que el acústico era el formato que mejor funcionaría. Luego en otras salas, somos más eléctricos. Hemos concebido los conciertos a lo que las salas requerían. No nos rechina nada del acústico ni del eléctrico.

G: Hemos aprendido. Nos hemos dado ya tantos palos probando cosas que funcionan o no funcionan que con Contra las Cuerdas fue un poco tirar pa’lante. No teníamos muy claro que fuera a salir bien. Al final tuvo mucho éxito y salió genial. Hemos aprendido mucho de cada formato y extraído lo mejor de cada uno para poder mezclarlo ahora y llegar al sonido que tenemos. Pensamos que Cuestión de Gravedad tiene lo mejor del formato acústico y lo mejor del formato eléctrico. Es el máximo exponente.

R: Justo. Cuestión de Gravedad es como una mezcla perfecta de Fuego Cruzado, que fue nuestro punto más eléctrico, no confundir con velocidad (risas), y Contra las Cuerdas, que fue nuestro momento más acústico.

MI: Carles Francine, en su programa de La Ventana, hace  una vista muy interesante sobre cómo van sonando vuestros discos, de más cañero a más tranquilo. Imagino que esto también va ligado a las distintas etapas de la vida que uno va viviendo. Creo que con este disco habéis llegado a un sonido muy definitivo.

R: El disco es un poco lo que hemos querido hacer toda la vida. Y creo que se han juntado un poco los astros para este disco, jajaja. Hay que tener en cuenta que cuando grabamos Contra las Cuerdas, que era un recopilatorio, ya estábamos pensando en entrar en el estudio a grabar, porque Juancho seguía componiendo canciones y había material. Y hemos tenido lo mejor de todo, banda, canciones, nos pilló en muy buena forma.

MI: La primera vez que yo os ví, fue en el campus de la Complutense, en el Paraninfo. Ahora habéis llenado la Riviera tres veces.

R: Pecamos un poquito quizá de anticiparnos y sacar las entradas con meses de antelación. Pero porque creemos que es la mejor manera de hacerlo. Si tu sacas el disco y automáticamente te pones a girar, no dejas respirar las canciones. Creímos que era necesario dejarlas respirar un poquito porque además vemos que hay cancionero de sobra en este disco como para dejar ese espacio de tiempo entre el lanzamiento del disco y la gira.

MI: En aquella época, ¿os veíais donde estáis ahora o incluso viviendo de la música?

R: Jajaja, era un deseo, pero de ahí a que se pudiera cumplir…

G: Desde no hace mucho vivimos sólo de la música y hemos podido dejar otros trabajos en los que trabajamos paralelamente a la música, pero ahora mismo sí, hemos conseguido la mayor meta que en realidad era poder vivir de esto y poder poner todo tu corazón y toda tu cabeza en un proyecto, que para nosotros, es Sidecars y que lo ha sido desde hace ya mucho tiempo.

MI: Cuestión de Gravedad es una historia de amor y desamor que vive el propio Juancho. ¿Cuándo se da él cuenta de que tiene un disco entre las manos?

G: Nos hemos parado, y como decía Ruli, ya había material cuando nos pusimos a grabar Contra las Cuerdas. Juancho siempre es muy dinámico y siempre está escribiendo. Toda esta historia que cuenta en Cuestión de Gravedad viene marcada, desde hoy mismo, a tres años atrás, entonces todo se ha ido construyendo a lo largo de este espacio de tiempo. Pero él no estaba escribiendo esto exclusivamente porque pensara que de ahí iba a sacar un disco. Juancho escribe de lo que tiene dentro, y en este momento, él, se siente mucho más expuesto porque ha contado mucho, se ha abierto en canal y le da un poco de miedo. Aún así creemos que eso es lo que hace que las canciones se estén haciendo propias a la gente con más facilidad.

MI: Locos de atar es el tema que abre el disco, y es también, ese primer sentimiento que nace en una relación. Todas las sensaciones que se tienen son de nervios, de alegría, de no saber cómo irá pero de querer lanzarte. Como cuando sacas el disco a la calle.

G: Pues sí. Es la ilusión de tu vida. En ese momento nosotros ponemos todo lo que tenemos dentro por este disco y cruzamos los dedos lo más fuerte que podemos para que funcione lo mejor posible. También hemos tenido más medios para grabar el disco, hemo podido llegar a un nivel mayor y afortunadamente está saliendo por su propio peso, y está consiguiendo una difusión que no habíamos conseguido hasta la fecha.

MI: Ahora es más fácil promocionarse o llegar con tu disco a más gente, con todos los medios que existen, redes sociales, plataformas digitales...

R: Es verdad, pero Spotify por ejemplo, no suple el que ya no se vendan disco como antes pero sí que permiten que haya más baremos en los que te puedas fijar y qué estadísticas está recogiendo tu disco en el último mes… es ya te dice bastante.

G: También es verdad que el mercado ha cambiado mucho. La venta de discos es una lucha que ya todos damos por perdida prácticamente. De vez en cuando pillas un poquito  de royal pero un migita. La difusión está mucho más por encima que el querer vender discos. Al final te va a aportar mucho más que te escuchen un millón de personas a vender cinco mil discos. Por esa razón subimos nuestros temas a plataformas como Spotify o YouTube, también para que todo esté mucho más accesible. A nosotros lo que nos da para vivir son los directos.

MI: En ese sentido, España goza de buena salud. Hay gran variedad de circuitos, festivales, salas, en las que se está apostando por la música en directo.

G: Hace dos años y medio nosotros no podíamos decirlo, nos estaba costando un poco más… tres años después está creciendo mucho y va muy rápido. Los festivales tiene una capacidad de congregación que no tienen macrodiscotecas ni campos de fútbol y eso es muy de agradecer para todos los grupos. Pero es una exposición más, quizá estás yendo a un festival en el que sabes que la gente no va a verte a ti pero de repente se cruzan con tus canciones y descubren que les gusta y se suban al carro. Y eso es bueno.

R: Lo que ha pasado con la música en directo y en concreto con los festivales, es que se están viendo como un modelo de ocio alternativo; en vez de macrobotellón, pues nos vamos de festival. Yo me aventuraria a decir que la mayoría de la gente muchas veces no saben ni lo que van a ver. Igual que si hay muchos que aman la música y saben perfectamente en dónde están. Creo que no hay tanto seguimiento en España como para que sean tan masivos y hay mucha gente que va porque es el único momento del año que tiene para juntarse con todos los colegas.

MI: Es cierto que a vosotros os ha costado entrar en este formato.

R: Tampoco es una cosa que nos comiera la cabeza. Siempre hemos pensado que para salir adelante dependíamos de nosotros mismo y de nuestra gira. Para Sidecars el éxito es hacer una gira propia. Ir a un teatro de quinientas personas y llenarlo. Los festivales no dejan de ser un complemento más para la gira.

G: Es el complemento perfecto. Nosotros nos centramos en nuestras salas, ahora en Madrid hemos llenado la Rivera por tres veces, hay otras ciudades de la gira en las que la venta de entradas también está yendo bien. Eso es lo importante. Si lo estás haciendo bien en las salas eso conlleva a que los festivales también se interesen por ti. Y en ese momento es el complemento perfecto. Nosotros hacemos la gira en primavera/otoño y luego llega el verano y ya completas la máxima exposición nacional haciéndote algunos festivales. También creemos que es delicado el tema de hacerte treinta festivales ya que puede llegar a quemarte con respecto a hacer salas propias, nada más. Nosotro de momento vamos con pies de plomo, como hemos ido siempre, que así nos está yendo bien. Luego cada banda es distinta. Los puedes tener que tenga un caché muy alto y que solo hagan festivales y que con eso les da para vivir. Nosotros no estamos en ese cesto y tampoco va con nuestra forma de pensar.  También hay que tener en cuenta a todo el equipo que va contigo y te acompaña en cada bolo o en cada festival. Tienes que controlar esto porque si no te puede pasar que acabes con un agujero económico importante, a nosotros ya nos pasó en el pasado y hemos aprendido.

R: En Contra las Cuerdas nos pasó. Quisimos ser tan fieles al formato del disco que solo lo llevamos a cuatro sitios más o menos cercanos: Madrid, Valencia, Barcelona y Valladolid que son ciudades que pillan cerca a todo el mundo, más o menos. Tuvimos suerte y llenamos los cuatro, pero si no llegamos a llenarlos el golpe habría sido muy duro.

MI: Y con todo esto, ¿os habéis planteado hacer un WiZink?

R: Sí nos lo hemos planteado, y es la siguiente pantalla, pero ahora mismo no nos preocupa porque es un sitio tan grande que te puede parecer un éxito desde fuera pero por dentro un fracaso absoluto. Es verdad que hay distintos formatos dentro del WiZink pero el día que decidamos dar ese salto nos lo pensaremos muy bien. ¡Ojalá!. También somos muy agonías. El año pasado ya nos pasó que siempre que terminábamos de llenar una sala, Paco (manager) nos decía: “venga, vamos a buscar otra sala que hay que seguir vendiendo entradas”. Al final también necesitas descansar y desconectar un poco.

G: Hace muy poco estábamos acojonados con hacer dos Rivieras, nos convencieron y salió, y la tercera ni nos la planteamos, pero resulta que nos lanzamos también y se ha vendido todo. Esto son cosas que nos están pasando desde hace muy poco y todavía es muy pronto como para pensar en hacer un WiZink. De momento las Rivieras son nuestro objetivo máximo y queremos disfrutarlas como niños porque llenar la Riviera tres veces era algo que no nos imaginábamos ni un nuestros sueños más húmedos.

MI: En Tu Mejor Pesadilla Juancho se marca la piel. Estas cosas a veces pasan y son recuerdos para toda la vida.

R: A veces pasa… (Mientras nos muestra todos los tatuajes que lleva en su piel).

G: Claro. Estas cosas a veces pasan y nos han pasado a todos. Todos nos hemos tirado alguna vez a la piscina y hemos puesto la mano en el fuego por alguien ya sea una pareja, un amigo o un hermano y has tenido problemas. No tiene otra connotación más que esa.

MI: Costa Da Morte habla justo del momento en el que te das cuenta que algo empieza a fallar, que ya nada vuelve a ser lo mismo, pero a la vez no te arrepientes de haber saltado a ese vacío que ahora te tiene atrapado. ¿Os habéis visto alguna vez en ese momento parecido con la música?

R: Cada vez que sales de gira te estás enfrentando a eso. Es una profesión muy bonita pero cuando te va un poco mal o te sale algo rana, las cosas son muy jodidas. Es la p**** dedicarse a esto pero no todo es fiesta. Lo pasas mal estando fuera de casa. El año que viene probablemente solo tengamos dos fines de semana libres en todo el curso.

G: Es como la canción. Una cantidad emocional constante.

MI: Amasijo de Hueso es un pequeño paréntesis en esta historia. Aquí Juancho describe cómo es su relación con Leiva. ¿Qué os aporta Leiva a nivel profesional y a nivel personal?

R: Leiva no deja de ser un Sidecars más. Estuvo ahí cuando sacamos el primer disco, hemos teloneado a Pereza muchas veces, a Leiva también, y cuando todavía estábamos soñando de lejos con todo esto, él era no solo el hermano mayor de Juancho, también era la figura paterna o fraternal que nos daba los consejos y que nos contaba las cosas que sucedían en una gira. Es una persona que nos ha enseñado mucho y en la que seguimos apoyándonos.

MI: Llega Microinfarto. Aquí suena el teléfono y soy un esclavo. Estamos muy pegados a estos aparatos.

R: Efectivamente. Yo además soy una persona muy activa políticamente en redes y con el tema de Catalunya me quemé y decidí dejar las redes sociales durante un tiempo porque si no iba a estallar. No por nada más, pero es que hay veces que te envenenas. Al final vuelves pero porque lo tienen ahí y es inevitable. Hasta el móvil te sigue con GPS. Casi sería de agradecer una tormenta solar para que acabara con todos los satélites, risas.

G: Y más ahora en la era de la comunicación. Si tú tienes este aparato cerca ya tienes un cuarenta por ciento de libertad. En cuanto lo tiras o lo dejas de lado, tienes el cien por cien. Pero de momento con esto cerca puede contactarte cualquier persona, te enteras de todo lo que pasa, no es una libertad real. En realidad estás conectado a todo el mundo todo el rato.
Y en la canción pasa un poco lo mismo. Al final el teléfono no deja de sonar y no te deja afrontar tus libertades diarias o tus rutinas, y siempre te está rompiendo ese tirar para adelante.

R: Además de que pierdes mucho el tiempo. Yo me dí cuenta con Facebook. Me lo borré y eso sí que no me lo he vuelto a abrir. Era tener un poco de tiempo libre y entrar a ver qué noticias hay o qué está pasando, y no, joder. Coge un puto libro, o ve una película. En el momento que cerré Facebook empecé otra vez a leer muchísimo. Y cuando cerré Twitter e Instagram durante un mes, todavía más. Es inevitable también usarlo para currar. Nosotros antes éramos súper pasotas y esto fue una cosa que nos pasó por la derecha muy rápido hace un par de años. No estábamos en redes sociales. Decidimos actualizarnos un poco y darle vidilla, que al principio está muy bien pero luego tienes que aprender a dejarlo de lado.

G: Es un tema que siempre lo hemos ido gestionando nosotros pero que a día de hoy tenemos a una persona amiga nuestra, Alba, que es la que nos ayuda a llevar todas las redes al día y a gestionarlas bien. Más que nada porque la gente también te escribe muchas veces como si fuéramos amigos de toda la vida y llega un punto en que no puedes contestar a todo el mundo, no hay tiempo físico. Intentamos ser lo más amable y lo más cercano posible.

MI: Llegan Olvídame, Canciones Prohibidas, Cuando caigas en shock y Polvorosa. Aquí Juancho ya se ha abierto el pecho, se ha hecho el harakiri.

R: La portada es perfectamente la gráfica perfecta. (ríen)

G: Eso es. La portada es una foto de cuando se abrió Juancho el pecho (ríen).

MI: ¿Cómo es vivir con él y esos sentimientos tan cercanos?

G: Somos tan cercanos, tan colegas y tan hermanos, y nos llevamos desde hace ya mucho tiempo y convivimos tanto, que de un modo u otro los problemas de Juancho son los nuestros y al revés igual. Aquí nos apoyamos todos y esta carrera de músico tampoco es lo más estable y fácil psicológicamente, por eso nos damos apoyo mutuo constante y no somos gilipollas. No nos guardamos las cosas para que nos hagan el menos daño posible. Una carrera musical son un montón de cambios y muchas ansiedades que tienes que aprender a gestionar y filtrar, y aprender a compartir para poder recibir opiniones distintas. Y en este caso tenemos el chollo perfecto para sacarlas.
Estos problemas también los hemos vivido con Juancho y él, en el momento que está jodido nos enseña una melodía que le ha empezado a salir. Por eso hemos escuchado Olvídame cuando era una molécula de la canción que es ahora.

MI: Al final no solo las letras son el reflejo de un sentimiento. Los acordes y las notas también reflejan ese estado de ánimo que él tiene.

R: Sí que es cierto que el tratamiento que tiene el disco, precisamente de estos temas que has comentado, Juancho ha sido siempre el que traía las canciones ya en su cabeza. Ha tenido más tensión sobre los hombros que la que se suele tener a la hora de grabar un disco. Juancho no podía desconectar. Evidentemente toda esa tensión se notaba en la grabación, no hablo de tensión mala, cuidado. La tensión que generan todas las canciones tiene que ver un poco con todo el tratamiento. El disco transmite un mensaje muy claro y estamos muy contentos con el resultado.

MI: En Camino Fácil Juancho ya se da cuenta y asume que no hay vuelta atrás. ¿Llegasteis a pensar en la grabación que igual se estaba abriendo demasiado?

R: Yo creo que no. Hasta que no escuchas el disco terminado no eres consciente de todo lo que has contado. Hay que hacer un ejercicio de abstracción muy difícil mientras estás grabando los temas para ver el todo, y ese es el trabajo que hace Nigel. Nosotros hasta que no escuchamos el disco mezclado y terminado no vimos que igual sí era un disco demasiado abierto. En es un poco putada, porque al final todo es tan explícito y está tan claro que en las entrevistas todo el rato le pregunta, lógico por otro lado.

MI: Con Tan Rápido, ¿ha sido Juancho el único que no lo vio venir?

G: Sí, claro. Pero eso nos pasa a todos. Así somos lo humanos. Juancho pensaba que era el único que no lo podía ver y en realidad… Yo lo hubiera vivido igual, me hubiera pasado lo mismo.

MI: Todo es Mentira. Hay que seguir adelante.

R: Sí. No te queda otra. No vas a tener la cabeza siempre metida en el marrón. Es un disco muy catártico. Y con esta canción era un poco reponerse la situación.

MI: Conmigo o Sin mí es la canción que cierra el disco, pero ¿y la herida?

R: Esta canción es un para reflexionar de todo lo que ha estado contando en las anteriores. Yo creo que es un “To Be Continue…” como pasa con algunas series.

G: Es un poco darse cuenta de que los acontecimientos no pasan como tú quieres que pasen. Lo dejas abierto y que pasen como vengan. Que ya sabrás afrontarlos. Después de los doce cortes anteriores con este, ya dejas claro que estás listo y aceptas las cosas como te vengan.

MI: Al ser un disco tan personal. ¿Pensáis que pueda haber canciones que dentro de un tiempo Juancho no quiera volver a interpretar?

G: Una vez ya has contado lo que tenías que contar, la canción se convierte en la historia personal de la gente que la escucha y entonces pasa a ser bastante ajeno y no tan propio. Es algo que compartes con todo el público en general y así es más fácil de digerir. Al final cuando ves que pasa el tiempo, ves que esa canción es más de la gente que tuya.

MI: Despues de Contra las cuerdas y de haber hecho colaboraciones con Dani Martín, Iván Ferreiro, M-Clan o Leiva, ¿Con qué otros artistas os gustaría interpretar alguna canción?

R: Lo que salga de manera natural. Al fin y al cabo, todo lo que sucedió en ese disco fue una recopilación de amigos con los que hemos estado juntos en estos años de carrera y muchos se quedaron fuera. Tampoco podemos hacer un disco con quince colaboraciones pero seguro que seguirán surgiendo cosas, con Quique seguro o muchos otros amigos.
G: Juancho y Valde ha tocado con Rayden y Miss Cafeína o sea que sigue el mundo de colaboraciones y amiguismos que afortunadamente tenemos muy buen momento aquí en España y no van a faltar. Tampoco tiene que ser forzado. Cuando mejor sale es de manera natural.

Para terminar, dos preguntas de gente que me ha ido escribiendo por Instagram y que son para vosotros.

@oscurasutileza dice: Después de un disco tan visceral, que desprende tanta tristeza y melancolía, ¿cómo están vuestros corazones?

R: Estamos contentos y con ganas de salir de gira para ver como se ha transmitido todo esto que ella dice entre el público. Pero hasta que no lo veamos sudar y cantar en las salas no nos vamos a quedar tranquilos.

@animaconb os pregunta, ¿cuál es vuestro artista español de referencia en la actualidad?

G: Cogemos un poco de todos. Los obvios: Leiva, Iván, Quique González…  Ahora hay un montón de cosas nuevas. El otro día estuvimos viendo a Julián Maeso y flipamos, fuimos a ver a Love Of Lesbian y también flipamos. Está en muy buena forma la cosa, no paro de decirlo. Hay mucho que aprender de todos y queremos seguir aprendiendo de esta escena musical que tan en buena forma se encuentra.


Isma Romero: Han sido dos años de puertas cerradas, nadie quería el disco

Texto: Cristina Muñoz
Fotos: Jorge Gordo

Isma Romero empezó en esto de la música con apenas 16 años. Por aquel entonces eran sus padres los que le firmaban las autorizaciones para que pudiera tocar en salas. Ahora, ocho años después ya tiene en el mercado dos discos, Antes de que esté prohibido (2014) con el que llegó a subirse al escenario acompañado de músicos de la talla de Carlos Tarque (MClan), Rubén Pozo, Juancho (Sidecars) y Ovidi (Los Zigarros); y Luminiscencia, publicado el pasado 13 de octubre, con la mano de Nigel Walker y el respaldo de Warner Music.

Su segundo álbum llega en un momento en el que ha aprendido a disfrutar y a vivir el día a día. Con en el que ha pasado por dos años de incertidumbre, de algunos noes y puertas cerradas que terminaron por abrirse al escuchar su rock positivo y enérgico. Un disco que, tal y como nos relata , "hace dos años no lo quería nadie". Un tiempo en el que ha tenido que "pelear" y al tiempo ha aprendido que "las cosas buenas siempre cuesta conseguirlas". "No hubiera sido lo mismo sacar el disco de esta manera que de otra".

Y nosotros agradecidos estamos de todo ese esfuerzo y lucha que se han transformado en un disco al que auguramos un futuro brillante, con diez canciones que desprenden 'buenrollismo' y ganas de cantarlas a voz en grito. Y tiempo tendremos para hacerlo durante la intensa gira que llevará al valenciano a recorrer gran parte de la geografía española.

Fechas de la gira de presentación de Luminiscencia:

  • 20 OCTUBRE - MADRID (Fnac Parquesur) 19:00h
    Firma de discos + acústico
  • 21 OCTUBRE - MADRID (Fnac Plaza Norte) 19:00h
    Firma de discos + acústico
  • 28 OCTUBRE - ALFAFAR (Valencia) - Jornadas Culturales
  • 10 NOVIEMBRE - LEÓN - Sala Babylon
  • 11 NOVIEMBRE - VALLADOLID - Black Pearl
  • 17 NOVIEMBRE - TOLEDO - Sala Pícaro
  • 18 NOVIEMBRE - CIUDAD REAL - Sala Nice
  • 24 NOVIEMBRE - SANTANDER - Black Bird
  • 25 NOVIEMBRE - OVIEDO - Franel Rock
  • 1 DICIEMBRE - BILBAO San Miguel Music Explorers
  • 2 DICIEMBRE - BURGOS San Miguel Music Explorers
  • 2 FEBRERO - MURCIA Sala Musik
  • 3 FEBRERO - VALENCIA - Sala Wah Wah
  • 17 FEBRERO - MADRID Sala El Sol

ENTREVISTA CON ISMA ROMERO

Pregunta: Hay una frase en Héroes que dice "brindaré por los sueños que hoy son días". ¿Se están cumpliendo tus sueños?

Respuesta: Esa canción hace referencia a muchas cosas. Realmente es como un torbellino de ideas y de experiencias. En la parte final de la canción es donde sale la luz, habla de que bueno realmente lo que estoy viviendo que cada día es un sueño, estoy agradecido por todo lo que tengo y para mí ya es un sueño ser feliz. Realmente todos esos sueños que son días ya los tengo cumplidos.

P: ¿Cómo has vivido este año? ¿Has sentido que por fin llegaba todo eso por lo que tanto has luchado desde que tenías 15/16 años?

R: En estos dos años han ocurrido muchas cosas, muchas puertas que se han abierto, muchas que se han cerrado, muchísimos noes. Y de eso habla el disco. Realmente todo lo que ha ocurrido es un aprendizaje, y yo lo veo así. Para mí las cosas, entre comillas, negativas que nos ocurren, son las que nos ayudan a formarnos como personas. A mí me han ayudado, por lo menos seguimos en el camino.

P: ¿Qué has aprendido y con qué te quedas de todo este camino que has recorrido desde que ibas de sala en sala con la autorización de tus padres para que te dejaran tocar hasta llegar aquí?

R: Pues lo que he aprendido es a disfrutar y valorar las cosas que van viniendo, ese es el premio. Porque muchas veces se me olvida y realmente es lo que te llevas, si no disfrutas cualquier cosa que hagas da igual lo que consigas en tu vida porque no tiene ningún sentido, no se queda el sentimiento de lo que vives, sino que vas viviendo como muchas escenas de tu vida y no disfrutas. Después de todo este tiempo y proceso y puertas abiertas y cerradas, ¿qué significa poder vivir de la música, de lo que te apasiona, que es como un regalo poder dedicarte a ello?

Lo valoro mucho porque, bueno, la vida tiene mucha magia pero con música es un plus. Y así es como la vivo yo y cada persona la vivirá desde el punto de vista en el que es feliz con lo que le late. En mi caso tengo que depender de muchas cosas, también doy clases de guitarra a niños. Pero lo que he intentado siempre es que tenga que ver con la música, que el tiempo que pueda dedicar sea a la música. Y eso ya es un regalo.

P: Durante estos años has dado con grandes músicos que han confiado en ti y en tu música y con los que has compartido también escenario: Rubén Pozo, Candy Caramelo, Urrutia, Tarque, Ovidi, Juancho y Nigel Walker han apostado por formar parte de tu historia. ¿Qué te han aportado todos ellos? y si pudieras elegir, ¿quién sería el que más ha creído en tu sueño?

R: Todas las personas que han pasado por mi vida son importantes, porque me han enseñado algo. Si me centrara en una no estaría haciendo bien las cosas, porque cada uno me ha aportado y me ha dado algo. Estoy agradecido por todos. Por todos los momentos en los que han pasado por mi vida, y lo que queden que sean muchos, ojalá.

P: ¿Cómo se creó el vínculo con Nigel Walker?

R: Le pasamos las maquetas de este segundo disco. Yo tenía muchas ganas de trabajar con él, pero no sabía de su disponibilidad ni le conocía, pero como soy muy pa'lante siempre decidimos pasarle el trabajo y le gustó. Y quedamos en una cafetería por el Palacio Real y hablamos de lo que tenía en mente, de lo que me gustaría trabajar con él... y bueno, como son las cosas que salen naturales, si vas de cara y vas con la verdad, las cosas sólo pueden salir bien. Por lo menos así han salido.

P: Y cómo ha sido trabajar con alguien que lleva tantos años en esto de la música. ¿Qué te ha aportado?

R: Siempre que preguntaba por ahí decían que era un productor exigente y que daba caña. Ha dado caña, pero ha sido un gran apoyo porque nos ha enseñado a trabajar bien las cosas y su exigencia ha servido para crecer como personas y músicos. Es exigente pero al mismo tiempo ayudaba y animaba. Y para eso quería trabajar con él, para crecer.

P: ¿Cómo es el salto de entrar a formar parte de una gran discográfica? ¿En qué has notado que cambian las cosas?

R: El mundo de las discográficas, como todo, es un poco que tú quieras o no entrar en él. Hay gente que prefiere otros caminos y son igual de maravillosos. Lo que quiero decir es que a día de hoy las discográficas no tienen un peso espectacular para defender o tirar pa'lante tu carrera. En mi caso, he tenido la suerte de que me hayan dado su apoyo, porque como me decían los que han sacado el disco "aquí llegan 200 maquetas diarias solamente para licenciar, y nosotros te damos la oportunidad para poder tener tu disco en las tiendas y tener un soporte". Y así he podido sacar mi disco, que hace dos años era imposible, nadie lo quería.

P: Dices... "nadie lo quería", entiendo que ha sido un proceso complicado. ¿Cómo ha sido la lucha? ¿Te llegaste a frustrar?

R: Totalmente. Soy humano y tengo mis sentimientos, y aparte soy una persona bastante sensible y me afectan las cosas. Pero gracias a esto he aprendido a saber cómo tomarme las cosas. Si no hubiera pasado por este proceso de dos años de noes, puertas cerradas, ver que la cosa no avanza, muy potente... no sería la misma persona que soy ahora. Realmente cuando confías en algo y lo sientes y lo haces para que la gente vea lo que hay... Las cosas buenas siempre cuesta conseguirlas, si todo el mundo pudiera hacer todo seríamos indestructibles. Gracias a esos dos años en los que he tenido que pelear he valorado muchas cosas, y no hubiera sido lo mismo sacar el disco de esta manera que de otra.

P: Has vivido cierta incertidumbre con el disco ya grabado y sin una fecha concreta de lanzamiento...

R: La incertidumbre es algo que tenemos presente todos los días. Nos encanta tenerlo todo controlado, queremos tenerlo todo ya y saber dónde vamos a estar el año que viene. Y eso es una mentira muy potente, el futuro no se puede planificar, y es lo que he aprendido, a vivir ahora y a vivir con lo que tengo, y lo que venga viene. Y lo que venga vendrá gracias a lo que estamos sembrando o a lo que tú estés dando.

P: ¿Llegaste a perder la esperanza o sentir que al final no salía adelante?

R: Claro, claro que lo piensas. Pero gracias a eso pude componer una de las canciones más importantes para mí que es Fogonazo de Luz. Y también he podido valorar, vuelvo a decirlo, lo que no estaba viendo. Me he sentido mal, me he sentido bien, me he sentido regular, de todas las formas. Pero es que es un sentimiento necesario para crecer, y es humano, si tú no pasas por esos procesos creo que te pierdes muchas cosas. Pero ahora de momento todo está bien, así que ya que tarde un poquito.

P: Bueno, hablemos de Luminiscencia. Has pasado de Antes de que esté prohibido, un título que parecía que expresaba una necesidad de hacerlo todo ya antes de que no dé tiempo a ello, a este álbum que transmite paz, tranquilidad, buen rollo... ¿Es así como te encuentras ahora a nivel profesional?

R: Tenía 19 años cuando empecé a grabar el primer disco. Y soy puro nervio, pero hace años lo era más y más, un caos total, y quería saber y planeaba lo que iba a hacer en los próximos cinco años. Y no. Ya está, eso se acabó porque no podía vivir así. Y la historia de este disco habla de esto, define muy bien estos dos años. Podría haber llamado al disco "Pa'lante" pero lo llamé Luminiscencia, me parecía más acorde (risas), porque es el poder que tiene un cuerpo de emitir luz en mitad de la oscuridad. Y esto es siempre seguir hacia adelante, hacia las cosas que nos pueden asustar. Y este disco aparte de eso, de tirar hacia adelante es un disco que llega en un momento en el que las cosas están más calmadas, todo tiene su tiempo y todo no lo puedes controlar. Y cuando lo quieres controlar es cuando te vas a la mierda. Y es la filosofía de este disco.

P: Hay mucha positividad en este disco, desde el nombre elegido hasta el sonido de las canciones, las letras... ¿También hay mucha realidad?

R: Claro. En el disco buscaba... No puedo decir una parte de mí porque solo tengo 24 años y a veces hablo como si tuviera 40. Pero es que me han venido bastantes años de golpe. He tenido la suerte de vivir muchas experiencias y hablo desde el corazón. Yo soy así y no tengo vuelta de hoja. Lo único que puedo hacer escribiendo canciones es decir lo que siento. Me cuesta escribir canciones, ¡imagínate si tuviera que inventarme también lo que tengo que decir, tardaría cinco años en hacer un disco!. Estas canciones hablan de la realidad, de cómo soy yo y me abro en canal a tope, aunque eso es complicado porque cuando entregas tu corazón juegas con las desventaja de que te lo puedan partir. Pero este disco habla de las tres cosas más importantes a las que les he dedicado todo mi tiempo y mi cariño en estos dos últimos años, que son la vida, los sueños y el amor. Algo tan obvio que se nos escapa y algo que todos compartimos.

P: Sobre eso quería preguntarte, ¿da miedo desnudarse tanto en unas canciones que van a escuchar tanta gente?

R: Es muy fácil para mí porque no tengo que aguantar ninguna careta ni ninguna pose de nada. Soy Isma Romero, soy así musicalmente y haciéndome unas lentejas. Me es muy fácil porque no tengo que llevar ninguna carga de tener que mostrar una determinada imagen, esto es o te gusta o no hay otra cosa. Es una forma directa de decir esto es lo que soy, y si no te lo crees ven a descubrirlo.

P: ¿Cuál es el tema que más te costó escribir?

R: Pues mira, la canción que más me costó escribir fue Héroes porque habla de un desencuentro. Cuando no te esperas algo de una persona y te engaña o te jode, pero al mismo tiempo como el disco es positivo, el estribillo da una vuelta y dice "gracias porque quizás existen héroes que pasan por una vez en la vida". Esta canción me costó bastante, pero Fogonazo de Luz es para mí la más importante porque habla de que todas las personas son igual de especiales, y que todo el mundo puede llegar a hacer lo que quiera en su vida. Únicamente tienen que dejar despertar ese "fogonazo de luz".

P: En Demasiadas Cosas dices que "llevas demasiado tiempo con las alas rotas", ¿En estos momentos cómo están esas alas?

R: Esa canción habla de amor, del amor a la vida. Y habla de una relación, un poquito. Mis canciones son como un batiburrillo de ideas. Cuando dice "llevo tiempo con las alas rotas y no me alcanza para subir" quiero decir que llevo tiempo viviendo por encima de lo que puedo hacer y no me alcanza para subir porque no estoy viviendo el presente. Yo es que soy muy metafórico. Pero cuento una realidad personal, luego que cada uno la perciba y la viva desde su punto de vista. Y ahora estoy empezando a vivir como soy, y me siento muy a gusto.

P: Los medios tiempos y las baladas quedan casi relegados en este disco, ¿por qué? (sólo Sin Frenos)

R: Han salido así. El disco es una verdad y una declaración de intenciones . Y se expresa en el sonido esa garra, la fuerza y al mismo tiempo un hilo de paz y buen rollo en las canciones. No ha sido premeditado, ha salido así.

P: ¿Echas de menos algo en este disco? Algo, quizá, que digas quería que estuviera aquí y no está en ninguno de los diez temas. O lo que sea, vaya.

R: La verdad que para mí es un disco que es redondo. Creo que en el tiempo este disco va a ser uno de los más importantes de mi vida porque marca un antes y un después, aunque saque, ojalá, cuarenta discos. Aquí hay muchas canciones que creo que las voy a seguir tocando con cuarenta años.

P: Luminiscencia es un chute de energía, de fuerza, mucha guitarra... Y mucho Rock. ¿Vive el Rock un buen momento?

R: Hay sitio para todo. Lo que pasa es que a veces vivimos con muchas cargas y etiquetas de que esto no entra... pero hay sitio para todo porque el mundo es enorme. Imagínate la música, la música es algo que está en la libertad y en el viento y puede ocupar cualquier rincón. Hay sitio para el indie, para el flamenco... Realmente para las canciones hay sitio siempre en el corazón de todo el mundo. Para llegar a la gente siempre hay sitio, luego cada uno coge lo que necesita, no lo que es bueno o malo.

P: Haciendo un inciso, ¿hay cabida para los artistas más emergentes y rockeros en los festivales?

R: Los festivales hoy en día funcionan de la siguiente forma: si tú vendes entradas, entras. Si no, no. Entonces, a día de hoy a Isma Romero le queda mucho camino. Sí que apoyan, pero claro si no vendes no interesas. Por eso, para los que estamos empezando es una movida, porque tienes que vender sin tampoco tener un apoyo, hay que ganárselo. Cuando entras es cuando ya funcionas, pero sino búscate la vida. Es la realidad.

P: Volviendo a Luminiscencia, ¿sigue este disco la estela del anterior en influencias musicales (Tom Petty, Pereza, MClan, Fito...) o has ido descubriendo y adaptando algunas nuevas?

R: En este disco hay mucho de todo y mucho mío también... Quiero decir, lo que hay mío es lo que escribo y lo que canto. A nivel de influencias musicales hay de todo porque no estoy inventando nada ni pretendo inventar nada. Lo que quiero es dar continuidad a una generación de canciones, esa es mi prioridad por encima de todo. Y hay estilos que se meten mucho en todo. Yo no hago rock&roll, para mí el rock&roll es una forma de vida, pero yo puedo sacar un disco latino, con trompetas o un disco más 'popero'...

P: Y por último, haciendo honor a uno de tus temas Todo lo que Espero, ¿Qué es todo lo que esperas a partir de ahora?

R: Lo que espero realmente es salud y mucho amor, y que las cosas vayan viniendo como tengan que venir. Creo que lo estamos haciendo muy bien y estamos en un momento muy bonito porque hay un disco muy guay y de mucha verdad, y espero que todo lo que venga tenga que ver con la luz. Y si tiene que ver con la oscuridad, como no manejo eso, tenemos que seguir pa'lante. Deseo que todo lo que venga, tenga venir como tenga que venir, de la mejor forma y disfrutándolo.

 


Modelo de Respuesta Polar: "No tenemos ganas de parar"

Texto: Cristina Muñoz

Modelo de Respuesta Polar: “Recibir apoyos o no es algo temporal y necesario, pero el tiempo manda y decidirá si un grupo aguanta o no”

 

Modelo de Respuesta Polar parece estar viviendo su mejor año a nivel musical. Con su último disco ‘Dos Amigos’ (2016), que vio la luz gracias a un crowdfunding, han logrado llegar a un público que hasta entonces no sabía de la existencia de los valencianos. Han teloneado a Izal en los conciertos de su fin de gira, y han comprobado lo que se siente encima del escenario del Palacio de los Deportes con más de 16.000 personas atentas a cada uno de sus movimientos. Por todo ello, y mucho más, aseguran que este ha sido “un año magnífico”.

Pero todavía, aseguran, les queda “muchísimo por conseguir”. Y en este recorrido, se preparan para cruzar el charco el próximo otoño, mientras continuarán por nuestro país con la gira de Dos Amigos, y buscan un hueco para meterse en un estudio a grabar su próximo disco.

Hablamos con los valencianos para saber, además, cómo valoran el papel de la industria hacia los grupos que buscan su lugar en una escena musical que no para de crecer, de si el crowdfunding sirve para “salvar” a las bandas y a la música, y del apoyo que dan a la música marcas ajenas a este mundo.

Ha pasado más de un año desde que lanzasteis vuestro último disco 'Dos Amigos', habéis abierto el fin de gira de Izal en varias ciudades... ¿en qué momento estáis ahora?

Estamos organizando los meses venideros para sacar un espacio y meternos a grabar disco. La idea es poder tenerlo preparado para finales del 2017, pero por suerte los compromisos y los conciertos se han alargado más de lo previsto.

¿Qué rescataríais de vuestro 2016 a nivel musical? ¿Qué es lo mejor que os ha pasado?

El 2016 fue el año en el que lanzamos Dos Amigos y en el que mucha gente nueva nos conoció. Lanzamos el crowdfunding y pudimos girar en muy buenas condiciones. Ha sido un año magnífico.

¿Qué significa para Modelo de Respuesta Polar 'Dos Amigos'?

Es un disco en el que se depositó mucha ilusión y supuso un cambio a muchos niveles. Es un disco grabado en condiciones que nunca habíamos podido permitirnos y con un equipo de trabajo increíble.
Luego ha sido un disco que nos ha dado muchas alegrías por las canciones que lo componen.

‘Dos amigos’ nació con un crowdfunding, pero con la mano detrás de un productor de la talla de Ricky Falkner, ¿cómo se recurre a un Crowdfunding y se tira de uno de los productores musicales más respetados actualmente? ¿Son muchos los grupos y artistas que confían en él, qué ha aportado a MDRP?

Ha aportado una visión muy importante para afrontar las canciones. Mucho saber hacer y elegir con criterio.

¿Qué ha supuesto para Modelo de Respuesta Polar telonear a un grupo como Izal?

Ha supuesto aprender de cerca como se gestiona un éxito inmenso. Son un grupo de personas con mucho talento y muy cercanas.

¿Sobre todo, como fue ese momento en el que os subisteis al escenario de un Palacio de los Deportes de Madrid abarrotado? ¿Fue una experiencia que os ha aportado algo más como grupo?

Fue un subidón de adrenalina complicado de explicar. Es una suerte poder vivir momentos como esos y poder sacar conclusiones de todo ello. Aquel día fue sencillamente perfecto y como tal nos lo guardamos.

Hablábamos del apoyo que supone tener detrás a un grupo que se ha hecho un hueco importante en el mundo de la música y también a una productora que confíe en vosotros, ¿pero sentís un apoyo real hacia los grupos que, aunque con varios discos a las espaldas como vosotros, están buscando su lugar en una escena musical que no para de crecer?

Cada grupo tiene su propia trayectoria y es así desde el principio de los tiempos. Es bueno recorrer cada etapa e ir aprendiendo con cada paso que vas dando. Recibir apoyos o no es algo temporal y necesario, pero el tiempo manda y decidirá si un grupo aguanta o no.

¿Dónde se encuentra ese apoyo? Vosotros que además recurristeis al crowdfunding para sacar adelante este disco.

Cada uno recurre a lo que puede, desde un banco a una discográfica, a un crowdfunding o a tu propio trabajo. Ninguna es mejor o peor que otra, simplemente tienes que ver cuál es tu mejor opción.

Siguiendo con el tema del crowdfunding. Son muchos los artistas que se han visto en la necesidad de financiar su disco mediante este tipo de ayuda. ¿Creéis que este tipo de mecenazgo colaborativo, de ayuda social es lo que va a "salvar" a la música y a los grupos? ¿O es más un grito y una búsqueda de alternativas ante la falta de implicación de la industria hacia las nuevas bandas?

Es una alternativa y muchas veces no es ni siquiera una salvación, es una opción. En nuestro caso tomar esta alternativa nos ha llevado a encontrarnos cara a cara con nuestro público y poder estar en contacto con ellos durante todo el proceso. Ha sido más una agradable terapia.

Entonces, ¿habéis sentido la necesidad de implicaros más en este disco y darlo todo para recompensar a aquellos que confiaron en vosotros antes si quiera de escuchar las canciones? ¿Es una forma de crear más exigente o con más responsabilidad?

Siempre damos todo lo que tenemos, solo que esta vez nos hemos sentido arropados por más de 300 personas y eso ha sido muy motivador.

Más allá de la industria, las salas o el público y el crowdfunding, que está tan de actualidad, ¿cómo valoráis la implicación de marcas que en un principio son ajenas al mundo musical en este ámbito, vosotros que últimamente sois asiduos a las propuestas de Mahou? ¿Es positivo que entren en juego factores externos en el mundo musical?

Nos parece estupendo que marcas del tipo que sean decidan dar soporte económico cuando prácticamente nadie lo hace. Gracias a estos departamentos que ponen el foco en la música, se pueden realizar festivales, giras etc

Es casi imposible encontrar un hueco en el calendario, sea verano o invierno, donde no haya algún festival, ¿vosotros sois amigos de los festivales? ¿Creéis que realizan una labor importante en la música y con los artistas?

A nosotros nos viene muy bien tocar delante de gente nueva y aparecer en carteles donde a través de otros artistas llegan a nosotros. Son un tipo de conciertos que nos gustan y lo pasamos bien. Eso no quiere decir que no disfrutemos en otros aforos. De hecho somos más de salas y en realidad es nuestro lugar

Vuestras letras y ese sonido que parece compuesto para disfrutarlo en la intimidad de una sala pequeña, ¿cómo se reciben en un recinto al aire libre con miles y miles de personas alrededor?

Tenemos nuestro momento ideal para tocar en festivales y hacer que se cree una atmósfera especial. Hemos vivido grandes sensaciones mientras anochecía en un concierto.

¿Tenéis en mente proyectos futuros, un nuevo álbum, canciones en mente, o todavía os apetece disfrutar de 'Dos Amigos' un poco más y acercarlo al público?

Tenemos en agenda un viaje a Brasil, un disco nuevo y acabar la gira de Dos amigos. No tenemos ganas de parar.

¿Sentís que después de un año tan intenso aún os quedan muchas cosas por hacer y conseguir?

Nos queda muchísimo por conseguir. Sencillamente disfrutamos del camino que por suerte es muy agradable.


Cannibals, el “oxígeno” para un panorama musical saturado

Lo oscuro de su nombre contrasta con el buen rollo y la frescura que desprende su música. Y es que a veces las apariencias engañan. Hablamos de Cannibals, una de las bandas emergentes del momento, que llegan para comerse el mundo y conseguir que la gente “disfrute de la vida con sus canciones”.

Son una auténtica fiesta sobre el escenario, con un sonido difícil de catalogar en un solo estilo pero con una notable influencia del Rey del Pop, y con un lema con el que quieren traspasar fronteras: ‘Do the cannibalism’ es su grito de guerra. Con él, invitan a exprimir la vida, bailar, comernos los unos a los otros, y amarse. “Pero de verdad”.

El grupo madrileño ha sido uno de los seleccionados por el concurso de talentos Mad Cool Talent para formar parte de la segunda edición del festival. Pero antes de subirse, el próximo 7 de julio, a alguno de los cinco escenarios que invadirán La Caja Mágica de Madrid, pasaron por el ciclo de conciertos nacido de la unión entre Mahou y Mad Cool que recorre las salas madrileñas, para ir calentando motores y preparando a los festivaleros de cara a lo que vivirán en poco más de un mes.

¿Qué ofrece Cannibals a un panorama musical tan saturado?

¡Oxígeno! Intentamos no aburrir a la gente. Que bailen y disfruten de la vida con nuestras canciones de fondo. Supongo que ofrecemos lo que somos. O lo que queremos ser. Felices.

Cannibals tiene ya un recorrido, pero os ha costado dar el salto final y presentaros de forma oficial con un disco, ¿por qué habéis tardado tanto en hacerlo o por qué dudabais?

Realmente el nombre de Cannibals sí que existía en mi inconsciente como algo que quería hacer. Pero Cannibals como lo conocemos hoy existe desde hace un año. Y cuando las piezas del puzzle encajaron, fue realmente sencillo. Todo. No hubo dudas.

¿Podéis definiros musicalmente? Es difícil catalogaros dentro de un único estilo.

Hacemos lo que nosotros llamamos Tropical Dance. Es en el fondo una devoción hacia las raíces del ser humano. A la tribu, a esos ritmos frenéticos, cantar con tus amigos una canción. Y el choque cultural con la manera de hacer música europea o americana.

¿Cuáles son vuestras influencias más directas?

Son muchísimas. Ya te digo, van desde Fela Kuti, Bob Marley, Alton Ellis, Ebo Taylor, hasta Bruno Mars o Michael Jackson.

‘Do the cannibalism’ es vuestro grito de guerra, ¿por qué hay que practicar el canibalismo?

¡Porque debemos! Porque la vida es demasiado preciosa como para no disfrutarla. No en plan estúpido, ‘carpe diem’ y todo eso. Que también. Si no con las ganas de exprimirlo todo. Todo lo bueno. Comernos los unos a los otros. Estamos contando lo que se ha contado siempre. Hay que recordarlo. Hay que amarse. De verdad. Y disfrutarlo. Y bailar.

El videoclip de ‘In toledo’ no deja indiferente, ¿os gusta la provocación o es una táctica para que se hable de Cannibals?

La provocación es un medio para un fin. Pero salió de un modo natural. No hubo una intención de ser especialmente provocativos. Simplemente cuadraba la historia. Pero es bueno ponerse la zancadilla mental de vez en cuando. Te mantiene despierto.

Escucha aquí "In Toledo" de Cannibals

Habéis ganado un concurso de talentos musicales que os llevará a participar en uno de los festivales más valorados de este país, ¿consideráis que existe un apoyo tan grande y real como parece, tanto por parte de la industria como del público, hacia las bandas emergentes?

No sabría qué es lo que pasa en otras bandas. Pero en nuestro caso el apoyo del público ha sido muy real. Muy tangible. En cada concierto se ha sentido una conexión muy especial entre la banda y el público. Y eso nos ha elevado y hecho felices. La gente está empezando a empaparse del canibalismo. La industria siempre va más lenta. Pero tampoco nos podemos quejar.

Habéis sido una de las bandas emergentes seleccionadas para subiros a uno de los escenarios de Mad Cool, ¿Cómo fue el proceso? y ¿qué se os pasó por la cabeza al recibir la noticia de que estaríais en uno de los grandes festivales de este país?

Fue una pasada. Casi más el proceso que el fin. TODO EL MUNDO que conocía nuestra música y a nosotros se volcó en votar y en hacer que otros votaran. Fue increíble. Y sentimos más que nunca al público detrás. Sentimos que querían más. Y estamos trabajando a muerte para devolverles el favor en forma de música. Y el festival, saberte dentro, fue como el primer escalón de un sueño. Va a ser genial.
Queremos que la gente que se pase flipe. Disfrute al máximo.

Tenéis un directo muy fresco, con una puesta en escena muy divertida ¿cómo planteáis el show de cara a Mad Cool?

La verdad es que nos hace muchísima ilusión poder quedar en la retina de los que nos vean. No quiero desvelar nada. Pero si diré que será algo diferente y absolutamente divertido. Aunque para ser justos, es algo que en la medida de lo posible intentamos en cada bolo. Cada persona que elije vernos se merece todo lo que podamos darle.

¿Qué esperáis de vuestro paso por y tras el festival?

De nuestro paso por el festival pretendemos que no se olviden del concierto. Que el público recuerde que Cannibals es Cannibals. Y que si caes en nuestro bolo, no lo olvides. Sólo esperamos que nuestro mensaje pueda llegar a todo el mundo que esté dispuesto a escuchar.

¿Que vuestro nombre parezca en el cartel de Mad Cool os ha abierto puertas en estos meses, desde que se anunció?

Los primeros contactos que estamos teniendo con gente a la que antes no podíamos acceder están siendo buenos. Quizás en poco tiempo pasen cosas guays. Pero ya te digo, no es nuestra preocupación. Estamos volcados en la música y los vídeos.

¿Y qué espera de ahora en adelante Cannibals?

Que más y más gente conozca el canibalismo. Que escuchen nuestra música. Queremos salir fuera, grabar un largo, más videoclips, más bailes y más gente compartiendo lo que hacemos. Eso sería perfecto.


Beris: «Todo tiene un sentido»

Hace un par de días me topé con un disco, Tan Solo un Grito, y decidí lanzarme, atreverme, darle al play. Esta decisión fue un acierto, como un tiro certero al corazón de la música de autor. Aquellas canciones empezaron a sonar y sus ritmos y sus letras enseguida se calaron en mi interior. Pero hubo algo más que me llamó la atención, la voz que pronunciaba aquellas palabras me era familiar. Era, y es, Beris, de 84. Con él he tenido la suerte de sentarme en una cafetería del centro de Madrid. Hemos quedado para hablar de su nuevo trabajo y de cómo ha sido volver a la escena musical después de estar tres años fuera, aprovechando, además, que este sábado 20 de mayo a las 21:00h tendrá lugar la puesta de largo de un disco que ya espera ser escuchado en la sala Galileo de Madrid. (entradas aquí)

84 se acaba en 2014, ¿por qué?

Nos comimos todas las batallas discográficas que te puedas imaginar pero justo aquel año estábamos muy bien, en realidad era nuestro mejor momento. Teníamos a Warner apoyándonos, una oficina de management increíble, estaba todo perfecto. Pero también traíamos ese cansancio de los diez años tocando juntos. No fue por una cosa directamente entre nosotros, más bien por un proceso vital, no es lo mismo dedicarte a la música con veinte años que con treinta o cuarenta. También hay otras prioridades. Uno de nosotros decidió que ya había terminado esa etapa y que necesitaba hacer otras cosas. Y nada. Así cerramos aquello. Yo acabé muy bien con Jaime y Ramón.

Con qué te quedas de aquella época.

Me quedo con todo lo que hicimos y todo lo que aprendimos. Fue una etapa, en la mayoría de las veces, en las que nos tocaba mirar a los mayores, observar y aprender. Ahora solo me alucina todo lo que nos pasó. Hicimos muchas cosas y muy frikis, pero fue una etapa más de aprendizaje que de repercusión directa para nosotros mismos.

Amaia Montero y Sudamérica

(Risas) Estuvimos con Amaia de gira por España y más tarde por Latinoamérica. Fíjate, no habíamos sacado ni el disco en España y ya estábamos tocando en Ecuador delante de 10.000 personal, Uruguay, Chile, Argentina… llegamos a tocar en el Luna Park. Fue una experiencia increíble. Aunque la verdad es que para nada nos gustaba la idea de tirar hacia ese estilo o etiqueta (que tanto usamos ahora) musicalmente hablando. Aunque con Amaia todo fue genial.

Teloneros de Pereza

Hicimos muchos conciertos con Pereza. Teníamos mayor sintonía con Rubén y Leiva y creo que eso también nos marcó un poco. Se portaron muy bien con nosotros. Fueron años para formarse y empaparse bien de toda aquella repercusión. En esos conciertos sí sentíamos que podíamos sacar público para 84.

Incluso Shakira

(Risas) Aquello solo fueron dos conciertos, y la realidad es que yo no estuve ni siquiera a cien metros de ella. Fue la experiencia de tocar en el Calderón, y eso que te llevas. También se aprende mucho.

¿Eres colchonero?

Soy madridista, aunque tengo una foto de aquel día en la sala de prensa. Mi pequeño contrato con el Calderón. (risas)

Os llegaron a comparar con grupos como Los Rodríguez, Ariel Rot, Pereza y Andrés Calamaro.

Ahora más, con el tiempo, es lógico que intentemos situar a una banda en un sitio o en otro. Creo que Pereza hizo una cosa súper interesante, porque fueron capaces de continuar con la estela que habían dejado grupos como Los Rodríguez, Calamaro, Tequila o Los Secretos. A nosotros nos gustaba la idea de que nos metieran en esa línea y nos comparasen con grupos como estos. Pero también vimos el cambio tan repentino que pegó el Pop. De repente llegó el “Indie” y nosotros no éramos ni comerciales ni indies. Nos quedamos fuera.

Qué rabia eso. O no.

Bueno. Es lo que nos tocó vivir. Yo tampoco presté mucha atención a lo que estaba pasando en ese momento a nuestro alrededor, y joder, lo que hicimos tenía aún más mérito. Nosotros cuando nos separamos no hubo ningún medio que se hiciera eco, bueno, hubo algún blog que dijo que nos habíamos separado. Pero aún con todo esto seguíamos haciendo bolos, tocabamos en Joy Eslava y lo vendíamos todo, hicimos miles de Galileos… Para mí era una cosa más de credibilidad, de… nosotros estamos cosiendo esto porque la gente viene a nuestros conciertos y se emocionan, y vuelven. Pero sí, me hubiese gustado que pasaran más cosas, pero también el éxito es muy traicionero. Fue lo que nos pasó en aquella época. Yo tengo la sensación extraña de no haberlo vivido, de verlo como desde fuera, en tercera persona.

Hubo momentos duros.

No me gusta quedarme con las cosas negativas. Para mí sí fue más la depresión post 84. En realidad no tenía nada que ver de por cómo habíamos acabado, simplemente si tú estás acostumbrado durante diez años de tu vida a hacer una cosa y de repente dejas de hacerla sin proceso de asimilación, creo que a cualquiera le pega un reventón, sobre todo algo tan gratificante como salir a tocar y que la gente cante y aplauda tus canciones. Esa dependencia estaba generada. A mí en el trabajo ya no me aplauden, pero cuando doy un concierto sí.

Pero es diferente. No se puede premiar a todo el que participa en una carrera solo por el simple hecho de calzarse las zapatillas. Entiendo que un concierto es distinto, pero también hay que saber valorar y reconocer el esfuerzo de aquella persona que se molesta en entrenar y en mejorar cada día que la que no lo hace y que se presenta igualmente.

Yo soy más de medalla a todo el que participa (risas). Pero te cuento cómo lo viví yo. A mí lo que me encantaba era tocar y aunque suene muy pretencioso lo que me gustaba era grabar discos y tocar. No me interesaba absolutamente nada más. En general, lo único que echaba de menos era lo adictivo que era ese reconocimiento. Te das cuenta de lo insignificante que eres. En ese momento yo tenía un refuerzo super bestia desde fuera. Ahora es verdad que lo vivo todo de manera más relajada, más individual. Soy mucho más feliz.

Una etapa nueva después de tres años fuera, cómo ha sido volver.

Me encantaría decirte que ha sido fácil, pero no. Ha sido una etapa muy de obligarme, de decir… tengo que hacerlo. Había mucha gente que me decía que debía hacerlo, que era mi sueño. En realidad mi sueño no era grabar el disco. Para mí era más una cuestión de, tengo un montón de canciones, me apetece hacer un disco, pensar los arreglos, dar conciertos… pero el objetivo ya había cambiado completamente. Era más una cosa de quiero hacer esto lo más serio y profesional que pueda a pesar de que yo tampoco vaya a implicarme a muerte.

Llegaste a decir que no hay que dedicarse mucho a la música (ver aquí)

¿Qué no hay que dedicarse mucho? Pues la suscribo, jajaja. No sé en qué momento de lucidez fue, pero estoy totalmente de acuerdo con esa frase.

Que importante la pausa.

Exacto. Así es. Lo que pasa que si es verdad que el hecho de haberse salido de todo aquello hace más difícil la vuelta. Es algo muy raro, porque ya sabes de qué va todo, y quizá sea por eso. Ahora soy muy consciente. Intento hacer todo con más tranquilidad, con más pausa. Y eso da más miedo.

Es tu versión más madura.

Totalmente de acuerdo. Es verdad que en la etapa de 84 éramos más jóvenes y también éramos tres. Cuando empiezas con veinte años se marca más la pauta. En un grupo, también acaba habiendo errores. Vas caminando hacia un sitio, a pesar de que yo siempre iba muy a mi bola y en 84 componía mucho con Jaime, es verdad que tenía mis canciones, pero era más en la interpretación.  Era otra cosa. Ahora sí que soy yo en toda mi esencia. Me siento súper identificado con lo que he hecho y eso es una pasada. Soy completamente yo.

Te lanzas en solitario pero no estás solo: Ramiro Nieto, Martí Perarnau, Chema Moreno y Sergio Valdehita te acompañan en este disco.

Totalmente. Creo que fue una de las decisiones más importantes que tomé de cara al disco. Es verdad que yo podría haberme producido todo el tema de la grabación y demás, pero como estaba un poco saturado de mí mismo creo que delegar totalmente en ellos fue un gran acierto. Me abandoné a su trabajo, se lo pedí y encantados accedieron. Lo han hecho suyo. Hay mucho de Ramiro Nieto y de Martí Perarnau en cómo suena el disco e incluso en las canciones, aunque luego me recuerdo que es cierto que las canciones ya estaban hechas mucho antes. Es lo que dice la gente de que el productor tiene que adaptarse al músico, pero en este caso en concreto, conmigo, creo que ha sido perfecto. Mis canciones que están un poco alejadas de todo lo que hacen ellos, y lo que ha salido lo siento mio, y son ellos al 99% los responsables del sonido y de los arreglos, de cómo suena el disco. Estoy muy feliz.

Podría haber sido un desastre.

(Risas) Exacto. Pero ha sido un éxito.

Grabar un disco estresa.

Es súper estresante. Incluso cuando lo que tienes entre manos es un lego o un simple puzzle.

¿En esos casos es mejor estar solo y tomar uno mismo las decisiones?

Sí. O no. A veces está bien pero en otras ocasiones también es bueno que haya gente cerca de todo ese proceso creativo para que te ayuden a tomar decisiones importantes. Creo que he tenido la inteligencia necesaria para olvidarme un poco de mí y de lo que me decía mi cabeza , y confiar en lo que me decían Ramiro o Martí, por ejemplo.

No te consideras un poeta. Cómo escribes las canciones.

Pues mira. Justo al terminar la etapa de 84 a mí me salieron un montón de canciones, muchas para piano, aunque yo tampoco sé tocarlo casi, pero sí lo suficiente para defenderme. Y de repente encontré un poco como mi camino. Eso fue muy gratificante, ya que por aquel entonces las cosas no eran fáciles. Me salieron unos veinte temas muy coherentes, aunque al final en el disco solo se han quedado nueve. La verdad es que pienso que cualquier hubiera valido, no tengo la sensación de haberme guardado muchos para mí, pero te mentiría si te dijera que no me he reservado nada para mí.

Quizá las que forman este disco son las que más te reflejas en esta etapa de tu vida.

Sí. Al final ha sido un poco la mezcla de todo lo que me ha pasado durante estos tres años. A pesar de que yo intento ser muy honrado con cada frase o palabra que escribo. Y sé que hablan de mí todas. El otro día lo hablaba con mi hermano, que también es compositor, y llegamos a la conclusión de que a cada frase que cerrábamos había que preguntarle si era verdad o no. Si es verdad se queda, pero si no, qué estás contando.

Es verdad. Aunque también funciona cuando escribes sobre cosas que no te han ocurrido.

Claro. Yo no sé lo que a la gente le gusta o le funciona, pero lo que sí tengo muy claro es que yo no soy poeta y no tengo esa capacidad. Yo escribo sobre cosas que me pasan a mí, eso sí te lo puedo contar.

Este disco son tus experiencias.

Sí. Desde luego. Todo lo que ocurre en el disco me ha pasado y lo he vivido.

Qué locura exponerse así.

Me encantaría no tener la necesidad de ser tan sincero en mis canciones para protegerme y guardarme cosas, pero ya te digo, de este disco solo he sacado nueve, o sea que algo sí me he guardado. Al final lo que he querido compartir lo he compartido. Pero también es mi forma de entender las canciones y de escribirlas. Admiro mucho a la gente que es capaz de componer o escribir cosas que no ha vivido o sentido. Pero para eso hay que ser un poeta.

134 tiene ese aire a 84

Totalmente. 134 fue uno de los temas que escribí en el límite de cerrar aquella etapa con 84 y quizá por eso tiene esos sonidos, con voces, con coros, más pop americano.

134 veces, son muchas veces.

(Risas) Incluso podían haber sido 193 o 200. Esta canción es más de lo que suele pasar en muchas ocasiones, de lo dejas con tu pareja pero aún así la sigues queriendo un montón. Suena un poco absurdo porque lo importante es quererse, pero a la vez lo dejas. Es raro, sobre todo en relaciones largas.  Yo creo que habla de muchas cosas. Quizá de algo que piensas que solo te ha pasado a ti pero en realidad eso mismo le ha pasado a todo el mundo.

Tan Solo un Grito. Por qué.

En realidad viene de una canción, pero en cuanto me salí un poco de la canción sí supe que iba a ser el nombre, porque es un grito, pero es tan solo uno. Es un poco también lo que he intentado contar en la portada. Te ha pasado algo, pero ya está, sigues feliz y sigues adelante. El rastro está ahí pero tú sigues con tu vida. Para mí es súper positivo el mensaje.

¿Han sufrido muchos cambios las canciones desde que las escribiste hasta ahora que has grabado el disco? ¿Qué música te ha influido?

Sí que han podido sufrir algunos cambios, no muchos. Porque en realidad para mí todas iban por el mismo camino. En cuanto a música que me haya podido influir en este disco, Richard Hawley, me he vuelto muy loco. No he podido dejar de escucharle. También Iván Ferreiro…

Iván es muy poeta.

Claro, jajaja. El cabrón es muy poeta, por eso le sale así. Pero también he buceado en Carlos Chaouen, Enrique Urquijo muchos estilos diferentes…

Las referencias son importantes.

Y necesarias. Y creo que lo que distingue, que lo hablábamos antes, en cuanto hablas de ti con exigencia y no estás hablando en general, ahí ya empiezas, a pesar de que tu forma de componer o escribir se parezca a otra, a ser tú. Entonces, yo creo que ahí si tiene que haber cierto compromiso con lo que escribes, de que sean cosas que te hayan pasado a ti.

Beris no es 84. ¿Tienes miedo de que la gente pueda esperar que este disco tenga un sonido muy parecido?

No lo siento así, pero podría tenerlo perfectamente. Tampoco estoy buscando volver a sentir aquello, entonces por eso no tengo miedo. Estoy muy contento con cómo ha quedado el disco. Y súper identificado con lo que he hecho. Habrá gente de 84 al que le guste, pero como también puede haberla de que nos les guste o incluso habrá gente a la que le llegue por primera vez. Esas cosas no hay que pararse a pensarlas porque te vuelves loco.

Al final lo que quedan son las canciones.

Totalmente. El disco no ha salido en lo que se considera una buena fecha para un lanzamiento, pero el crowdfunding llevaba mucho tiempo, el producir un libro también llevaba mucho tiempo y tenía que lanzarlo ya .

¿Hay fechas para lanzar un disco?

Parece ser que sí. Y son razonables. Es verdad que si lo lanzas en septiembre tiene más posibilidad de hacer una gira en invierno y hacer promoción durante el año para luego poder defenderlo en festivales también…

Pero no todo vale.

Desde luego y quién lo haga y busque los festivales no seré yo quien le juzgue porque también se gana la vida con esto. Igual que yo en el trabajo si mi jefe me pide que me quede una hora más pues me quedo. Con el disco a veces pasa lo mismo. Al final si es tu trabajo es bueno que te adaptes, y tampoco pasa nada. Para mí era más importante el proceso vital mío de, ahora lo quiero sacar, que el hecho de que alguién me dijera de hacerlo en otro momento.

A propósito del crowdfunding, un éxito absoluto.

Yo estaba súper acojonado, pero la realidad es que tuvo un recibimiento increíble. La gente lo petó. Lo puse en cuatro mil y llegar a los ocho mil fue algo realmente increíble. Y aún así el disco ha costado más, pero es verdad que con esta ayuda se han podido financiar recompensas muy bonitas y producir un disco realmente sincero. Pero la verdad es que estaba acojonado. Lo que estoy haciendo es muy difícil, dar un concierto y que vaya gente, enfrentarse a todo tú solo, acojona bastante.

Pero la independencia es buena.

Por supuesto. Y a mí me da muchísima libertad. Pero también te digo que si llega alguien y me ofrece su ayuda encantado la aceptaría. La independencia está muy bien pero muchas veces te ves limitado por otras cosas, tiempo, dinero o incluso te quemas de hacerlo todo tú solo, por eso pienso que es bueno tener gente que te pueda ayudar.

Cómo es trabajar con una compañía detrás.

La última experiencia que tuve yo fue con el último disco de 84 fue con Warner y la verdad es que estuvo genial. Creo que Warner nos respetó muchísimo e incluso el equipo de Pink House era increíble. No tuvimos quejas. En mi caso las experiencias con las compañías han sido positivas, también es verdad que ahora han cambiado mucho. Pero si soy amigo de éstas.

Fundación Carmen Pardo-Valcarce.

Es un sitio increíble. Llevo un año y medio allí trabajando de diseñador gráfico, además de ser monitor con chicos con discapacidad intelectual, y estoy muy feliz. Yo he trabajado en agencias de publicidad y no tiene nada que ver. El libro del crowdfunding se ha impreso a través de la imprenta de la fundación, y el resultado ha sido increíble. Obviamente quien quiera ganar dinero no se va a una fundación a trabajar, pero me sobran motivos par volver al día siguiente. Estoy muy contento.

Toca defender este disco.

Pues sí. Pero lo cierto es que no he cerrado nada aún. Sí me molaría hacer algo bonito para la vuelta del verano, en octubre o noviembre, hacer una “gira” en invierno. Molaría ir a Barcelona, por ejemplo, pero no tengo nada cerrado. Ya pensaré en ello más adelante. Por ahora el único concierto que tengo ya cerrado es el del 20 de mayo en Galileo.

¿Vas a ir con banda?

En Galileo voy a ir con banda. Tengo la suerte de que los chicos me van a acompañar en esta ocasión, sabedor de lo difícil que resulta a veces sacar hueco incluso para ensayar, pero para esta fecha en concreto se ha podido hacer así y es genial contar con tanto talento acompañándome. Sí soy consciente de que me va a tocar defenderlo solo en muchas ocasiones, por no decirte que en la mayoría, pero bueno, tampoco me preocupa demasiado.

Responde rápido. Un libro.

Boirs, de Jaap Ter Haar

Un disco.

“I Love You, Honeybear” de Father John Misty.

Una canción.

The Ocean, de Richard Hawley.

Con quién te gustaría hacer una colaboración.

Con muchos, jajaja. Pero ahora mismo estoy super emocionado con dos voces increíbles: Silvia Pérez Cruz y Zahara. Me parecen dos voces realmente bonitas. Además me parece que Silvia es una de las mejores cosas que están pasando ahora y que está ahí y no sé si nos estamos dando cuenta. Con Marc de Sidonie también me gustaría. E incluso conp Eros Ramazzotti, (risas).

Una comida.

Un buen arroz blanco con tomate. O un sandwich mixto. jajaja


De cuando estuvimos con Maga en Granada y hablamos de Salto Horizontal

Texto: David Cuero

Crónica Concierto


El pasado sábado, Maga pasó por Granada para presentar su nuevo disco Salto Horizontal. A las 13:00, Discos Bora Bora organizó un pequeño acústico con entrada gratuita en el que los sevillanos hicieron un adelanto de lo que escucharíamos esa noche. Tras reponer fuerzas durante toda la tarde en El Bar de Eric (Los Planetas), llegó la apertura de puertas en Plantabaja. El aforo se completó en pocos minutos y no sin razón: había pasado mucho tiempo desde la última vez que Maga tocó en esa sala. El repertorio estuvo formado por todas las canciones de Salto Horizontal a excepción de La Noria, alternadas con sus temas de siempre. Respecto a la ejecución, poco se puede decir. Cada vez que el cuarteto sube a un escenario derrocha experiencia, perfeccionismo y calidad musical. Del buen rollo se encargaba Miguel, que no en pocas ocasiones se acercó con su guitarra a los límites del escenario para sentir más cerca el calor de un público ya de por sí cercano. Poco antes del ecuador del concierto, vivimos uno de los momentos más emocionantes cuando, sólo con una guitarra y un micro, Miguel invitó a Juan Alberto (Niños Mutantes) al escenario. La amistad más que declarada se reafirmó entre sonrisas de complicidad y armonías vocales que cautivaron a todo el público. Al final del concierto, en 19, Miguel saltó del escenario y tocó en medio de todos nosotros. Tras el concierto, los miembros de la banda firmaron discos y se hicieron fotos con todos los fans, declarados y entregados a una formación ya mítica en el imaginario pop de nuestro país.

Entrevista

 

Música Ilustrada: Bien Miguel, en esta ocasión vamos a empezar con preguntas sobre el nuevo disco. ¿Cuál ha sido en esta ocasión el mecanismo de construcción de las canciones?

Miguel Rivera: Bueno, en general ha estado marcado por lo que han generado las ganas​ de volver a hacer canciones. Nosotros habíamos estado un tiempo parados porque sentíamos que ya no teníamos cosas que contar; sentíamos que se nos había agotado el discurso. Sin embargo, el simple hecho de encaminar nuestras vidas en otras direcciones fuera de la órbita de Maga hizo que nuestro espíritu artístico descansara y se recuperara. Un día de buenas a primeras aparece un bocetillo, otro día aparece otro... Cuando me encuentro con 3 o 4 bocetos que claramente suenan a Maga, a mí me salta la alarma. Es como si el espíritu de Maga te da un toquecito y te dice "Oye, ya estoy recuperada, y estoy en plena forma". El resto fue llamar a los compañeros. No sin cierta reticencia, empezamos a trabajar en los bocetos, bocetos que se fueron convirtiendo en maquetas que tenían muy buena pinta y un potencial que consideramos muy interesante. Entonces empezamos a elucubrar sobre la posibilidad de hacer un disco nuevo. Tenía que ser un disco especial, no podía ser cualquier cosa y la verdad es que creo que lo hemos conseguido.

MI: Nos ha llamado la atención el corte "La casa en el número 3" ya que habla de la casa del poeta Vicente Aleixandre. ¿Qué conexión existe entre Maga y este poeta?

MRV: No hay ninguna relación concreta. A mí particularmente siempre me ha gustado bastante la poesía. La canción surgió porque leí un artículo que contaba el estado de abandono en que se encontraba la casa de Vicente, lugar por donde habían pasado poetas como Lorca, Neruda, Cernuda... Un montón de gente que yo admiro y he leído. Aquello me removió mucho por dentro. Como vivo en Madrid me acerqué a la casa; me asomé a la reja para ver que sentía y, bueno... La verdad es que la canción en sí es una transcripción de todo lo que sentí en ese momento. Imaginaba todo lo que podía haber pasado detrás de esos muros y esos cristales rotos que ahora estaban olvidados, cuando deberían ser un templo a la poesía.

MI: En este disco colaboran con sus voces Zahara y Anni B Sweet. ¿Cómo te sentiste trabajando codo con codo con estas compañeras de oficio?

MRV: Este disco es luminoso, vitalista… lleno de optimismo en comparación con los anteriores discos de Maga. Pensamos que unas voces femeninas podían rubricarlo y darle una pincelada más de luminosidad. Las primeras personas que se nos ocurrieron fueron dos grandes amigas: Zahara y Ana. Aunque ya nos conocíamos de antes, empezamos a trabar amistad a partir de la celebración del 15 aniversario de Maga en Madrid, donde las dos colaboraron. Les propusimos participar en el nuevo disco y las dos dijeron que sí con gusto. La verdad es que lo bordaron. Cuando aparecen sus voces es, de repente, como un chorro de luz; hacen crecer a las canciones.

MI: La primera vez que escuché al grupo fue a raíz de una entrevista triple que os hicieron junto a Loquillo y The New Raemon. Fuisteis uno de los desencadenantes de que yo, entonces un adolescente pureta del rock, virara inesperadamente hacia el descubrimiento de algo que oscilaba entre género musical, seña de identidad o qué se yo; la gente lo llamaba indie. ¿Dentro de Maga, los gustos tiran más al pop o al rock?

MRV: Ha dependido un poco de épocas. Generalmente creo que es sano que uno beba de fuentes ajenas a lo que, digamos… ejecuta, ¿no? Está bien investigar; está bien tener curiosidad por otros géneros. Es cierto que el pop y el rock en general han estado muy presentes en la vida de Maga aunque, bueno… ¿Qué es pop y que es rock? (risas) ¿Dónde está la delgada línea que los separa? Por ejemplo: los Beatles, ¿qué son? ¿rock o pop? ¿me entiendes? Otra cosa es que me digas rock duro, ahí lo vas acotando un poco más. Pero, ya te digo, nosotros hemos escuchado de todo. Desde, por supuesto, los Beatles; desde rollo metal, hasta hip hop. Esto último es algo que no había practicado nunca y es cierto que hay gente (como Elphomega, de Málaga) que me parece súper interesante. Lo que te quiero decir es que no somos talibanes del estilo ni somos prejuiciosos con otros estilos musicales. Maga, por su forma y por su fondo, quizá esté más cerca del pop… Pero también ha habido veces en las que nos ha gustado dar guitarrazos y hacer una producción más pesada. Ahora estamos en un momento más onírico, lleno de arreglitos. Hemos recuperado señas de identidad fundamentales de los comienzos de Maga que habían quedado un poco diluidas en otros discos. Hablo del uso de bases electrónicas, de "sintes", melodías luminosas, ritmos bailables... Todo eso lo hemos recuperado de una forma más actual, más 2017. Gran parte de los sintetizadores fueron responsabilidad de Ángel Luján. Él nos dijo: Yo me embarco en este proyecto, pero os insto a que recuperéis estos elementos del pasado que son característicos, que la gente reconoce inmediatamente y añora de Maga y que son vuestros. Es vuestro legado, ¿por qué no utilizar estos recursos? Total, que así lo hicimos. Y no podemos estar más satisfechos del resultado.

MI: ¿Con toda esta amalgama de influencias, como conseguisteis poneros de acuerdo para, metafóricamente, Saltar en la misma dirección?

MRV: De nuevo me remito al origen de todo. Cuando empiezas a tener bocetos y esos bocetos empiezan a sonar y a plantear una potencialidad, de repente vuelves a sentir una comunión con tus compañeros. Sientes cierta sincronía mental y espiritual y los engranajes de la máquina vuelven a funcionar como si fuera el primer día. Y todo es porque las canciones prometen. En muy pocos meses todos estábamos funcionando a destajo. Y cuando digo todos también me refiero a Ángel, que trabajó como si fuera un miembro más del grupo. Lo mejor de hacer este disco ha sido la libertad de la que hemos gozado para lanzarnos  al camino de la exploración. No nos hemos planteado metas; nos hemos limitado a disfrutar del proceso. Hay algunos detalles concretos que me gusta destacar de este disco: todos los sonidos, imágenes, armonías y melodías que, claramente, evocan el sur. Hay 4 o 5 canciones con un componente sureño que hace unos años no habríamos dejado pasar por una cuestión de prejuicios sobre nosotros mismos. Hemos sabido conciliar nuestro bagaje musical (todas las influencias de la música inglesa y americana) con nuestro ADN cultural para crear un lenguaje propio. Con la madurez te puedes permitir el lujo de darte cuenta y usarlo en tu beneficio. Es lo que creo que hemos hecho con este disco. Hay canciones como Esmeralda, Cuando nadie me escriba, Incendios a merced del viento o De plata, que portan claramente posos del sur su estructura.

MI: ¿Como está recibiendo el público el nuevo disco?

MRV: Estamos súper contentos y abrumados de la recepción que está teniendo. Desde el día que empezamos a lanzar adelantos nos han llovido las críticas positivas. Muchos destacan el que sea un disco luminoso, que dé buen rollo y ganas de bailar. Si te digo la verdad para mí es ( y no quiero pecar de falta de modestia) justo. Para mí es el mejor disco de Maga y es que no hubiéramos sabido sacar otro disco. Si no hubiéramos estado cien por cien satisfechos de este trabajo no lo habríamos sacado. No tendría mucho sentido, después de 6 años sin sacar disco, sacar una cosa de la que no estuvieras cien por cien satisfecho.

MI: El año pasado volvisteis a tomar contacto con los escenarios y pasasteis por festivales como el En órbita de Granada, donde compartisteis cartel con algunas bandas emergentes. ¿Cómo ves el panorama para los nuevos grupos que quieren hacerse un lugar en la escena independiente?

MRV: Veo que hay grupos muy interesantes que tienen influencias del legado que ya existe en este país, un legado que dejamos muchos grupos que empezamos en el 2000. Tienen apuestas novedosas que demuestran una actitud renovadora y energética. A mí, por ejemplo, Viva Suecia o Nunatak son grupos que me parecen interesantes y que acaban de salir, como quien dice. Me da la sensación de que de repente hay un hervidero de propuestas jóvenes que vienen súper profesionales. Es una cosa que me gusta destacar. No tiene nada que ver con la profesionalidad que había cuando nosotros empezamos. Éramos prácticamente... Rollo amateur.

MI: Ahora te vamos a hacer unas preguntas rápidas
¿Último disco que te tiene enganchado?

MRV: Nebuloso de Elphomega.

MI: ¿Ultimo grupo que te tiene enganchado?

MRV: Metronomy.

MI: ¿Una banda granadina que recomiendes?

MRV: Niños Mutantes, por supuesto.

MI: ¿El festival al que más ganas le tienes?

MRV: Me hace ilusión volver a tocar en el Contempopranea, en Alburquerque.

MI: Para terminar, ¿Nos contarías cuál de las 10 canciones nuevas es tu favorita y por qué?

MRV: Es complicado porque las 10 canciones han sido fruto de un trabajo arduo, intenso y súper eficiente. Para mí están todas en su estado óptimo. Te voy a mencionar dos. Cuando nadie me escriba por ser el primer boceto que se convirtió en canción y que dio el pistoletazo de salida al proyecto. Yo compuse esta canción sin letra y se la pasé a Javi (bajista) para ver si se le ocurría alguna. Para mí, entonces, ya tenía ese componente sureño que te decía pero no le quise decir nada para no condicionarle. Cuando me mandó un primer boceto de letra, para mi sorpresa, vi que tenía todos los matices que yo imaginaba para esa canción. Me gustó porque dije: “Ostras, ha vuelto la conexión”. La otra canción es Báltico. Originalmente tenía un formato acústico, pero pensábamos que no estábamos extrayendo todo el potencial que albergaba. Teníamos el temor de que se convirtiera en la anécdota acústica del disco. Entonces una noche nos quedamos César (teclados) y yo encerrados en el estudio y dijimos, hasta que hagamos de esta canción un temazo no salimos de aquí. Y nada, nos pusimos un laboratorio con batería, bajos, teclados y tal, y empezamos a experimentar. En cuestión de una hora ya teníamos el esqueleto de lo que finalmente acabó siendo uno de los adelantos y una de las canciones más celebradas de este disco.

MI: Muchas gracias por tu tiempo Miguel. Enhorabuena a todos por vuestro trabajo.

MRV: Gracias a vosotros.


Loulogio, humor a contrapelo

Madrid, 2 de febrero de 2017
Texto: David Cuero

El pasado domingo nos encontramos en Granada con el humorista betulense Loulogio. A las 17:30, nos abrieron en exclusiva la puertas de la sala Plantabaja, donde un par de horas más tarde Lou ofrecería su show. Actualmente él se encuentra girando por España, dirigido por la agencia MPC management, presentando ciudad por ciudad “A contrapelo”, un proyecto (en nuestra opinión) un poco menos maduro de lo que el catalán acostumbra a hacer. Pensado para un público joven y cargado de polémica, el monólogo que vimos nos convenció una vez más de la versatilidad e ingenio que porta Loulogio, aunque en algunos momentos torcimos el gesto ante determinados comentarios que podrían interpretarse discriminatorios hacia colectivos como el de los inmigrantes o la mujer.

UNA TARDE CON LOULOGIO

Música Ilustrada: Acabas de llegar a Granada, ciudad conocida por su gastronomía, sus bares y su gran variedad cultural... Sin embargo, también es bien sabido en toda la península que somos gente difícil de tratar por nuestra malafollá... ¿Qué nos puedes contar de tu breve paso por aquí?

Loulogio: Mi padre nació en Granada, y cumple con todos los requisitos que acabas de decir en la introducción. Es muy buena gente pero tiene muy malafollá. Es curioso, ¿eh? La expresión esta me gusta, además. "Malafollá”. Es como que has ido a hacer algo muy concreto y ha salido mal, y te enfadas. No, no, bien. De momento muy bien. Llegué hace un día, me han llevado de tapas, de birras… He visto locales chulos por aquí. La verdad es que estoy disfrutando, tenía muchas ganas de venir.

MI: ¿Cuál ha sido el local que más te ha gustado?

L: Pues a ver… Es que a media noche he empezado a olvidar los nombres de los locales, ¿sabes? Soy un poco heviata (heavy), así que me llevaron por sitios del estilo. Estuve en El dragón rojo, por ejemplo. También estuve en uno que se llamaba... Bueno, estuve en varios de este rollo.

MI: Te dedicas al mundo del humor. Es un sector que junto con el de la música, siempre se ha resistido a entrar en el conjunto de artes que la sociedad española entiende como cultura. ¿Cómo vive hoy en día un monologuista que actúa en Plantabaja en vez de en El Club de la Comedia?

L: Hombre, primero: para actuar en El Club de la Comedia tendría que hacer cosas un poco... más particulares, encajando en el perfil de monologuista del Club de la Comedia. Creo que no cuadro en ese perfil. Es curioso, porque me haces la pregunta y me viene una reflexión: yo soy muy fan de un monologuista que se llama Miguel Noguera. Es un monologuista con el que me parto; yo lo escucho hablar y me muero de risa porque hace reflexiones muy curiosas y le da vueltas a las historias… pero a este hombre no lo verás actuar en El Club de la Comedia jamás. Y si actuase allí, nadie se reiría. Pero nadie en absoluto. El humor sólo funciona en su contexto.

Te pongo otro ejemplo: estuve viendo a Bertín y Arévalo en el teatro, haciendo comedia también. Evidentemente no me reí nada porque todo eran chistes de maricones y otras tantas cosas que me parecían faltonas y un poco gratuitas, pero todo estaba lleno de señoras octogenarias que no paraban de reírse. A mí me gusta actuar donde el contexto me ayude, donde sienta cercanía con el público, donde note que hay un arropamiento, que hay un calor... En El Club de la Comedia no; no veo que pudiera encajar en ese perfil.

MI: ¿Qué opinión tienes sobre el Club de la Comedia?

L: La verdad es que no lo he visto mucho. Hay monologuistas tipo; monologuistas que encajan con lo que la gente entiende que es un monólogo. No digo que yo sea especial ni que otros lo sean ni que el humor sea de una forma o de otra. Simplemente cada uno lo entiende según el contexto. Es el arquetipo; el estándar. Allí hay gente con mucho talento y otra que, a pesar de no ser monologuista, es actor y va a interpretar. Es un producto dirigido a la televisión. Además, el público de la televisión no recibe el humor igual que el de internet. En la red todo está un poco más avanzado.

"En el humor es muy difícil no ofender a un colectivo o no provocar una ofensa"

MI: ¿Y tú, interpretas un personaje o actúas siempre de forma natural?

L: ¿Sabes la de gente que dice: “Lo que yo hago es un personaje”? Lo dicen muchos y yo no lo creo. Por ejemplo Toni Moog. Es de Barcelona. Salta al escenario y es un macarra, está súper encendido todo el rato. ¿Él es así? Más o menos. Es casi así. Normalmente cuando haces un show, un vídeo u otra cosa (al menos en mi caso) es una exageración, una caricatura de mí mismo, no dejo de ser yo ¿vale? Es como, me cojo y me caricaturizo. También porque cuando haces espectáculo, cuando quieres llamar la atención sobre algo, tienes que exagerar un poco las cosas.

MI: ¿Preparas tus monólogos o los improvisas sobre la marcha?

L: Los monólogos siempre están preparados, hay un lugar para la improvisación, pero no se puede improvisar un monólogo porque te vas a pegar el batacazo de tu vida. A veces meto cosas improvisadas, de hecho más de lo que debería. Es curioso pero, para que un monologo funcione muy bien, tienes que escribirlo muchas veces. Tienes que estudiártelo tan bien y practicarlo tanto que parezca improvisado. Si sólo lo improvisas, el baremo riesgo beneficio puede jugarte una mala pasada; puede salir muy bien o ser todo un fracaso.

MI: Volviendo a la visión social del mundo del humor en España; con el paso de los años, los chistes han ido ofendiendo cada vez a más colectivos. Sin darse cuenta, los humoristas introducen en sus monólogos micromachismos, comentarios capacitistas y demás faltas de respeto que poco a poco van dejando indiferentes a menos personas ¿Cómo haces frente a esto?

L: Ah, yo no quiero hacer frente a esto. Vamos a ver, cada uno que haga lo que quiera, para empezar, porque para algo tenemos libertad de expresión (y más en el humor). Te pongo un ejemplo: el chiste de “mis tetas”, ¿es ofensivo o no es ofensivo? Va una señora corriendo por la calle muy preocupada porque ha perdido a su perro que se llama mistetas y se encuentra a un policía al que le dice: 
- Señor policía, ¿ha visto a mistetas? 
- No, ¡pero me gustaría verlas!

MI: Es ofensivo sobre todo para la mujer, porque la sexualiza.

L: Está bien, y ¿no es ofensivo al mismo tiempo para la mujer que para el policía? En plan, ¿qué hace un policía diciendo eso? ¿No es ofensivo también para el colectivo del policía?

MI: También. Lo estigmatiza un poco.

L: Es que es muy difícil no ofender a un colectivo o no provocar una ofensa. En mis monólogos creo que no hago ninguna ofensa que la gente diga “¡ostras, que ofensa más jodida!” De hecho no tengo nada machista. Tengo algunas cosas en las que sí que me río, pero me río del machista; es decir, me río del racista o lo imito ridiculizándolo. Pero si tú sacas eso de contexto puede parecer que yo sea racista. Si yo digo: un racista dice “tal tal tal” y tú extraes esa frase parecerá que yo lo estoy diciendo, ¿me entiendes? Es muy delicado esto. Yo creo que es tan sencillo como que, a quien no le guste un tipo de humor, pues no tiene por qué verlo. Si empezamos a censurar, se nos puede ir de las manos. Una actuación que está mal, está mal y, bueno, dejémosle que se hunda en su propia mierda. No sé si censurar y señalar todo es bueno porque cada vez crece más la censura y se vuelve más picajosa. También digo otra cosa, hay que diferenciar si el objetivo es hacer reír o el objetivo es provocar por provocar; o sea, hay humoristas que igual ni son humoristas que lo que hacen es decir cuatro cosas para que la gente diga: ¡bualá! ¡lo que acaba de decir!”

Es diferente cuando el objetivo es hacer reír de una situación que todos conocemos. Al final el humor es empatía; es reírnos de algo que todos conocemos.

MI: ¿Tú estás intentando reducir este tipo de comentarios?

L: La verdad es que sí porque ten en cuenta que yo llevo haciendo esto como diez años y, claro, cuando tenía 24 años era mucho más inconsciente de lo que soy ahora. A veces veo al antiguo Lou y digo unas cosas que están súper fuera de lugar. Nos vamos haciendo grandes y vamos aprendiendo de nuestros errores, tanto en un lado como en el otro; tanto en faltar o no faltar como en hacer bien las cosas.

MI: Aunque con tu gira "A contrapelo" estás implicado casi al 100% en el mundo de los monólogos, debes casi toda tu fama a YouTube. Esta red (con los casos de dalas, mr granbomba, reset...) se ha vuelto todo un mar de personajes tóxicos, un Sálvame para chavales de 12 años. ¿Coincides con nosotros en que, probablemente eres, has sido y serás el youtuber menos youtuber de todo YouTube en España?

L: ¡Puede ser! (risas). Es que además el término “youtuber” últimamente es como malo, despectivo. Si una noticia empieza diciendo “El youtuber…” ya sabes que algo malo viene detrás. Yo creo que es una cosa generacional, también. El otro día lo pensaba, ¿no? Mi ídolo es Louis CK. Es un monologuista que sube al escenario, cuenta su vida y me parece un genio. Lo hace muy bien: su actitud, forma de hablar... Por eso, mi ídolo es Louis CK. Entonces yo me levanto y digo: voy a ser como Louis CK, porque es mi ídolo. Entonces me pongo a escribir y no voy a ser como Louis CK; voy a hacer un monólogo pero va a llegar a un 10% de lo que haría él. Esto sería en el caso de que mi ídolo fuera Louis CK. Ahora supongamos que mi ídolo pasa a ser JPelirrojo y quiero ser como él. Haré un blog, pero no llegaré a ser JPelirrojo. Seré un 10% de lo que es él y encima habré puesto el listón por debajo del que me imponía Louis CK.

Gente como Wismichu ha dicho que se siente responsable de casos como el de Reset. Estás influenciando a una generación de jóvenes que ve que eso es guay y que lo puede hacer cualquiera. Lo de Louis CK no lo puede hacer cualquiera, pero llamar por teléfono a un tipo y hacerle una broma o reírse del gordo de la clase lo puede hacer todo el mundo. Y los chavales lo hacen con un nivel aún más bajo. Eso es lo que va empobreciendo poco a poco, no tan solo el talento sino el criterio de la gente que va creando contenido. Y, bueno, también los hay que se levantan y dicen mi ídolo es Reset, ¿sabes? (risas). Imagínatelo, siempre iríamos bajando el listón. Yo creo que es una cuestión generacional. Espero que se pase. Hoy día no hace falta ser un genio para ser el ídolo de nadie, sólo hace falta llamar la atención, para bien o para mal. Especialmente para mal. Supongo que con el tiempo los niños crecerán; la gente crecerá y dejará de consumir fast food. Querrán algo más. Aunque seas niño, cuando pasan 4 o 5 años dices: “¡Uf! Esto es lo mismo de siempre, estoy un poco cansado. Voy a ver si hay algo más”. Yo creo que son ciclos. Cuando era niño, a mi también me gustaban cosas que eran horribles y maduré. Youtube ahora mismo es una red que es un niño, en general.

MI: Nosotros trabajamos principalmente la musical. Sabemos que estuviste en el Fib el año pasado y por tus venas corre sangre Mediterránea y festivalera. ¿Qué piensas de este auge de los festivales al que estamos asistiendo?

L: Te diré una cosa, los dos únicos festivales en los que he estado han sido dos ediciones del FIB. Nunca he ido a otro festival. Es que a mí las aglomeraciones no me gustan mucho. Estuve allí y bueno. Bien. Los grupos salen y cantan por lo visto. Pero no me acaba de molar ese rollo. No me gusta eso de que cante uno en un lado y otro en otro. Me gusta más ir a un concierto de alguien y ya está. En los festivales además todo el mundo va con un atuendo muy estrepitoso y no lo paso bien. De todas formas, la compañía y el buen rollo hicieron que no lo pasara del todo mal.

MI: Ya casi estamos terminando, ¿Que mensaje mandarías a todos los jóvenes que, de una forma u otra quieren vivir del mundo de la cultura en España?

L: No es fácil (risas) no es una cosa fácil. Yo siempre doy el mismo consejo porque me parece que es fundamental. Hagas lo que hagas en el tema artístico-cultural cuestiónate si, en caso de recibir el producto final (desconociendo su autor), este te gustaría o no. Como creador, intenta abstraerte un poco y mira si tu contenido realmente es bueno de forma objetiva. No te quieras demasiado y, además, implícate. No lo hagas sólo por el éxito. Implícate. Deja algo de ti en lo que haces y, al final, cogerá entidad y personalidad. Eso es muy importante.

MI: ¿Y a los que quieran vivir del mundo de la cultura en Badalona?

L: En ese caso tienes que salir de casa con chaleco anti-balas y todo irá bien.

MI: Muchísimas gracias por tu tiempo. Suerte para esta noche, aunque sabemos que no te hace falta.

L: Gracias a vosotros.


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Dardem: "La Brecha" es un disco conmovedor. Hemos ido a la médula, a lo nuclear

Texto: José Antonio Gil

Si algún adjetivo puede definir a Dardem ese es el de honesto. La banda sevillana, afincada en Madrid, son fieles y leales a la música que hacen y su manera de entenderla. Precisamente por eso se encuentran en uno de los mejores momentos de su carrera. Acaban de sacar un nuevo disco, “La Brecha”, por supuesto que autofinanciado y sacado con mucho trabajo y horas en el estudio de grabación, siempre compaginadas con otras ocupaciones. Este álbum es para ellos el mejor de su carrera, sin desmerecer a “Nada” e “Inerte”. La razón es bien sencilla, con la ayuda de sus productores han logrado potenciar sus puntos fuertes, aquellos que le hacen diferentes y que le den esa seña de identidad para así poder llegar al público y que este disco sea el que más conmueve y genera sentimientos entre quienes lo escuchan.

Por suerte, Pepe Rodríguez nos busca un hueco para atendernos y contarnos todas las impresiones de este disco y acercarnos, de una manera más íntima, el encanto y la personalidad de Dardem. No es tarea sencilla porque los andaluces se encuentran sumergidos en un año lleno de conciertos, festivales y actuaciones. Desde su participación en el Sonorama Ribera hasta recorrer casi todos los puntos de la geografía española.

Pregunta: ¿Qué caracteriza a vuestro último trabajo, “La Brecha”?

Respuesta: Creemos que lo que más condicionó el resultado de "La Brecha" fue la manera en cómo se trabajó desde un principio.

Normalmente en Dardem siempre hemos sido muy "músicos", muy metódicos,  en el sentido de que las maquetas de los proyectos en los que trabajábamos eran muy sofisticadas. Esta vez, y muy a petición de los productores, Manuel Colmenero y Javier Carretero, empezamos a trabajar solo a guitarra y voz de manera de que la letra, la melodía y la armonía del tema fueran los únicos elementos que pudieran diferenciarlos de otros.

Con eso, sin querer, se consiguió un ejercicio de minimalismo, de simplificación, y la emoción que siempre predomina cuando creas una canción quedaron mucho más a la vista.

En vez de ser una banda que convencíamos como anteriormente los otros dos trabajos, "Nada" e "Inerte",  pasamos a ser una banda que conmovíamos porque "La Brecha" es un disco conmovedor. Hemos ido a la médula, a lo nuclear.

Pregunta: ¿Hasta qué punto llega la autosatisfacción en la banda tras lanzar al mercado un disco tan personal y que habéis trabajado tanto, desde las letras y música, hasta prácticamente la producción?

Respuesta: Recuerdo perfectamente la sensación cuando quedamos por primera vez todos juntos y los productores, Manuel Colmenero y Javier Carretero, en  los estudios Sonobox y se cerraron las puertas.

Empezó la grabación que duró tres meses, por fin estábamos metidos en "La Brecha".

Hemos de decir que sentíamos durante todo el proceso de grabación que era algo mágico, algo que nos marcaría a todos para resto de nuestras vidas. Y podemos decir, sin ninguna boca pequeña que es lo mejor que hemos hecho hasta la fecha, que ha salido exactamente como queríamos.

Pregunta: ¿Cuando un disco está tan trabajado y es tan personal, se podría decir que os mostráis más desnudos al público como banda?

Respuesta: Sí. Con "La Brecha" nos mostramos tal y cual ha sido el resultado. Hemos trabajado mucho para hacer un ejercicio de reducción y sobre todo, y yo creo que esta es la palabra clave, hemos sido honestos con nosotros mismos.

Hemos sabido aceptar nuestros límites y potenciar lo que realmente nos hace diferentes sin importar cual sea la opinión o la reacción, hemos sido, en primera y última instancia, fieles a nosotros mismos.

Pregunta: A vosotros siempre os han influido mucho los libros de Isaac Asimov, H.P. Lovecraft y Philip K.Dick. ¿Cómo y de qué manera quedan reflejados estos autores en vuestra música?

Respuesta: Estas influencias de las que hablas son más patentes en este último trabajo "La Brecha" que en los anteriores, aunque es verdad que son muy tangenciales y vengan más de la mano del cine que de la literatura.

Quizá en el caso sea más evidente sea en la canción "Origami" que es nuestra particular versión en cuatro por cuatro de una de nuestras películas favoritas que es "Blade Runner" basada en una de las novelas de Dick. También es verdad que el caso de Asimov es forzar demasiado la máquina, aunque hay referencias espaciales durante todo el álbum que vienen más de la mano de la física cuántica que de sus trabajos. Y en el caso de Lovecraft lo más parecido sea "Raíz" que tiene una letra y una melodía que se podría tildar de oscura y algo gótica pero, repito, seguiríamos forzando la máquina al decir esto.

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Pregunta: En cuanto a la música, ¿cuál ha sido la que os ha influido directamente a vosotros? ¿Qué canciones y grupos escucháis, por ejemplo, cuando estáis en la carretera camino de una ciudad para tocar?

Respuesta: Afortunadamente en la banda hay cuatro personas muy diferentes y que han podido desarrollar, cada uno por separado, un gusto muy concreto por un determinado tipo de música, y en la música de Dardem existan influencias, por supuesto de todas ellas, empezando por mí mismo, que soy responsable de la parte electrónica, grupos como los "Depeche Mode" o "Nine inches Nails".

Raúl, guitarrista, por ejemplo tiene un gusto más por la psicodelia y el blues, con grupos como "Pink Floyd" "Led Zeppelin".

Joe, bajista, es el hombre más Funky del grupo y le gusta escuchar "Incubus" o "Red Hot Chilli Pepper".

También está Peter, baterista, que es el más fusionero de la banda y le gusta escuchar algo más de jazz como "Miles Davis" "Jojo Mayer".

Sin embargo, hemos podido compaginar todas esas influencias en un sonido muy concreto y único.

Pregunta: Y para ti, ¿cuál fue el primer grupo que de verdad te dejó marcado? ¿Y el primer disco que compraste?

Respuesta: He de decir, en honor a la verdad y como teclista y artífice del lado más electrónico de Dardem, que el primer gurú, el primer artista que me dejó absolutamente marcado, y por el que me sumergí en la música, estamos hablando de cuando tenía 11 años, fue "Jean Michel Jarre" y el disco fue "Images".

Pero si me preguntas por bandas, he de decir que la primera banda que me dejó absolutamente flipado fueron los U2 concretamente con el "Achtung Baby", aún recuerdo la cantidad de sensaciones que me provocaba escuchar "Until the end of the world" con esos mapas de guitarra están elaborados y esa producción que me parecía de otro planeta. Un absoluto viaje.

Pregunta: Siempre hacéis mucha referencia y alusiones a la realidad y a la ficción, ¿cómo lo entendéis vosotros?

Respuesta: La música de Dardem tiene un porcentaje muy alto de evocación, de elementos cinematográficos que aluden a algo onírico, en las letras pasa exactamente igual.

No buscamos ser explícitos con el significado de las letras. Creemos fielmente en que el público ha de tener la última palabra y nos esforzamos para ello, de manera que dejamos parte del mensaje abierto, por así decir, y eso ayuda que el público haga suya esa parte de contenido que tal vez pueda no estar tan clara como en otro tipo de música u otras bandas.

Pregunta: ¿Cuál es vuestro principal objetivo a la hora de componer y arreglar una canción? ¿Qué llegue a la gente y se emocione o le transmita, o qué vosotros estéis satisfechos y mostréis vuestra personalidad?

Respuesta: A veces, ponerte en el lugar del público es inevitable cuando compones, pero creo que es un trabajo y una posición muy incómoda para alguien que está creando, y esa labor, es propia de productores. Porque cuando se crea tienes que ser pura decisión, probar muchas cosas, no tener miedo a desandar el camino y tampoco a tomar decisiones que a priori pudieran parecer equivocadas porque te pueden llevar a otro sitio. La creación nunca es un proceso lineal.

Creo que el ponerse en el lugar de público para el músico y compositor es un lastre, uno debe de ser fiel a uno mismo, honesto con lo que siente. Lo mueves pase lo que pase, porque el público siempre tiene la última palabra sea cual sea el proceso y el resultado.

Pregunta: ¿Cómo consideráis que está el panorama musical? ¿Tan difícil es vivir de la música y sacar discos como dicen?

Respuesta: Lamentablemente sigue siendo una proeza mayúscula el sacar un disco y vivir de la música en nuestro querido país. Ya lo es vivir y trabajar de lo que sea. Las discográficas no ayudan, más bien desayudan a sacar un disco y dada la coyuntura socioeconómica en la que se dice que "no hay dinero" pero, en mi opinión, es que éstas invierten desastrosamente mal.

Por otro lado,  lo mal acostumbrado que estábamos hasta hace muy poco tiempo, a tener cualquier grupo gratis en la plaza de cualquier pueblo, esto hace que no haya una demanda sana para la música tal y como funciona actualmente en nuestro país.

En nuestro caso hemos tenido que autofinanciarnos siempre y buscar apoyos de diferentes campos para poder hacer que éste álbum, "La Brecha", viera la luz.

Pregunta: ¿El actual disco es un trabajo preparado para darle mucho bombo en directo y que suene muy bien?

Respuesta: Sí. Anteriormente los trabajos de Dardem eran poseedores de un artificio muy potente, una complejidad, en cuanto a arreglos y música se refiere, que daba como resultado unas texturas densas, atmosféricas, que hacían que la escucha fuera más cerebral que emotiva, justo al contrario de lo que ocurre siempre en nuestros directos que son muy potentes y emotivos.

En las giras de estos discos, cuando se llevaban al directo, la reacción del público era inmediatamente manifestar que el directo era más atronador, más potente y contundente que las grabaciones.

Pregunta: Son muchas las citas que tenéis marcadas en el calendario, visitando las principales ciudades de España y en grandes festivales como el Sonorama. ¿Dónde estáis más a gusto tocando?

Respuesta: Llevamos ya algunos kilómetros esta temporada y lo que viene parece que será aún más exigente porque en noviembre nos lanzaremos a presentar "La Brecha" en salas de toda la península.

Los Dardem siempre disfrutamos de poder tocar en público, de tener ese contacto directo y frontal para el que tantas horas hemos pasado en el local de ensayo. Nos encanta el directo, es nuestro estado natural, somos animales de escenario, por así decirlo.

Tocar en festivales te da la oportunidad de encontrarte con  un público que, a priori, no tendría porque conocerte y eso es una verdadera suerte. Aunque también es verdad que el hecho de compartir equipo e instalaciones con otras bandas tan diferentes hace que tengas que ser más resolutivo y no tan detallista. Cuando hacemos un concierto nosotros solos dominas factores más íntimos del espectáculo.

Pregunta: ¿Sois un grupo de recintos grandes y con mucha gente o pequeños y muy personales?

Respuesta: La verdad es que Dardem es una banda que sabe aprovechar los espacios.

Hay mucho de espacio en nuestra música, que a veces ha sido tildada de evocadora, atmosférica y cinematográfica, eso la hace ser heterogénea dentro de nuestro estilo, que se ha convertido en marca de la casa. Aunamos rock, electrónica y letras cuidadas con melodías emotivas.

También, por las giras que hemos hecho todo este tiempo que llevamos dando guerra, algunas de ellas internacionales, hemos disfrutado igualmente de espacios abiertos y de lugares íntimos.

El público también se comporta y percibe la música de diferentes maneras según el espacio, no es lo mismo estar sentado que de pie dando saltos. Yo creo que una música como la que hace Dardem se puede sentir y disfrutar en muchos sitios pero es verdad que si hay espacio para que los decibelios circulen libremente, mejor.


Carlos Sadness: "Tener personalidad significa quedar fuera del gusto de mucha gente"

Texto: Jorge Gordo

La palabra descanso no está muy presente este año en la agenda de Carlos Sadness. Y es que no hay nada más que ver todas las fechas que ha cerrado el cantante catalan; 37 hasta el momento. 

La Idea Salvaje (2015) es su último trabajo y ya se ha dejado ver por toda la geografía española. Ciudades como Madrid, Donosti, Gandía, Barcelona, Madrid (otra vez), Zaragoza, Albacete, Elche, Salamanca, Valencia, Sevilla, Torrijos y Mallorca entre otras, colgaron el cartel de SOLDOUT. Cierto es que Carlos no suele tocar en salas muy grandes, la idea de que los conciertos sean más íntimos tiene la culpa. O quizá me equivoque, porque cada vez que lo veo en un festival, lo revienta. Da igual, al cantante de la melena larga le gusta estar cerca de su público y contagiarse de esa felicidad y esa energía que sus fans tanto demuestran en cada concierto.

Ahora en verano, en plena época festivalera, Carlos tampoco levanta el pie del acelerador. Con Houdini bajo el brazo y esa sonrisa que tanto le caracteriza nos recibe en el Aspesuena. El calor aprieta y buscamos un rincón donde poder refugiarnos y empezar con nuestra batería de preguntas. No sin antes refrescarnos con una bebida espiritual.

Música Ilustrada: Después de un año y medio de gira con La Idea Salvaje, podríamos decir que este disco ha cumplido las expectativas notablemente. Te ha llevado a viajar a muchas ciudades, incluso a salir de España. ¿Cual crees que ha sido la clave del éxito?

Carlos Sadness: Creo que no puede haber solo una clave, tampoco quiero precipitarme a llamar éxito a algo que aún está en desarrollo, pero la verdad es que sí está siendo emocionante y gratificante recibir esa sensación de éxito. Yo creo en la naturalidad por encima de todo, creo que es una de las bases del carisma, aunque hay gente que quizás no conecta con tu naturalidad y eso no debe hacerte cambiar, si no asumir que tener personalidad significa quedar fuera del gusto de mucha gente. Si no te da miedo eso, creo que ya tienes una de las claves.

MI: En apenas unos días toca hacer la maleta para cruzar el charco. Con tres fechas ya cerradas en Méxido DF, tiene que ser un autentico lujo poder llevar tu música tan lejos. El público mexicano llevaba tiempo pidiéndolo, ¿menuda responsabilidad, no?

CS: Pues sí, aunque siento responsabilidad con todo lo que hago, pero esto de México es especial, es el principio de una carrera allí. Ha sido uno de mis sueños, siempre, tocar en Lunario, ahora voy por primera vez y tocaré tres veces, será para asumir que es real y no un sueño o algo así. La entrada ha sido buenísima, no puedo ni imaginarme lo que va a pasar con México en un futuro.

MI: Muchos artistas comentan que hay gran diferencia entre el público español y el de Sudamérica. ¿Esto es cierto? ¿En qué se basan esas diferencias?

CS: Esta pregunta te la responderé mejor dentro de unos meses (risas), pero desde fuera, me da la sensación de que son mucho más abiertos y existe mucho menos "postureo", y lamento usar esa palabra tan odiosa, pero en España se critica enseguida a lo que funciona masivamente, siempre se le buscan los tres pies al gato salvo en contadas excepciones, con grupos que han tardado más de 10 años en funcionar. Parece que exigimos sangre y sudor a las carreras de los artistas, cuando nos debería alegrar que haya gente con menos de 30 años petándolo. Creo que los mexicanos pasan de todo eso, les gusta lo que hace un artista y punto, a muerte con él, porque creen en los artistas por encima de muchos prejuicios.

MI: Meses atrás pudimos obsequiarte con una de nuestras ilustraciones. Quien te sigue desde hace tiempo y te conoce sabe que también te gusta eso de coger lápiz y papel y plasmar tus ideas. Es más, en algunas ocasiones hemos podido observar que algunos de los carteles de promoción y conciertos de tus giras llevan tu propio sello. ¿De dónde nace esta pasión?

CS: Desde que tengo uso de razón dibujo, me gusta, me relaja, hace que me encuentre. Es parecido a la música, pero sin festivales y un poco menos estresante.

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MI: Tu música ha hecho que recorras muchos kilómetros y por supuesto has coincidido con muchos artistas, artistas que ya pueden considerase amigos. Es una de las cosas buenas que tiene esta industria. Ya hemos podido oír colaboraciones con Santi Balmes, Zahara o Iván Ferreiro entre otros. ¿Cómo es trabajar con artistas de tanta talla? ¿Recuerdas algunas manías o anécdotas que puedas contarnos? Habrás aprendido muchas cosas.

CS: Lo de Ferreiro fue una sorpresa que me montó mi colega Sergio Sastre, él fue quien le lió, porque sabía que yo le admiro y le sigo desde adolescente. Cuando escuché su voz en mi canción no me lo podía creer. Todas las colaboraciones son bonitas, es algo mágico, me encanta, ojalá haga muchas más en un futuro. En cuanto a las manías... creo que quiero seguir haciendo colaboraciones así que me las voy a guardar, jajaja. Ahora en serio. No me viene nada a la cabeza que me resultara curioso. 

MI: Hemos hablado del pasado y del presente de La Idea Salvaje, pero, ¿Dónde se ve Carlos Sadness dentro de dos años? ¿Qué planes hay para el futuro?

CS: Dentro de dos años espero estar con otro disco, además del libro que sacaré este año, no puedo parar de currar, no sé qué me pasa, igual un día exploto.

MI: Ahora que lo mencionas... No solo estás centrado en proyectos musicales porque también estás pensando en publicar un libro.  En él has dedicado mucho tiempo, como hemos visto en redes sociales. ¿Que nos vamos a encontrar?

CS: Mucha ilusión y mucho curro, se llamará Anatomías Íntimas y saldrá a principios de noviembre, no puedo contarte mucho más, porque sería hacer spoilers, pero es mi guinda para el 2016.

MI: Me parece correcto, jaja. Bueno volviendo a la música Carlos, ¿cuál es el artista al que tienes gran admiración desde siempre y el que más te ha impresionado ver en persona?

CS: Manolo García, no me preguntes por qué. Me cago cuando lo veo.

MI: Antes comentábamos algunas de las manias que tienen algunos de los músicos con los que has colaborado, bueno, lo hemos intentado. ¿Tiene Carlos Sadness alguna manía para antes de un bolo? ¿Como vives los momentos previos a los conciertos?

CS: Yo soy una persona bastante tranquila y no estoy nervioso antes de los conciertos, ni tengo rituales ni manías, a veces hago jugar a los músicos a adivinar números que pensamos, para ver si estamos conectados, generalmente acertamos bastante cuando de mejor rollo estamos, es algo bastante curioso.

MI: Sinceramente, me encanta escuchar tu versión de Groenlandia (Los Zombies) porque además de estar muy conseguida, mostrando tu personalidad, siempre es bueno ver como los grupos actuales se acuerdan de aquellos con los que crecimos y nos regalaron canciones imborrables.

CS: Me alegro de que lo veas así, porque hacer versiones es delicado, siempre hay gente que se ofende. Yo nunca creí que sería fan de hacer versiones. Cuando monté mi primer grupo, odiaba hacerlas, quería siempre hacer mis propias canciones, pero con el tiempo he sentido la necesidad de volver mías algunas frases, algunas melodías, y Groenlandia merecía ser resucitada, si es que alguna vez estuvo un poco muerta, que lo dudo.

MI: Es cierto eso de que a veces necesitamos hacer nuestras algunas canciones. Quizá sea porque somos la música que escuchamos. ¿Qué grupos o artistas escucha Carlos Sadness? ¿Te ayudan a definir tu música? ¿Que nos recomiendas escuchar?

CS: Oigo de todo independientemente a la música que hago, mucho folk americano de todas las épocas, pero también cosas de trap, no tengo prejuicios, estos días estaba con el último de Band of Horses, pero también con Fuego.

MI: Después de tantos kilómetros, bailes sofocantes, acordes de idas y venidas y flamencos rosados, ¿qué hace Carlos Sadness para relajarse?

CS: Duermo millones de horas y como muchísima sandía. Si puedo, me voy a la montaña a ver a mis padres, a escuchar rugir el viento y abrazar las cosas sencillas.

MI: Un buen consejo el de abrazar las cosas sencillas. Me encantaría poder hablar más detenidamente sobre el tema. Es una pena porque la verdad es que se nos acaba el tiempo y llegamos a las últimas balas. Bueno, piensa rápido.

- Un libro: Me importa un comino el rey pepino.

- Un disco: El último de Band of Horses, se me ha olvidado el título ahora.

- Una película: El otro día vi room, mola.

- Un grupo/artista: Klimt.

- Comida favorita: Pizza de nutella.

- Color preferido: Oscuro.

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Fotos: Rubén Bonmati[/fusion_builder_column][/fusion_builder_row][/fusion_builder_container]


Elefantes: "Queremos que las canciones lleguen"

Texto: José Antonio Gil

Es pleno verano en el Mediterráneo. Época de festivales, conciertos y fiestas patronales. Hace calor, muchísimo. Y el sol hace justicia a las seis y media de la tarde.

En Aspe, Alicante, se celebra su día grande, especialmente cada dos años debido a la singularidad de sus fiestas patronales. Nos encontramos en cinco de agosto de año par y el pueblo venera a la Virgen de las Nieves. Siniestro Total, Elefantes y Full se encargarán de poner la nota musical en una noche tan esperada como especial.

Elefantes nos recibe por la tarde y lo hace al completo, con Shuarma, Jordi Ramiro, Julio Cascán y Hugo Toscano. Tenían previsto acabar su prueba de sonido a esa hora pero un problema con el equipo técnico les obligará a retrasarla más de lo esperado e incluso se les hará complicado tocar. Sin embargo, ellos lo quieren hacer y siempre están predispuestos a hacerlo. Como también haría en su día, unos cuantos años antes, el admirado José Luis Perales. El conquense, que también es ídolo de la banda, tocaba en una noche de verano en la misma localidad. La luz se fue en mitad del concierto. Perales, entregado a su público, decidió aguantar más de una hora a que volviera la luz y así acabar de tocar todas sus canciones. Incluso animó a sus seguidores a que él estaría allí hasta que hiciera falta. Ese espíritu de amor a quienes escuchan sus temas también está presente en Elefantes que está recorriendo todas las ciudades de España con su nuevo disco Nueve canciones de amor y una de esperanza.

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Pregunta: Menudo verano de no parar. Un día concierto y al próximo, también. ¿Cómo lo estáis llevando?

R: La verdad que está siendo un gran verano, teníamos un poco de miedo porque no somos un grupo que le gusten mucho los festivales y ahora es lo que más funciona y más hacemos. Hemos tenido suerte y llevamos un verano sin parar, aunque no paramos prácticamente desde la salida de disco a principio de año, y ahora en el período estival hemos decidido continuar la dinámica.

P: Éste último disco ha sido muy bien recibido por el público. Con él habéis llegado a encontraros el cartel de no hay entradas en muchos conciertos. Además que sirve de homenaje a Pablo Neruda con el título de Nueve canciones de amor y una de esperanza.

R: Estamos gratamente satisfechos de la gente que nos viene a ver, es todo un placer que estén siempre ahí. El disco tiene algo de homenaje a Pablo Neruda aunque yo no diría que el disco es muy poético. Coincide en la intención de hablar de una forma sencilla y honesta, del sentimiento que todos tenemos, el amor. Es un disco muy centrado en el amor, como el título bien lo dice. Es la búsqueda de la sencillez y también de la honestidad. Estamos muy contentos del resultado.

P: ¿Es difícil explicar de una forma sencilla algo tan complejo como el amor?

R: Sí, porque cuando se habla del amor uno lo entiende como algo muy grande y necesitas ser muy épico para hablar de él. Y el amor está también en las pequeñas cosas, en el día a día. Igual que le hablarías a un amigo de los sentimientos que tienes. El disco pretende hablar desde la sencillez y del lado más humano, sin crear grandes catedrales.

P: Conforme va pasando el tiempo desde su lanzamiento, seis meses ya, ¿estáis satisfechos con el disco?

R: Sí, totalmente. Siempre lo estamos con nuestros trabajos aunque cada momento tiene sus circunstancias. En este caso no solo nos gusta, es que nos va gustando más a medida que lo vamos dejando en la bodega y bajamos a escucharlo. Creemos que es un disco muy bien orientado, que lo que perseguíamos está conseguido.

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P: ¿Habéis evolucionado tanto como se dice desde vuestro primer disco El Hombre Pez?

R: Nosotros estamos vivos y en la vida hay evoluciones (risas). No se puede pretender que estemos siempre en el mismo sitio, nosotros intentamos ser transparentes con nuestra forma de sentir. Todo lo que vamos viviendo nos afecta a la hora de escribir porque nos afecta mucho en el plano emocional. Lo que sería absurdo, o que a nosotros no nos ha pasado, es estar en el mismo punto que hace veinte años. No sé dónde estamos pero estamos en camino, siempre en camino.

P: Viendo la complicidad que tenéis a la hora de hablar en esta entrevista, se hace difícil comprender que estuvisteis separados un largo período de tiempo. ¿Hasta que punto puede afectar esto en el grupo?

R: Todos vamos pasando procesos en nuestra vida y nosotros lo que intentamos siempre es ser lo más consecuentes con todo lo que nos ocurre. Entendemos la música desde ese lugar en el que de alguna forma no vibrábamos los unos con los otros y decidimos que lo mejor era parar. También es verdad que pensamos que iba a ser para siempre, no creímos que íbamos a juntarnos de nuevo pero lo mismo que nos ocurrió en aquél momento en el que sentíamos que teníamos que dejarlo, volvió a ocurrir después lo mismo para estar juntos. Ahora pensamos que es para siempre pero nunca se sabe. Desde entonces lo que intentamos es respetar las cosas para hacer el trabajo del que nos sentimos orgullosos.

P: Imagino que esa circunstancia os habrá hecho vivir cosas buenas y cosas malas. ¿Habéis aprendido de esa experiencia para evolucionar como personas?

R: Yo creo que estamos en ese punto de la vida en el que entre nosotros nos acercamos de una forma más directa a lo que queremos hacer y tanto en la manera de tocar, como en la manera de relacionarnos, estamos en un espacio de plenitud, o por lo menos de confort. Aunque sobre todo somos mejores músicos porque es una cuestión de trabajo. Por ejemplo cuando tú haces tu primera entrevista te sale de una manera pero cuando haces mil más te sale de otra. A lo mejor pierdes la espontaneidad de la primera pero ganas en sabiduría, experiencia, temple, saber controlar al entrevistado. A nosotros nos ocurrió lo mismo porque hemos hecho más discos y nos hemos subido a más escenarios desde entonces.

P: Es cierto. Además como bien comentas, después de haber grabado más discos y haber subido a más escenarios. ¿Cómo se lleva la convivencia? ¿Qué es más difícil vivir en pareja o vivir en una banda de rock?

R: Lo verdaderamente complicado es tener pareja y una banda de rock, todo a la vez (risas). Nada. Tenemos la gran suerte de que nos conocemos desde hace tiempo y conocemos bien nuestros defectos. Un día tragas tu y al siguiente le toca a otro, pero en general el ambiente es muy bueno y apenas hay problemas de convivencia. Si no nos sería imposible poder dedicarnos a esto. Hacemos música para estar felices, no para encabronarnos con nosotros mismos, jajaja.

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P: Respecto al primer concierto en 1998, la situación ha cambiado mucho. ¿Hasta que punto de gratificante es para Elefantes subirse a un escenario, ya sea en un pueblo o un festival, y que sea bien recibido y se canten sus canciones?

R: Es muy bonito y se agradece mucho. También es así porque llevamos muchos años y ya vas siendo consciente de lo que cuestan las cosas. Ya no solo por hacer el trabajo como músico, si no por ver como todo esto va llegando a la gente. Hay muchos compañeros que lo hacen y no consiguen transmitir a la gente, nosotros por fortuna hemos llegado a personas y lo valoramos muchísimos, por eso intentamos dar siempre lo mejor de nosotros en cada momento. Valoramos todo, el concierto de esta noche, esta entrevista, que alguien se quiera hacer una foto con nosotros, que le firmemos el disco, valoramos el que se nos permita continuar haciendo música que es algo con lo que disfrutamos mucho y que nos ayuda, no sé si a ser mejores personas, pero sí a crecer y a hacer nuestro camino.

P: ¿Qué destaca en un concierto de Elefantes por encima de todas las cosas?

R: La verdad que yo no sabría decírtelo, aunque cuando escuchamos y leemos comentarios en la redes sociales lo que a la gente más le gusta es la manera en la que nos enfrentamos a tocar. Nosotros no llevamos ni muchas luces, ni mucha parafernalia, ni mucha historia. Nos ponemos delante del público, con nuestras canciones y nuestra forma de sentirlas. Entonces la gente valora, en mi opinión, el que nos enfrentemos con mucha desnudez a las canciones que es lo que principalmente, o quizá únicamente, tiene la importancia para nosotros y así hacérselas llegar al público, porque nosotros queremos que las canciones lleguen. No somos de los que dicen que escribimos para nosotros y si no llegan me da igual. No, a nosotros no nos da igual. Queremos que las canciones lleguen a la gente. Aunque eso si, no a cualquier precio, queremos que sea con nuestra personalidad.

P: Se nos acaba el tiempo. Qué rápido pasan los minutos cuando te rodeas tan bien. ¿Os cansa que os pidan las canciones más conocidas o es un orgullo?

R: No nos las suelen pedir porque directamente las tocamos antes de nada. Nosotros ya las hacemos porque nos gustan, porque sabemos que la gente las quiere escuchar. A lo mejor llega un momento en el que no nos apetece cantar esas canciones, puede ser, pero cuando llegue ese momento ya te lo diremos. De momento eso no nos pasa. Aunque si es verdad que hay veces que no tocas un tema porque piensas que la gente estará cansada pero acaba el concierto y la piden, y la tocamos. Disfrutamos mucho con nuestras canciones.

Fotografías vía: @rubensbpz