Sobre la Film Symphony Orchestra o cómo disfrutar de la música sinfónica

Hoy quería hablaros de una música con la que estoy poco familiarizado, la música de orquesta. Una música que por lo general no predomina en nuestro día a día, o sí, y no somos conscientes.

Film Symphony Orchestra, la mejor música de cine en concierto

El pasado 15 de diciembre tuve la oportunidad de asistir a este maravilloso espectáculo de sonido y luces en el Auditorio Nacional de Madrid. Constantino Martínez-Orts, quien dirige la orquesta y se encarga de elegir el repertorio que se va a interpretar durante el concierto. Fuimos adentrándonos y rememorando grandes mitos del cine como: Casablanca, Éxodo, Tiburón, Hook, Titanic, La Misión, Up, La La Land, Rocky, Rogue One, Pearl Harbour, Bailando con lobos, Tombstone, Lío en los grandes almacenes, Iron Man o El hombre de acero. Y he de confesaros que fue una sensación muy satisfactoria y emocionante poder poner cara a cada instrumento. Ver y oír cómo empiezan a sonar cada uno de ellos, cómo se van acompañando y cómo se van formando esas canciones que ya forman parte de grandes películas de la historia del cine. Hay que recordar que la música de cine es vital para acompañar y ayudar a transmitir todas las emociones que se quieren transmitir desde el guión. Gracias a la música nuestro cerebro es capaz de almacenar y de recordar mucho mejor estas historias. Y qué decir del valor emocional y sentimental que puede llegar a transmitirnos una canción…

Film Symphony Orchestra (FSO) es la primera orquesta sinfónica europea especializada en música de cine. Ofrece exclusivamente conciertos de grandes títulos del séptimo arte -en su sentido más amplio- o de autores estrechamente vinculados al género. Cuenta con una base de 75 músicos profesionales seleccionados por un comité artístico que vela por los más altos niveles de excelencia técnica y artística.

La Música de las Galaxias

Director y orquesta, han recorrido los principales espacios del país con su tradicional gira anual de conciertos; y sus ciclos especiales como "La Música de las Galaxias": una experiencia sensorial sobre Star Wars en su 40 aniversario. También han participado en diversos eventos cinematográficos como la XXXI Edición de la Gala de los Premios Goya, la clausura del Festival de Cine de Zaragoza, la Premiere de El Hobbit 3, las proyecciones de Regreso al Futuro y Frozen en el Palacio de los Deportes de Madrid  y en el Palau Sant Jordi en Barcelona, el Premio Internacional de Composición de Bandas Sonoras Juan Gil Bodegas Familiares, el Festival de Series de Movistar+, etc.

Cabe destacar que a día de hoy más de 100.000 personas han asistido a los espectáculos FSO, los cuales han abarcado prácticamente la totalidad de comunidades autónomas: País Vasco, Navarra, Aragón, Cataluña, Comunidad Valenciana, Islas Baleares, Murcia, Andalucía, Comunidad de Madrid, Castilla y León, Asturias, Galicia, Islas Canarias...

Y todo esto con un único propósito, acercar la música sinfónica a nuestra sociedad a través de un hilo conductor universal: el cine.

Sobre el director: Constantino Martínez-Orts

El maestro Constantino es compositor, director de orquesta y divulgador musical especializado en música de cine. Inteligente y expresivo, singularmente característico por su entusiasmo contagioso y la pasión que transmite en sus interpretaciones. Algo que se puede palpar y sentir tras la ovación del respetable en cada concierto.

Es profesor de dirección de orquesta en Berklee College of Music e ideólogo en Film Symphony Orchestra. Con ella ha dirigido en la mayor parte de auditorios de España y en lugares tan singulares como la Plaza de Toros de las Ventas,Palacio de Vistalegre, Palacio de los Deportes de Madrid o Palau Sant Jordi de Barcelona.

En 2017 dirigió y compuso la música original para la gala de los premios Goya en su trigésima primera edición. Ha obtenido galardones internacionales como el Gran Premio de Dirección de Orquesta de Moldavia o el segundo Premio en el Concurso Internacional de Dirección de Orquesta de Craiova. Estando, además, al frente de las más prestigiosas orquestas europeas.

Como compositor ha obtenido los siguientes premios: el "Postgraduate Composer Prize" que The London College of Music otorga al mejor compositor Master, premio en el Concurso Nacional de Composición "Amadeus", premio en el Concurso Internacional de Composición: " Tomás Luis de Victoria", premio a la Mejor Banda Sonora en la XXXI edición de la Mostra de Cine de Valencia, premio Jerry Gold misth por su obra Pax et Bonum entre otros…

Film Symphony Orchestra TOUR 2017

Todavía tienes hasta el 26 de enero para disfrutar en directo de la música de Film Symphony Orchestra. Puedes consultar todas las fechas disponibles y hacerte con tu entrada para no perderte este espectáculo de imagen y sonido en: Film Symphony Orchestra 


Sidecars se marca la piel: "Nuestras canciones se están haciendo de la gente"

Llevan ya diez años subidos sobre el escenario. Son de Alameda de Osuna y en su último disco se han abierto el pecho, lo han dejado al descubierto y nos lo han entregado en forma de trece canciones. Ellos son Sidecars y ahora están de vuelta con su quinto disco, Cuestión de Gravedad.

El frío ya se ha instalado en la capital. La manecillas del reloj rozan las tres y media y Ruli y Gerbass me reciben en la sala Costello de Madrid: sin duda, un bonito lugar para este encuentro.

Música Ilustrada: Ruli y Gerbass. La sala Costello os ha visto crecer. Aquí habéis vivido muchas historias. Qué bonito es volver, mirar atrás y ver todo lo que habéis conseguido.

Ruli: Es nuestro cuartel general. Antes veníamos mucho, pero ahora es verdad que venimos menos. Había semanas que nos tirábamos aquí de lunes a viernes.

Gerbass: Así es. Es nuestro cuartel general desde hace diez años y nos hemos visto en todas las posiciones de Costello, desde borrachos en el baño vomitando, que no había quien saliera de ahí, hasta yo mismo que he estado currando durante dos años detrás de la barra. Ahora es más un rincón de reunión, de estar con los jefes, de hablar, y de celebrar las cosas que nos están pasando.

MI: Siempre habéis sido Juancho, Ruli y Gerbass, y Manú en los comienzos, pero en esta nueva etapa habéis incorporado a nuevos miembros como son Ramiro Nieto, Sergio Valdehita, Pere Mallén y Nigel Walker como productor. Amigos con los que ya habéis tocado en conciertos y festivales, pero, ¿cómo se producen estas nuevas incorporaciones?

R: La verdad es que todo ha sido de manera muy natural. En el caso de Pera, Valdehita y Ramiro, siempre han sido como nuestros fieles escuderos. Todo empezó a raíz de la grabación de Contra las Cuerdas, ahí se reestructuró un poco el formato de la banda, Matías tenía que volver a Argentina, Mauro se fue durante la gira, y bueno, fueron apareciendo esta serie de personajes que ahora mismo son vitales para Sidecars. Siempre nos hemos llevado bien y siempre intentamos que la gente que se incorpore forme parte de la familia.

G: Es como con las novias: con la primera tienes una relación insufrible, con la segunda ya va a mejor, y con la tercera ya buscas que te vayas a llevar bien durante mucho tiempo y que te vayas a entender y a que todo vaya a ir bien. Y es lo que nos ha pasado con estos tres monstruos. Son músicos geniales y con los que nos llevamos muy bien. Y de Nigel, qué decir. Hicimos Fuego Cruzado y Contra las Cuerdas con él, y no es que se nos impusiera. Estuvimos tanteando y pensado con qué productores podíamos trabajar, pero ya teníamos la espinita de querer trabajar con él. Ya nos conocía, él sabe perfectamente cómo llevarnos y tiene más experiencia que cualquier otro productor al que pudiéramos optar.

MI: Pero Nigel recibe muchas propuestas, es un subidón que decida coger vuestras canciones.

R: Eso es. Al principio sobre todo. Recibimos mucha información sobre él de gente que había trabajado a su lado y en el primer disco sí fue así. Luego en Contra las Cuerdas y en Cuestión de Gravedad hemos hecho tan buen tándem que desde un principio sabíamos que queríamos trabajar con él.
G: También se tienen que dar los tiempo: que nosotros tengamos canciones y material para grabar y que él estuviera libre. Pero sí teníamos claro que era con Nigel con quién queríamos producir estos discos.

MI: A nivel artístico, el trabajo en equipo puede llegar a ser duro o complicarse, ¿qué tal lo lleváis eso vosotros?

G: Nosotros no tenemos problemas de egos. Juancho escribe las canciones y tenemos plena confianza en que él es el que mejor está en forma a la hora de escribir. Ahí no tenemos problemas, le damos vía libre. Pero es que Juancho ya viene con los bocetos de las canciones muy trabajadas y eso facilita mucho el trabajo en el estudio.
R: Sidecars funciona como un organismo. Nos conocemos de hace mucho tiempo y ya sabemos cómo funcionamos. Sabemos perfectamente cuál es la función de cada uno y la verdad es que son más de diez años ya trabajando juntos, entonces, lo tenemos ya muy hecho.

MI: Habéis dado miles de conciertos, pero siempre que se vuelve uno a subir al escenario hay nervios. ¿Cómo hacéis para liberara esa tensión? ¿Qué manías tenéis?

G: Las manías siempre son las mismas, siempre estamos dando vueltas y chocando unos con los otros, pegando un grito de vez en cuando, pegarle una patada a un taburete que te encuentras, pero al final nos tomamos un chupito y nos abrazamos fuerte antes de salir y para adelante. Pero el ritual es ese, estar dando vueltas sin parar.

MI: Después de haber defendido vuestras canciones en eléctrico como en acústico, y haber grabado un disco, Contra las Cuerdas, en ésta última, ¿con qué formato os identificais más o cuál os gusta más para defender las canciones?

R: En el caso de Contra las Cuerdas no es que estuviéramos cansados de tocar en eléctrico, más bien fue un forma bonita de hacer un repaso y recuperar viejas canciones, que quizá, nos habíamos dejado por el camino. Las canciones, por cómo las trabaja Juancho, nacen en el salón de su casa él sólo con la guitarra y es la manera más natural de hacerlas, por eso el acústico en este caso se acerca más a la canción original o a cómo nacen. En el caso de los teatros, por ejemplo, siempre pensamos que el acústico era el formato que mejor funcionaría. Luego en otras salas, somos más eléctricos. Hemos concebido los conciertos a lo que las salas requerían. No nos rechina nada del acústico ni del eléctrico.

G: Hemos aprendido. Nos hemos dado ya tantos palos probando cosas que funcionan o no funcionan que con Contra las Cuerdas fue un poco tirar pa’lante. No teníamos muy claro que fuera a salir bien. Al final tuvo mucho éxito y salió genial. Hemos aprendido mucho de cada formato y extraído lo mejor de cada uno para poder mezclarlo ahora y llegar al sonido que tenemos. Pensamos que Cuestión de Gravedad tiene lo mejor del formato acústico y lo mejor del formato eléctrico. Es el máximo exponente.

R: Justo. Cuestión de Gravedad es como una mezcla perfecta de Fuego Cruzado, que fue nuestro punto más eléctrico, no confundir con velocidad (risas), y Contra las Cuerdas, que fue nuestro momento más acústico.

MI: Carles Francine, en su programa de La Ventana, hace  una vista muy interesante sobre cómo van sonando vuestros discos, de más cañero a más tranquilo. Imagino que esto también va ligado a las distintas etapas de la vida que uno va viviendo. Creo que con este disco habéis llegado a un sonido muy definitivo.

R: El disco es un poco lo que hemos querido hacer toda la vida. Y creo que se han juntado un poco los astros para este disco, jajaja. Hay que tener en cuenta que cuando grabamos Contra las Cuerdas, que era un recopilatorio, ya estábamos pensando en entrar en el estudio a grabar, porque Juancho seguía componiendo canciones y había material. Y hemos tenido lo mejor de todo, banda, canciones, nos pilló en muy buena forma.

MI: La primera vez que yo os ví, fue en el campus de la Complutense, en el Paraninfo. Ahora habéis llenado la Riviera tres veces.

R: Pecamos un poquito quizá de anticiparnos y sacar las entradas con meses de antelación. Pero porque creemos que es la mejor manera de hacerlo. Si tu sacas el disco y automáticamente te pones a girar, no dejas respirar las canciones. Creímos que era necesario dejarlas respirar un poquito porque además vemos que hay cancionero de sobra en este disco como para dejar ese espacio de tiempo entre el lanzamiento del disco y la gira.

MI: En aquella época, ¿os veíais donde estáis ahora o incluso viviendo de la música?

R: Jajaja, era un deseo, pero de ahí a que se pudiera cumplir…

G: Desde no hace mucho vivimos sólo de la música y hemos podido dejar otros trabajos en los que trabajamos paralelamente a la música, pero ahora mismo sí, hemos conseguido la mayor meta que en realidad era poder vivir de esto y poder poner todo tu corazón y toda tu cabeza en un proyecto, que para nosotros, es Sidecars y que lo ha sido desde hace ya mucho tiempo.

MI: Cuestión de Gravedad es una historia de amor y desamor que vive el propio Juancho. ¿Cuándo se da él cuenta de que tiene un disco entre las manos?

G: Nos hemos parado, y como decía Ruli, ya había material cuando nos pusimos a grabar Contra las Cuerdas. Juancho siempre es muy dinámico y siempre está escribiendo. Toda esta historia que cuenta en Cuestión de Gravedad viene marcada, desde hoy mismo, a tres años atrás, entonces todo se ha ido construyendo a lo largo de este espacio de tiempo. Pero él no estaba escribiendo esto exclusivamente porque pensara que de ahí iba a sacar un disco. Juancho escribe de lo que tiene dentro, y en este momento, él, se siente mucho más expuesto porque ha contado mucho, se ha abierto en canal y le da un poco de miedo. Aún así creemos que eso es lo que hace que las canciones se estén haciendo propias a la gente con más facilidad.

MI: Locos de atar es el tema que abre el disco, y es también, ese primer sentimiento que nace en una relación. Todas las sensaciones que se tienen son de nervios, de alegría, de no saber cómo irá pero de querer lanzarte. Como cuando sacas el disco a la calle.

G: Pues sí. Es la ilusión de tu vida. En ese momento nosotros ponemos todo lo que tenemos dentro por este disco y cruzamos los dedos lo más fuerte que podemos para que funcione lo mejor posible. También hemos tenido más medios para grabar el disco, hemo podido llegar a un nivel mayor y afortunadamente está saliendo por su propio peso, y está consiguiendo una difusión que no habíamos conseguido hasta la fecha.

MI: Ahora es más fácil promocionarse o llegar con tu disco a más gente, con todos los medios que existen, redes sociales, plataformas digitales...

R: Es verdad, pero Spotify por ejemplo, no suple el que ya no se vendan disco como antes pero sí que permiten que haya más baremos en los que te puedas fijar y qué estadísticas está recogiendo tu disco en el último mes… es ya te dice bastante.

G: También es verdad que el mercado ha cambiado mucho. La venta de discos es una lucha que ya todos damos por perdida prácticamente. De vez en cuando pillas un poquito  de royal pero un migita. La difusión está mucho más por encima que el querer vender discos. Al final te va a aportar mucho más que te escuchen un millón de personas a vender cinco mil discos. Por esa razón subimos nuestros temas a plataformas como Spotify o YouTube, también para que todo esté mucho más accesible. A nosotros lo que nos da para vivir son los directos.

MI: En ese sentido, España goza de buena salud. Hay gran variedad de circuitos, festivales, salas, en las que se está apostando por la música en directo.

G: Hace dos años y medio nosotros no podíamos decirlo, nos estaba costando un poco más… tres años después está creciendo mucho y va muy rápido. Los festivales tiene una capacidad de congregación que no tienen macrodiscotecas ni campos de fútbol y eso es muy de agradecer para todos los grupos. Pero es una exposición más, quizá estás yendo a un festival en el que sabes que la gente no va a verte a ti pero de repente se cruzan con tus canciones y descubren que les gusta y se suban al carro. Y eso es bueno.

R: Lo que ha pasado con la música en directo y en concreto con los festivales, es que se están viendo como un modelo de ocio alternativo; en vez de macrobotellón, pues nos vamos de festival. Yo me aventuraria a decir que la mayoría de la gente muchas veces no saben ni lo que van a ver. Igual que si hay muchos que aman la música y saben perfectamente en dónde están. Creo que no hay tanto seguimiento en España como para que sean tan masivos y hay mucha gente que va porque es el único momento del año que tiene para juntarse con todos los colegas.

MI: Es cierto que a vosotros os ha costado entrar en este formato.

R: Tampoco es una cosa que nos comiera la cabeza. Siempre hemos pensado que para salir adelante dependíamos de nosotros mismo y de nuestra gira. Para Sidecars el éxito es hacer una gira propia. Ir a un teatro de quinientas personas y llenarlo. Los festivales no dejan de ser un complemento más para la gira.

G: Es el complemento perfecto. Nosotros nos centramos en nuestras salas, ahora en Madrid hemos llenado la Rivera por tres veces, hay otras ciudades de la gira en las que la venta de entradas también está yendo bien. Eso es lo importante. Si lo estás haciendo bien en las salas eso conlleva a que los festivales también se interesen por ti. Y en ese momento es el complemento perfecto. Nosotros hacemos la gira en primavera/otoño y luego llega el verano y ya completas la máxima exposición nacional haciéndote algunos festivales. También creemos que es delicado el tema de hacerte treinta festivales ya que puede llegar a quemarte con respecto a hacer salas propias, nada más. Nosotro de momento vamos con pies de plomo, como hemos ido siempre, que así nos está yendo bien. Luego cada banda es distinta. Los puedes tener que tenga un caché muy alto y que solo hagan festivales y que con eso les da para vivir. Nosotros no estamos en ese cesto y tampoco va con nuestra forma de pensar.  También hay que tener en cuenta a todo el equipo que va contigo y te acompaña en cada bolo o en cada festival. Tienes que controlar esto porque si no te puede pasar que acabes con un agujero económico importante, a nosotros ya nos pasó en el pasado y hemos aprendido.

R: En Contra las Cuerdas nos pasó. Quisimos ser tan fieles al formato del disco que solo lo llevamos a cuatro sitios más o menos cercanos: Madrid, Valencia, Barcelona y Valladolid que son ciudades que pillan cerca a todo el mundo, más o menos. Tuvimos suerte y llenamos los cuatro, pero si no llegamos a llenarlos el golpe habría sido muy duro.

MI: Y con todo esto, ¿os habéis planteado hacer un WiZink?

R: Sí nos lo hemos planteado, y es la siguiente pantalla, pero ahora mismo no nos preocupa porque es un sitio tan grande que te puede parecer un éxito desde fuera pero por dentro un fracaso absoluto. Es verdad que hay distintos formatos dentro del WiZink pero el día que decidamos dar ese salto nos lo pensaremos muy bien. ¡Ojalá!. También somos muy agonías. El año pasado ya nos pasó que siempre que terminábamos de llenar una sala, Paco (manager) nos decía: “venga, vamos a buscar otra sala que hay que seguir vendiendo entradas”. Al final también necesitas descansar y desconectar un poco.

G: Hace muy poco estábamos acojonados con hacer dos Rivieras, nos convencieron y salió, y la tercera ni nos la planteamos, pero resulta que nos lanzamos también y se ha vendido todo. Esto son cosas que nos están pasando desde hace muy poco y todavía es muy pronto como para pensar en hacer un WiZink. De momento las Rivieras son nuestro objetivo máximo y queremos disfrutarlas como niños porque llenar la Riviera tres veces era algo que no nos imaginábamos ni un nuestros sueños más húmedos.

MI: En Tu Mejor Pesadilla Juancho se marca la piel. Estas cosas a veces pasan y son recuerdos para toda la vida.

R: A veces pasa… (Mientras nos muestra todos los tatuajes que lleva en su piel).

G: Claro. Estas cosas a veces pasan y nos han pasado a todos. Todos nos hemos tirado alguna vez a la piscina y hemos puesto la mano en el fuego por alguien ya sea una pareja, un amigo o un hermano y has tenido problemas. No tiene otra connotación más que esa.

MI: Costa Da Morte habla justo del momento en el que te das cuenta que algo empieza a fallar, que ya nada vuelve a ser lo mismo, pero a la vez no te arrepientes de haber saltado a ese vacío que ahora te tiene atrapado. ¿Os habéis visto alguna vez en ese momento parecido con la música?

R: Cada vez que sales de gira te estás enfrentando a eso. Es una profesión muy bonita pero cuando te va un poco mal o te sale algo rana, las cosas son muy jodidas. Es la p**** dedicarse a esto pero no todo es fiesta. Lo pasas mal estando fuera de casa. El año que viene probablemente solo tengamos dos fines de semana libres en todo el curso.

G: Es como la canción. Una cantidad emocional constante.

MI: Amasijo de Hueso es un pequeño paréntesis en esta historia. Aquí Juancho describe cómo es su relación con Leiva. ¿Qué os aporta Leiva a nivel profesional y a nivel personal?

R: Leiva no deja de ser un Sidecars más. Estuvo ahí cuando sacamos el primer disco, hemos teloneado a Pereza muchas veces, a Leiva también, y cuando todavía estábamos soñando de lejos con todo esto, él era no solo el hermano mayor de Juancho, también era la figura paterna o fraternal que nos daba los consejos y que nos contaba las cosas que sucedían en una gira. Es una persona que nos ha enseñado mucho y en la que seguimos apoyándonos.

MI: Llega Microinfarto. Aquí suena el teléfono y soy un esclavo. Estamos muy pegados a estos aparatos.

R: Efectivamente. Yo además soy una persona muy activa políticamente en redes y con el tema de Catalunya me quemé y decidí dejar las redes sociales durante un tiempo porque si no iba a estallar. No por nada más, pero es que hay veces que te envenenas. Al final vuelves pero porque lo tienen ahí y es inevitable. Hasta el móvil te sigue con GPS. Casi sería de agradecer una tormenta solar para que acabara con todos los satélites, risas.

G: Y más ahora en la era de la comunicación. Si tú tienes este aparato cerca ya tienes un cuarenta por ciento de libertad. En cuanto lo tiras o lo dejas de lado, tienes el cien por cien. Pero de momento con esto cerca puede contactarte cualquier persona, te enteras de todo lo que pasa, no es una libertad real. En realidad estás conectado a todo el mundo todo el rato.
Y en la canción pasa un poco lo mismo. Al final el teléfono no deja de sonar y no te deja afrontar tus libertades diarias o tus rutinas, y siempre te está rompiendo ese tirar para adelante.

R: Además de que pierdes mucho el tiempo. Yo me dí cuenta con Facebook. Me lo borré y eso sí que no me lo he vuelto a abrir. Era tener un poco de tiempo libre y entrar a ver qué noticias hay o qué está pasando, y no, joder. Coge un puto libro, o ve una película. En el momento que cerré Facebook empecé otra vez a leer muchísimo. Y cuando cerré Twitter e Instagram durante un mes, todavía más. Es inevitable también usarlo para currar. Nosotros antes éramos súper pasotas y esto fue una cosa que nos pasó por la derecha muy rápido hace un par de años. No estábamos en redes sociales. Decidimos actualizarnos un poco y darle vidilla, que al principio está muy bien pero luego tienes que aprender a dejarlo de lado.

G: Es un tema que siempre lo hemos ido gestionando nosotros pero que a día de hoy tenemos a una persona amiga nuestra, Alba, que es la que nos ayuda a llevar todas las redes al día y a gestionarlas bien. Más que nada porque la gente también te escribe muchas veces como si fuéramos amigos de toda la vida y llega un punto en que no puedes contestar a todo el mundo, no hay tiempo físico. Intentamos ser lo más amable y lo más cercano posible.

MI: Llegan Olvídame, Canciones Prohibidas, Cuando caigas en shock y Polvorosa. Aquí Juancho ya se ha abierto el pecho, se ha hecho el harakiri.

R: La portada es perfectamente la gráfica perfecta. (ríen)

G: Eso es. La portada es una foto de cuando se abrió Juancho el pecho (ríen).

MI: ¿Cómo es vivir con él y esos sentimientos tan cercanos?

G: Somos tan cercanos, tan colegas y tan hermanos, y nos llevamos desde hace ya mucho tiempo y convivimos tanto, que de un modo u otro los problemas de Juancho son los nuestros y al revés igual. Aquí nos apoyamos todos y esta carrera de músico tampoco es lo más estable y fácil psicológicamente, por eso nos damos apoyo mutuo constante y no somos gilipollas. No nos guardamos las cosas para que nos hagan el menos daño posible. Una carrera musical son un montón de cambios y muchas ansiedades que tienes que aprender a gestionar y filtrar, y aprender a compartir para poder recibir opiniones distintas. Y en este caso tenemos el chollo perfecto para sacarlas.
Estos problemas también los hemos vivido con Juancho y él, en el momento que está jodido nos enseña una melodía que le ha empezado a salir. Por eso hemos escuchado Olvídame cuando era una molécula de la canción que es ahora.

MI: Al final no solo las letras son el reflejo de un sentimiento. Los acordes y las notas también reflejan ese estado de ánimo que él tiene.

R: Sí que es cierto que el tratamiento que tiene el disco, precisamente de estos temas que has comentado, Juancho ha sido siempre el que traía las canciones ya en su cabeza. Ha tenido más tensión sobre los hombros que la que se suele tener a la hora de grabar un disco. Juancho no podía desconectar. Evidentemente toda esa tensión se notaba en la grabación, no hablo de tensión mala, cuidado. La tensión que generan todas las canciones tiene que ver un poco con todo el tratamiento. El disco transmite un mensaje muy claro y estamos muy contentos con el resultado.

MI: En Camino Fácil Juancho ya se da cuenta y asume que no hay vuelta atrás. ¿Llegasteis a pensar en la grabación que igual se estaba abriendo demasiado?

R: Yo creo que no. Hasta que no escuchas el disco terminado no eres consciente de todo lo que has contado. Hay que hacer un ejercicio de abstracción muy difícil mientras estás grabando los temas para ver el todo, y ese es el trabajo que hace Nigel. Nosotros hasta que no escuchamos el disco mezclado y terminado no vimos que igual sí era un disco demasiado abierto. En es un poco putada, porque al final todo es tan explícito y está tan claro que en las entrevistas todo el rato le pregunta, lógico por otro lado.

MI: Con Tan Rápido, ¿ha sido Juancho el único que no lo vio venir?

G: Sí, claro. Pero eso nos pasa a todos. Así somos lo humanos. Juancho pensaba que era el único que no lo podía ver y en realidad… Yo lo hubiera vivido igual, me hubiera pasado lo mismo.

MI: Todo es Mentira. Hay que seguir adelante.

R: Sí. No te queda otra. No vas a tener la cabeza siempre metida en el marrón. Es un disco muy catártico. Y con esta canción era un poco reponerse la situación.

MI: Conmigo o Sin mí es la canción que cierra el disco, pero ¿y la herida?

R: Esta canción es un para reflexionar de todo lo que ha estado contando en las anteriores. Yo creo que es un “To Be Continue…” como pasa con algunas series.

G: Es un poco darse cuenta de que los acontecimientos no pasan como tú quieres que pasen. Lo dejas abierto y que pasen como vengan. Que ya sabrás afrontarlos. Después de los doce cortes anteriores con este, ya dejas claro que estás listo y aceptas las cosas como te vengan.

MI: Al ser un disco tan personal. ¿Pensáis que pueda haber canciones que dentro de un tiempo Juancho no quiera volver a interpretar?

G: Una vez ya has contado lo que tenías que contar, la canción se convierte en la historia personal de la gente que la escucha y entonces pasa a ser bastante ajeno y no tan propio. Es algo que compartes con todo el público en general y así es más fácil de digerir. Al final cuando ves que pasa el tiempo, ves que esa canción es más de la gente que tuya.

MI: Despues de Contra las cuerdas y de haber hecho colaboraciones con Dani Martín, Iván Ferreiro, M-Clan o Leiva, ¿Con qué otros artistas os gustaría interpretar alguna canción?

R: Lo que salga de manera natural. Al fin y al cabo, todo lo que sucedió en ese disco fue una recopilación de amigos con los que hemos estado juntos en estos años de carrera y muchos se quedaron fuera. Tampoco podemos hacer un disco con quince colaboraciones pero seguro que seguirán surgiendo cosas, con Quique seguro o muchos otros amigos.
G: Juancho y Valde ha tocado con Rayden y Miss Cafeína o sea que sigue el mundo de colaboraciones y amiguismos que afortunadamente tenemos muy buen momento aquí en España y no van a faltar. Tampoco tiene que ser forzado. Cuando mejor sale es de manera natural.

Para terminar, dos preguntas de gente que me ha ido escribiendo por Instagram y que son para vosotros.

@oscurasutileza dice: Después de un disco tan visceral, que desprende tanta tristeza y melancolía, ¿cómo están vuestros corazones?

R: Estamos contentos y con ganas de salir de gira para ver como se ha transmitido todo esto que ella dice entre el público. Pero hasta que no lo veamos sudar y cantar en las salas no nos vamos a quedar tranquilos.

@animaconb os pregunta, ¿cuál es vuestro artista español de referencia en la actualidad?

G: Cogemos un poco de todos. Los obvios: Leiva, Iván, Quique González…  Ahora hay un montón de cosas nuevas. El otro día estuvimos viendo a Julián Maeso y flipamos, fuimos a ver a Love Of Lesbian y también flipamos. Está en muy buena forma la cosa, no paro de decirlo. Hay mucho que aprender de todos y queremos seguir aprendiendo de esta escena musical que tan en buena forma se encuentra.


Isma Romero: Han sido dos años de puertas cerradas, nadie quería el disco

Texto: Cristina Muñoz
Fotos: Jorge Gordo

Isma Romero empezó en esto de la música con apenas 16 años. Por aquel entonces eran sus padres los que le firmaban las autorizaciones para que pudiera tocar en salas. Ahora, ocho años después ya tiene en el mercado dos discos, Antes de que esté prohibido (2014) con el que llegó a subirse al escenario acompañado de músicos de la talla de Carlos Tarque (MClan), Rubén Pozo, Juancho (Sidecars) y Ovidi (Los Zigarros); y Luminiscencia, publicado el pasado 13 de octubre, con la mano de Nigel Walker y el respaldo de Warner Music.

Su segundo álbum llega en un momento en el que ha aprendido a disfrutar y a vivir el día a día. Con en el que ha pasado por dos años de incertidumbre, de algunos noes y puertas cerradas que terminaron por abrirse al escuchar su rock positivo y enérgico. Un disco que, tal y como nos relata , "hace dos años no lo quería nadie". Un tiempo en el que ha tenido que "pelear" y al tiempo ha aprendido que "las cosas buenas siempre cuesta conseguirlas". "No hubiera sido lo mismo sacar el disco de esta manera que de otra".

Y nosotros agradecidos estamos de todo ese esfuerzo y lucha que se han transformado en un disco al que auguramos un futuro brillante, con diez canciones que desprenden 'buenrollismo' y ganas de cantarlas a voz en grito. Y tiempo tendremos para hacerlo durante la intensa gira que llevará al valenciano a recorrer gran parte de la geografía española.

Fechas de la gira de presentación de Luminiscencia:

  • 20 OCTUBRE - MADRID (Fnac Parquesur) 19:00h
    Firma de discos + acústico
  • 21 OCTUBRE - MADRID (Fnac Plaza Norte) 19:00h
    Firma de discos + acústico
  • 28 OCTUBRE - ALFAFAR (Valencia) - Jornadas Culturales
  • 10 NOVIEMBRE - LEÓN - Sala Babylon
  • 11 NOVIEMBRE - VALLADOLID - Black Pearl
  • 17 NOVIEMBRE - TOLEDO - Sala Pícaro
  • 18 NOVIEMBRE - CIUDAD REAL - Sala Nice
  • 24 NOVIEMBRE - SANTANDER - Black Bird
  • 25 NOVIEMBRE - OVIEDO - Franel Rock
  • 1 DICIEMBRE - BILBAO San Miguel Music Explorers
  • 2 DICIEMBRE - BURGOS San Miguel Music Explorers
  • 2 FEBRERO - MURCIA Sala Musik
  • 3 FEBRERO - VALENCIA - Sala Wah Wah
  • 17 FEBRERO - MADRID Sala El Sol

ENTREVISTA CON ISMA ROMERO

Pregunta: Hay una frase en Héroes que dice "brindaré por los sueños que hoy son días". ¿Se están cumpliendo tus sueños?

Respuesta: Esa canción hace referencia a muchas cosas. Realmente es como un torbellino de ideas y de experiencias. En la parte final de la canción es donde sale la luz, habla de que bueno realmente lo que estoy viviendo que cada día es un sueño, estoy agradecido por todo lo que tengo y para mí ya es un sueño ser feliz. Realmente todos esos sueños que son días ya los tengo cumplidos.

P: ¿Cómo has vivido este año? ¿Has sentido que por fin llegaba todo eso por lo que tanto has luchado desde que tenías 15/16 años?

R: En estos dos años han ocurrido muchas cosas, muchas puertas que se han abierto, muchas que se han cerrado, muchísimos noes. Y de eso habla el disco. Realmente todo lo que ha ocurrido es un aprendizaje, y yo lo veo así. Para mí las cosas, entre comillas, negativas que nos ocurren, son las que nos ayudan a formarnos como personas. A mí me han ayudado, por lo menos seguimos en el camino.

P: ¿Qué has aprendido y con qué te quedas de todo este camino que has recorrido desde que ibas de sala en sala con la autorización de tus padres para que te dejaran tocar hasta llegar aquí?

R: Pues lo que he aprendido es a disfrutar y valorar las cosas que van viniendo, ese es el premio. Porque muchas veces se me olvida y realmente es lo que te llevas, si no disfrutas cualquier cosa que hagas da igual lo que consigas en tu vida porque no tiene ningún sentido, no se queda el sentimiento de lo que vives, sino que vas viviendo como muchas escenas de tu vida y no disfrutas. Después de todo este tiempo y proceso y puertas abiertas y cerradas, ¿qué significa poder vivir de la música, de lo que te apasiona, que es como un regalo poder dedicarte a ello?

Lo valoro mucho porque, bueno, la vida tiene mucha magia pero con música es un plus. Y así es como la vivo yo y cada persona la vivirá desde el punto de vista en el que es feliz con lo que le late. En mi caso tengo que depender de muchas cosas, también doy clases de guitarra a niños. Pero lo que he intentado siempre es que tenga que ver con la música, que el tiempo que pueda dedicar sea a la música. Y eso ya es un regalo.

P: Durante estos años has dado con grandes músicos que han confiado en ti y en tu música y con los que has compartido también escenario: Rubén Pozo, Candy Caramelo, Urrutia, Tarque, Ovidi, Juancho y Nigel Walker han apostado por formar parte de tu historia. ¿Qué te han aportado todos ellos? y si pudieras elegir, ¿quién sería el que más ha creído en tu sueño?

R: Todas las personas que han pasado por mi vida son importantes, porque me han enseñado algo. Si me centrara en una no estaría haciendo bien las cosas, porque cada uno me ha aportado y me ha dado algo. Estoy agradecido por todos. Por todos los momentos en los que han pasado por mi vida, y lo que queden que sean muchos, ojalá.

P: ¿Cómo se creó el vínculo con Nigel Walker?

R: Le pasamos las maquetas de este segundo disco. Yo tenía muchas ganas de trabajar con él, pero no sabía de su disponibilidad ni le conocía, pero como soy muy pa'lante siempre decidimos pasarle el trabajo y le gustó. Y quedamos en una cafetería por el Palacio Real y hablamos de lo que tenía en mente, de lo que me gustaría trabajar con él... y bueno, como son las cosas que salen naturales, si vas de cara y vas con la verdad, las cosas sólo pueden salir bien. Por lo menos así han salido.

P: Y cómo ha sido trabajar con alguien que lleva tantos años en esto de la música. ¿Qué te ha aportado?

R: Siempre que preguntaba por ahí decían que era un productor exigente y que daba caña. Ha dado caña, pero ha sido un gran apoyo porque nos ha enseñado a trabajar bien las cosas y su exigencia ha servido para crecer como personas y músicos. Es exigente pero al mismo tiempo ayudaba y animaba. Y para eso quería trabajar con él, para crecer.

P: ¿Cómo es el salto de entrar a formar parte de una gran discográfica? ¿En qué has notado que cambian las cosas?

R: El mundo de las discográficas, como todo, es un poco que tú quieras o no entrar en él. Hay gente que prefiere otros caminos y son igual de maravillosos. Lo que quiero decir es que a día de hoy las discográficas no tienen un peso espectacular para defender o tirar pa'lante tu carrera. En mi caso, he tenido la suerte de que me hayan dado su apoyo, porque como me decían los que han sacado el disco "aquí llegan 200 maquetas diarias solamente para licenciar, y nosotros te damos la oportunidad para poder tener tu disco en las tiendas y tener un soporte". Y así he podido sacar mi disco, que hace dos años era imposible, nadie lo quería.

P: Dices... "nadie lo quería", entiendo que ha sido un proceso complicado. ¿Cómo ha sido la lucha? ¿Te llegaste a frustrar?

R: Totalmente. Soy humano y tengo mis sentimientos, y aparte soy una persona bastante sensible y me afectan las cosas. Pero gracias a esto he aprendido a saber cómo tomarme las cosas. Si no hubiera pasado por este proceso de dos años de noes, puertas cerradas, ver que la cosa no avanza, muy potente... no sería la misma persona que soy ahora. Realmente cuando confías en algo y lo sientes y lo haces para que la gente vea lo que hay... Las cosas buenas siempre cuesta conseguirlas, si todo el mundo pudiera hacer todo seríamos indestructibles. Gracias a esos dos años en los que he tenido que pelear he valorado muchas cosas, y no hubiera sido lo mismo sacar el disco de esta manera que de otra.

P: Has vivido cierta incertidumbre con el disco ya grabado y sin una fecha concreta de lanzamiento...

R: La incertidumbre es algo que tenemos presente todos los días. Nos encanta tenerlo todo controlado, queremos tenerlo todo ya y saber dónde vamos a estar el año que viene. Y eso es una mentira muy potente, el futuro no se puede planificar, y es lo que he aprendido, a vivir ahora y a vivir con lo que tengo, y lo que venga viene. Y lo que venga vendrá gracias a lo que estamos sembrando o a lo que tú estés dando.

P: ¿Llegaste a perder la esperanza o sentir que al final no salía adelante?

R: Claro, claro que lo piensas. Pero gracias a eso pude componer una de las canciones más importantes para mí que es Fogonazo de Luz. Y también he podido valorar, vuelvo a decirlo, lo que no estaba viendo. Me he sentido mal, me he sentido bien, me he sentido regular, de todas las formas. Pero es que es un sentimiento necesario para crecer, y es humano, si tú no pasas por esos procesos creo que te pierdes muchas cosas. Pero ahora de momento todo está bien, así que ya que tarde un poquito.

P: Bueno, hablemos de Luminiscencia. Has pasado de Antes de que esté prohibido, un título que parecía que expresaba una necesidad de hacerlo todo ya antes de que no dé tiempo a ello, a este álbum que transmite paz, tranquilidad, buen rollo... ¿Es así como te encuentras ahora a nivel profesional?

R: Tenía 19 años cuando empecé a grabar el primer disco. Y soy puro nervio, pero hace años lo era más y más, un caos total, y quería saber y planeaba lo que iba a hacer en los próximos cinco años. Y no. Ya está, eso se acabó porque no podía vivir así. Y la historia de este disco habla de esto, define muy bien estos dos años. Podría haber llamado al disco "Pa'lante" pero lo llamé Luminiscencia, me parecía más acorde (risas), porque es el poder que tiene un cuerpo de emitir luz en mitad de la oscuridad. Y esto es siempre seguir hacia adelante, hacia las cosas que nos pueden asustar. Y este disco aparte de eso, de tirar hacia adelante es un disco que llega en un momento en el que las cosas están más calmadas, todo tiene su tiempo y todo no lo puedes controlar. Y cuando lo quieres controlar es cuando te vas a la mierda. Y es la filosofía de este disco.

P: Hay mucha positividad en este disco, desde el nombre elegido hasta el sonido de las canciones, las letras... ¿También hay mucha realidad?

R: Claro. En el disco buscaba... No puedo decir una parte de mí porque solo tengo 24 años y a veces hablo como si tuviera 40. Pero es que me han venido bastantes años de golpe. He tenido la suerte de vivir muchas experiencias y hablo desde el corazón. Yo soy así y no tengo vuelta de hoja. Lo único que puedo hacer escribiendo canciones es decir lo que siento. Me cuesta escribir canciones, ¡imagínate si tuviera que inventarme también lo que tengo que decir, tardaría cinco años en hacer un disco!. Estas canciones hablan de la realidad, de cómo soy yo y me abro en canal a tope, aunque eso es complicado porque cuando entregas tu corazón juegas con las desventaja de que te lo puedan partir. Pero este disco habla de las tres cosas más importantes a las que les he dedicado todo mi tiempo y mi cariño en estos dos últimos años, que son la vida, los sueños y el amor. Algo tan obvio que se nos escapa y algo que todos compartimos.

P: Sobre eso quería preguntarte, ¿da miedo desnudarse tanto en unas canciones que van a escuchar tanta gente?

R: Es muy fácil para mí porque no tengo que aguantar ninguna careta ni ninguna pose de nada. Soy Isma Romero, soy así musicalmente y haciéndome unas lentejas. Me es muy fácil porque no tengo que llevar ninguna carga de tener que mostrar una determinada imagen, esto es o te gusta o no hay otra cosa. Es una forma directa de decir esto es lo que soy, y si no te lo crees ven a descubrirlo.

P: ¿Cuál es el tema que más te costó escribir?

R: Pues mira, la canción que más me costó escribir fue Héroes porque habla de un desencuentro. Cuando no te esperas algo de una persona y te engaña o te jode, pero al mismo tiempo como el disco es positivo, el estribillo da una vuelta y dice "gracias porque quizás existen héroes que pasan por una vez en la vida". Esta canción me costó bastante, pero Fogonazo de Luz es para mí la más importante porque habla de que todas las personas son igual de especiales, y que todo el mundo puede llegar a hacer lo que quiera en su vida. Únicamente tienen que dejar despertar ese "fogonazo de luz".

P: En Demasiadas Cosas dices que "llevas demasiado tiempo con las alas rotas", ¿En estos momentos cómo están esas alas?

R: Esa canción habla de amor, del amor a la vida. Y habla de una relación, un poquito. Mis canciones son como un batiburrillo de ideas. Cuando dice "llevo tiempo con las alas rotas y no me alcanza para subir" quiero decir que llevo tiempo viviendo por encima de lo que puedo hacer y no me alcanza para subir porque no estoy viviendo el presente. Yo es que soy muy metafórico. Pero cuento una realidad personal, luego que cada uno la perciba y la viva desde su punto de vista. Y ahora estoy empezando a vivir como soy, y me siento muy a gusto.

P: Los medios tiempos y las baladas quedan casi relegados en este disco, ¿por qué? (sólo Sin Frenos)

R: Han salido así. El disco es una verdad y una declaración de intenciones . Y se expresa en el sonido esa garra, la fuerza y al mismo tiempo un hilo de paz y buen rollo en las canciones. No ha sido premeditado, ha salido así.

P: ¿Echas de menos algo en este disco? Algo, quizá, que digas quería que estuviera aquí y no está en ninguno de los diez temas. O lo que sea, vaya.

R: La verdad que para mí es un disco que es redondo. Creo que en el tiempo este disco va a ser uno de los más importantes de mi vida porque marca un antes y un después, aunque saque, ojalá, cuarenta discos. Aquí hay muchas canciones que creo que las voy a seguir tocando con cuarenta años.

P: Luminiscencia es un chute de energía, de fuerza, mucha guitarra... Y mucho Rock. ¿Vive el Rock un buen momento?

R: Hay sitio para todo. Lo que pasa es que a veces vivimos con muchas cargas y etiquetas de que esto no entra... pero hay sitio para todo porque el mundo es enorme. Imagínate la música, la música es algo que está en la libertad y en el viento y puede ocupar cualquier rincón. Hay sitio para el indie, para el flamenco... Realmente para las canciones hay sitio siempre en el corazón de todo el mundo. Para llegar a la gente siempre hay sitio, luego cada uno coge lo que necesita, no lo que es bueno o malo.

P: Haciendo un inciso, ¿hay cabida para los artistas más emergentes y rockeros en los festivales?

R: Los festivales hoy en día funcionan de la siguiente forma: si tú vendes entradas, entras. Si no, no. Entonces, a día de hoy a Isma Romero le queda mucho camino. Sí que apoyan, pero claro si no vendes no interesas. Por eso, para los que estamos empezando es una movida, porque tienes que vender sin tampoco tener un apoyo, hay que ganárselo. Cuando entras es cuando ya funcionas, pero sino búscate la vida. Es la realidad.

P: Volviendo a Luminiscencia, ¿sigue este disco la estela del anterior en influencias musicales (Tom Petty, Pereza, MClan, Fito...) o has ido descubriendo y adaptando algunas nuevas?

R: En este disco hay mucho de todo y mucho mío también... Quiero decir, lo que hay mío es lo que escribo y lo que canto. A nivel de influencias musicales hay de todo porque no estoy inventando nada ni pretendo inventar nada. Lo que quiero es dar continuidad a una generación de canciones, esa es mi prioridad por encima de todo. Y hay estilos que se meten mucho en todo. Yo no hago rock&roll, para mí el rock&roll es una forma de vida, pero yo puedo sacar un disco latino, con trompetas o un disco más 'popero'...

P: Y por último, haciendo honor a uno de tus temas Todo lo que Espero, ¿Qué es todo lo que esperas a partir de ahora?

R: Lo que espero realmente es salud y mucho amor, y que las cosas vayan viniendo como tengan que venir. Creo que lo estamos haciendo muy bien y estamos en un momento muy bonito porque hay un disco muy guay y de mucha verdad, y espero que todo lo que venga tenga que ver con la luz. Y si tiene que ver con la oscuridad, como no manejo eso, tenemos que seguir pa'lante. Deseo que todo lo que venga, tenga venir como tenga que venir, de la mejor forma y disfrutándolo.

 


Un genio despeinado con camiseta roja: Ryan Adams

Escenario 3, Radio Station. 20.30 hrs en Mad Cool Festival, esperábamos impacientes a Ryan Adams, un grande. Demasiada gente alrededor y todavía faltaba una hora para su llegada, pero el público permanecía de pie con ansia tarareando las canciones de Spoon, que sonaban desde el escenario Matusalem, cercano al nuestro.

Preguntamos para entrar al foso, pero Ryan había pedido que no se hicieran fotografías. Antes de que saliera al escenario, una voz femenina daba la explicación por megafonía y nos informó de la enfermedad que sufría Ryan: no podía ver ni un flash, de lo contrario se vería obligado a suspender el concierto.

Nos dio igual. Habíamos conseguido un buen sitio, segunda línea, perfecto para sacar unas buenas fotos y conseguir transmitiros con algún que otro vídeo en directo a través de la cuenta de Instagram (@musica_ilustrada) lo que estábamos viviendo. Pero sobre todo, de disfrutar del espectáculo de ver a Ryan en directo. Todo un lujo.

Las luces se atenuaron y apareció Ryan pegando brincos: energía, que la vida sigue. Suena la guitarra que encabeza la pieza Do You Still Love Me.

 

El inconfundible gato sobre el piano, una camisa a cuadros sobre la camiseta roja con gato en círculo. Ryan salió al escenario despeinado con los pelos que le cubrían el rostro, además de ir envuelto en aroma de incienso. Es uno de esos genios musicales que sienten sus letras, sus melodías, y lo transmiten. Por eso todos aplaudíamos ante su llegada. A mi lado, un tipo con una sudadera que llevaba bordado su nombre y comentaba el orden de las canciones que iba a tocar. Parecía ser su mayor fan, y nosotros sus mayores desconocidos.

Era cierto aquello que comentaban: un cantante de su altura, ¿por qué tocó en uno de los escenarios más “locales”, indies, del festival? Justo coincidía con Alt-J -a los que no tuvimos la oportunidad de ver- pero Ryan allí estaba, en una esquina del festival. Una esquina que se cubrió de gloria.

Amable y sonriente, Ryan dio paso a un compañero del grupo, apareció el gato que tocaba la pandereta, sorpresa para muchos. Un toque distinto, Ryan. Su guitarra de rock, inconfundible. Entre tanto rock, el maestro no dejó de sorprendernos con un leve respiro mientras tocaba “When the stars go blue”. El público cantaba la canción de memoria, como si necesitara esa inyección de melancolía. Porque vivimos con Ryan esos momentos en que la vida permite el dolor del rechazo. Eso sí, juntos, unidos por su música.

Así, las cosas se viven incluso con cierto placer.


Así es Kaleidoscope, el último y nuevo EP de Coldplay

Es viernes y a primera hora de la mañana mi bandeja de entrada recibe un nuevo correo desde Spotify, Coldplay estrena un nuevo EP. Sin pensarlo dos veces abro la aplicación en el móvil y descargo el disco antes de salir de casa. Hoy las ganas de irse a trabajar son diferentes.

Como bien indica el nombre, o la propia carcasa, el nuevo EP de Coldplay es un disco Kaleidoscope. Cada canción es un viaje por un nuevo color, como Hypnotised -que parece sumergirnos en olas azules-, combinaciones que llevan consigo cambios geométricos lentos… de nuevo, esa lentitud gratificante me traslada al Estadi Lluis Companys, donde estuvimos en 2009 con Viva La Vida y a 2016 con A Head Full Of Dramas Tour. Y es que Chris Martin tiene ese qué especial que transmite una nueva forma musical en cada álbum conservando su misma esencia: melodía alternativa, acordes disonantes que finalizan en un encuentro armónico. Pero aquí, la pieza que más hemos disfrutado es “Miracles (someone special)”. Quizás porque era la única que todavía no habíamos escuchado, o quizás porque “My father say never give up son”. Seguramente sea eso, las letras motivadoras que te animan a vivir, como hacían con su último disco y el tema UP&UP.

Son estos grupos, los que verdaderamente nos hacen sentirnos especiales.

Por supuesto, no podía faltar el "something just like this" , en el que nos habla de lo que estamos dispuestos a arriesgar por algo que de verdad nos importa. Nos quita esos pájaros de la cabeza que tanto nos mete la sociedad materialista hoy día: los superhéroes no existen, existen las personas reales.

Imagen: wikipedia


The Lumineers, un paso fugaz por Mad Cool

La banda americana dio un recital de folk rock pese al poco tiempo que pudieron tocar

 

La música es imparable. Tiene una fuerza inmensurable que nos hace capaces de aguantar cualquier cosa. Y así lo demostraron los fans de The Lumineers que durante más de una hora estuvieron esperando bajo la intensa lluvia que caía con fuerza y sin parar en su paso por Mad Cool durante la jornada del viernes.

La banda de Denver salió con retraso en su concierto debido a que la lluvia retrasó todo el proceso que lleva poner en marcha un escenario como el Stage 1 de Mad Cool. Con todo cubierto para que nada se estropeara había que preparar en tiempo récord el escenario para que Wesley Schultz y los suyos pudieran salir a dar su espectáculo. Pero por fin llegó el momento, eran las 19:50 y The Lumineers se hacia presente en Madrid. En ese mismo instante el cielo se abrió y salió el sol.

Wesley, Neyla y Jeremiah se plantaban delante de casi 10.000 personas, aunque es cierto que en las primeras filas de la izquierda del escenario apenas había gente. Es una pena ver como el público no pueda estar cerca de sus ídolos por la zona vip -casi vacía- que se habilitó en los dos principales escenarios de esta edición de Mad Cool Festival.

 

The Lumineers se debe a su público y así se lo hizo saber. No era mucho el tiempo que tenían para tocar así que la banda americana tiró de clásicos como Flowers in your hair, Slow it down, Classy girls, Stubborn love,  para luego dejar paso a temas de su álbum más reciente, Cleopatra; canción que sonó imperial. Le siguieron Angela y Ophelia, juntas emocionaron como ellas solo saben hacerlo. Sleep on the floor se hizo eco de lo que allí estaba pasando y también se unió a la fiesta. Nadie quería perderse el buen rollo que estos muchachos transmiten desde el escenario. También hubo tiempo para hacer algún que otro directo desde nuestra cuenta de Instagram (@musicailustrada), sentíamos la necesidad de traeros a ese momento, a ese lugar. No éramos conscientes, pero se iba acercando el final. Y entonces llegó Ho hey para despedirse de Madrid y dar las gracias a un publico entregado que vivió con intensidad un concierto que se hizo fugaz.

De momento Cleopatra sigue con su gira por Europa donde parará el próximo 14 de julio en Montreux, Suiza. Aún es muy pronto para saber si The Lumineers volverá a pasar por nuestro país. Por eso haber vivido este concierto este año en Mad Cool ha sido un sueño cumplido.


ALT, un año pinchando la mejor música alternativa

En ALT, la radio alternativa online, cumplen hoy su primer año de vida. El 4 de julio de 2016, con Zahara como madrina, arrancaba un proyecto rompedor que en estos 12 meses ha dado mucho que hablar entre todos los que amamos y vivimos con pasión la música alternativa.

Bajo el lema: “EN ALT NOS GUSTA LO MISMO QUE A TI”, te has unido -nos hemos unido- a miles de amigos que hemos formado una gran familia, la familia ALT, a través de www.soyalt.com y la APP de ALT para Android -con cerca de 5.000 descargas-.

La Hora ALT, el programa/podcast origen de todo el proyecto, superó hace ya meses las 100 emisiones. Por sus micrófonos han pasado muchos de los cabezas de cartel de los festivales más en importantes del país junto a los nuevo valores emergentes de la escena alternativa. Iván Ferreiro, Lori Meyers, Rufus T. Firefly, Sidecars, Delafé, Morgan, Kuve, Full, Penny Necklace, Tuya, Modelo de Respuesta Polar, Siloé, Marcos Cao, Bravo Fisher, The New Raemon, McEnroe, Moses Rubin, Mister Marshall, Alice Wonder, Iseo, Samu del Río o Shinova son algunos de los artistas que ya se han acercado a los estudios de ALT. En los festivales, hemos compartido “ratitos” y micrófono con grupos como: Sidonie, Viva Suecia, Fuel Fandango, The Head and The Heart, Biffy Clyro o Love Of Lesbian, entre otros, y sobre todo, hemos compartido momentos inolvidables contigo, que vas a conciertos siempre que puedes, como nosotros. En La Hora ALT también contamos con colaboradores alternativos como la ilustradora P8ladas que se ha sumado al equipo de la radio más ALTernativa.

En estos 365 días, también se han colado en ALT las voces de cómicos como Álvaro Velasco, Dani Martínez, Alberto Casado, Rober Bodegas... Todos ellos con algún disco y recomendación festivalera bajo el brazo. Y también hemos hecho programas especiales: desde la Fnac de Callao (Madrid), para la presentación de Mi Silencio Habla De Ti (el último libro de Holden Centeno), desde Costello Club, colgando el cartel de "aforo completo" o incluso desde las Bodegas Elías Mora en Valladolid. Todo esto además de los numerosos programas realizados en festivales, bares, salas de conciertos o incluso desde las calles de cualquier ciudad.

NUEVOS PROGRAMAS Y LOCUTORES

El crecimiento de ALT se ha traducido en nuevos programas. ALTERNATIVAS, presentado cada martes por Ana Medina (@asidesastre), pretende dar el protagonismo que merecen las artistas femeninas españolas y también internacionales. LA HORA ALT FESTIVALERA repasa cada miércoles las principales novedades de los festivales. A los mandos, Nacho Criado “El Enterado”, pero son muchos los programas en los que los propios asistentes o los artistas cuentan en primera persona su experiencia en los festivales.

Con Freddy Arense al timón de ALTDespierta cada mañana y locutores como Bianka Ruano, Borja Corchado, Anna Rodríguez o Juanjo Rengel, ALT cubre buena parte del día bien acompañado por miles de oyentes.

Los viernes, ALTERADOS con Javi Moreno pone sobre la mesa los mejores planes para el fin de semana. Y los sábados y domingos (cada 15 días), Noel Castro presenta las novedades musicales de ALT en el programa ALT IN.

Las redes sociales también han sido claves en el desarrollo y conocimiento de ALT durante estos doce meses. Han contado con una gran actividad y crecimiento de forma orgánica en Twitter e Instagram (@soyalt_es), Facebook (@SoyALTOficial) y el canal de Youtube -en el que próximamente se incluirá una sección donde los artistas emergentes, además de tocar sus mejores temas, harán covers de sus canciones favoritas-. Y es que ALT es, más que una radio, una comunidad de amigos en torno a una pasión: la música alternativa. Su crecimiento está siendo posible gracias, principalmente, a las recomendaciones de la gente como tú, que como oyente, ha confirmado que acertamos con aquel eslogan, que surgió entre amigos y cervezas una noche de verano hace un año: “EN ALT NOS GUSTA, LO MISMO QUE A TI”.


Sonorama Ribera ha vuelto a hacerlo: Camela encabeza el cartel en el 20 aniversario del festival

La última confirmación de Sonorama Ribera 2017 no ha dejado indiferente a nadie. Y es que este año, entre tanto artista indie, rock y pop, todos nacionales, subirá al escenario un grupo con un sonido bastante alejado de lo que suele ofrecer en un festival de este tipo. Un grupo que lleva por bandera los ritmos tecno-rumba. Un grupo que sueña contigo sin saber muy bien qué le has dado. Sí, señores y señoras, hablamos de Camela.

Es el grupo elegido para encabezar el cartel en esta edición tan especial de Sonorama, cuando celebra su 20 aniversario rodeado de grandes artistas y bandas de ámbito nacional. Pues este año el festival se empeña en hacer un (merecidísimo) homenaje a la música española.

El anuncio ha sido un bombazo, al tiempo que sonaban nombres como Julio Iglesias o Perales para poner el broche de oro a este cartel. Pero los elegidos han sido ellos, Camela. Un grupo que, según apuntaba el director del festival, Javier Ajenjo, son muchos los que sin querer reconocerlo lo escuchan en casa a escondidas. "Porque, claro, nadie escucha a Camela".

Pero para aquellos que siguen descolocados con esta incorporación, Ajenjo aclara sin medias tintas que Sonorama pensó en Camela "básicamente porque nos apetecía. Y si tengo que extenderme un poco más podría hablar de su discografía, de su trayectoria y de la cultura musical que representan".

"Y teníamos muchas ganas de tenerles. Sonorama Ribera es un festival para disfrutar. Porque para cosas más técnicas ya tenemos lo que escuchamos cuando nos ponemos los cascos", añade.

Para Camela es un "honor" que cuenten con ellos para soplar las velas en este cumpleaños tan especial con el que Sonorama entrará en la veintena. "Nosotros estamos dispuestos a todo", aseguran. "Pero si teníais tantas ganas no sé por qué no nos habéis llamado antes", replicaba Dioni entre risas.

Gusten más o menos, es más que evidente que Camela ocupa un hueco importante en la historia de la música de nuestro país, que va más allá de la música de fondo que suena en las ferias de los pueblos, con más de siete millones de discos vendidos a lo largo de su carrera. Ahora, estamos expectantes por ver cómo encajarán y les recibirá el público del festival. Y seguro que más de uno se descubre cantando eso de "cuando zarpa el amor".

Pero, entre tanto asombro, no ha sido el único anuncio . El maravilloso cartel de Sonorama sigue sumando nombres de bandas que cuentan con una importante y reconocida trayectoria que ha marcado la historia de la música de nuestro país, así como aquellas que empiezan a abrirse paso, y con bastante fuerza.

Ángel Stanich, Apartamentos Acapulco, Cuervos, Diego Vasallo, Echo, El Meister, El Rincón de los Sueños, El Sótano de Babel, Estrogenuinas, Fangoria, Fernando Maeso, Garaje Florida, Gimnástica, Homenaje OK Computer, La Casa Azul, Lagartija Nick, Lichis, Little Indian Rabbits, Los Vengadores, Loud, Maldito Reloj, Mamba Beat, Mechanismo, Morgan, Nocturnas, Ochoymedio DJs, Olivia Emdiv, Pianet, Quadrophilia, Rufus T. Firefly, Shiva, Sierra Nevada, Tachenko, Tardeo, The Girondines, The Milkyway Express, The Niftys, The Royal Flax, The Wharmy Paradox, The Wyest, Tierra Vertical, Vaya Cuadro, Virginia Díaz DJ, Viva Suecia, WAS, Willy Drummond, Yo Estratosférico y Yoyo Banana, son los más de 40 artistas que se unen a los ya anunciados con anterioridad, entre los que figuran músicos y grupos de la talla de Loquillo, Leiva, Coque Malla, Iván Ferreiro, Sidonie, Lori Meyers, Sidecars, Xoel López, Niños Mutantes o Santiago Auserón, entre muchos otros.

Un festival que deja fuera de juego a la música internacional para centrarse y apoyar el producto nacional. Y lo hace con un homenaje a la historia de la música en español, en sus últimos 20 años, mediante un concierto en el que participarán diferentes generaciones de artistas que han marcado la trayectoria del pop y rock nacional y también de Sonorama. Un concierto impulsado por Charlie Bautista, y en el que 20 bandas tocarán algunas de las 20 canciones más memorables de nuestra música.

Imagen: wikipedia


El festival solidario Be Water reúne a Capitán Cobarde, Mamita Papaya y Paul Panés por una buena causa

La música, además de amansar a las fieras, a veces también sirve para ayudar. Y eso es lo que promueve el festival solidario Be Water, organizado por la agencia de Management & Booking High Fidelity, por la ONG Be Water, y patrocinado por Alain Afflelou, que celebrará su segunda edición el próximo sábado 10 de junio en la Sala Caracol de Madrid y donde se darán cita grupos como Capitán Cobarde, Mamita Papaya o Paul Panés (además de alguna que otra sorpresa), con el objetivo de recaudar dinero de abastecer de agua algunas de las zonas más desfavorecidas de África. Y por supuesto, pasar una gran noche llena de muy buena y variada música.

Así, tras conseguir, con la primera edición, recaudar la cuantía necesaria para llevar a cabo la construcción de un pozo en Camerún con el que garantizar el acceso al agua potable a las familias y niños de la zona. Este año Be Water vuelve a reunir a los melómanos madrileños y vuelve a repetir iniciativa, pero en esta ocasión el dinero obtenido de las entradas del concierto se destinará a dos nuevos proyectos que se pondrán en marcha a principios de 2018, de la mano también de la ONG Tatu Poject.

Por un lado, se llevará a cabo la creación de un aljibe en Marruecos, en un pueblo del Valle de Tessaout en el Alto Atlas, que dará agua potable a más de 500 personas, y que cuenta también con la colaboración de la Fundación Geoda. Al tiempo que en Tanzania se establecerá un pozo de agua con bomba electrosumergible y paneles solares, que abastecerá a más de 100 personas.

El acceso al agua potable es todavía un derecho restringido que afecta a alrededor del 50 por ciento de la población africana. Pueblos donde el agua es un recurso escaso, donde muchas veces se ven obligados al consumo de agua contaminada, lo que provoca enfermedades como la diarrea, que se ha convertido en la segunda causa de muerte entre los niños menores de cinco años de estas zonas afectadas, según los datos publicados por la ONU en marzo de este año. Pues casi dos millones de niños se encuentran en peligro de sufrir enfermedades diarreicas.

Las entradas se pueden adquirir por 10 euros de manera anticipada a través de Wegow, o por 12 euros en taquilla. Una cantidad con la que, además de contribuir a una buena y necesaria causa como es el abastecimiento de agua potable en algunas de las zonas más necesitadas de África, también permitirá disfrutar de las canciones del último disco de Capitán Cobarde, publicado hace tan solo unos meses. Así como los nuevos temas incluidos en el primer disco de Mamita Papaya y los nuevos cortes de Paul Panés con su nueva formación.


Pop, una historia de la música y la televisión

Pop, una historia de la música y la televisión: El documental que recorre más de seis décadas de música popular española

 

La madrileña sala El Sol se vestía anoche de largo para acoger la presentación de un nuevo programa musical. Y es que tal y como está la televisión en nuestros días, que se apueste por estos formatos y se otorgue a la música un protagonismo que desde hace algunos años había ido perdiendo, es un lujo.

Sobre el escenario un sexteto de musicazos, los que componen la potente ‘Banda de Late Motiv’. Con Litus al frente, respaldado por el bajista Mac Hernández, el saxofonista Pirata, Santiago Comet a las teclas, Cocke Santos a la batería y el sonido eléctrico de la guitarra de Pablo Novoa. Una calidad instrumental que encontró anoche en Zahara su pieza clave. La dulzura y, en ocasiones, el desgarro de su voz aportaron el toque cálido al rollo canalla de los del programa de Buenafuente.

Y así, de su mano, fue posible transportarse a otras décadas, con canciones que son parte de la historia de la música y de la memoria colectiva como ‘Black is Black’ de Los Bravos, ‘Escuela de calor’ de Radio Futura, ‘Lucha de Gigantes’ del excepcional Antonio Vega (y que cobra un sentido especial en la voz de Zahara, de esos que ponen la piel de gallina), ‘Insurrección’ de El último de la fila, ‘Sin documentos’ de Los Rodríguez, uno de los himnos de Mecano ‘Perdido en mi habitación’, y un guiño a lo que suena en nuestros días con ‘Golpe Maestro’ de Vetusta Morla.

Un recorrido que es solamente una pequeña parte de lo que el canal #0 de MoviStar+ ofrecerá la noche de los miércoles con ‘Pop, una historia de la música y la televisión’. Así, vuelve #0 a rescatar a la música del olvido en los programas de televisión y elevarla al lugar que se merece, como ya viene siendo habitual en casi todos sus espacios. Esta vez lo hace en forma de documental. Invitándonos a viajar en el tiempo en un recorrido de más de seis décadas de pop y rock por más de 80 entrevistas a artistas clave en la historia de la música en España y a profesionales de la pequeña pantalla.

El dúo dinámico, Los Bravos, Nacha Pop, Radio Futura, Burning, Danza Invisible, Gabinete Caligari, El último de la fila, Los Secretos, Miguel Ríos, Bunbury o Raphael, pasando por Tequila, Hombres G, Coque Malla, Alejandro Sanz, Estopa, Amaral, Pereza o El canto del loco, hasta Vetusta Morla, Love of Lesbian, Sidonie o Manel. En ‘Pop, una historia de la música y la televisión’ no hay un estilo marcado, no hay roles, ni importa si es indie o mainstream. Tienen cabida todos. Y cuando decimos todos, nos referimos a que no faltarán si quiera referencias a los talent shows de esos que consiguen ser líderes de audiencia y dejar algún que otro juguete roto, y alguna que otra entrevista a los ‘Triunfitos’.

Con las opiniones y la crítica de grandes periodistas, presentadores y realizadores de la talla de Diego Manrique, Fernando Navarrete, Jesús Ordovás, José María Íñigo, Jose Ramón Pardo, Hugo Stuven, Jose Antonio Abellán, Mercedes Resino, Marisol Galdón, Santiago Alcanda, Fernandisco, Jorge Flo, Tony Aguilar, Tinet Rubira, Javier Limón, David Trueba o Virginia Díaz.

Un documental que hará las delicias de los más melómanos al tiempo que repasan las canciones que fueron, son y muy probablemente serán clásicos de nuestra música y nuestra vida, la historia detrás de ellas y de los grupos que se pondrán delante de la cámara, las vidas de aquellos que ya no están pero siempre serán un referente, la evolución de la industria musical y discográfica, y los programas musicales de todas las épocas. Un paseo desde el sillón por los ensayos, grabaciones, las giras, los conciertos y los festivales de cada uno de los grupos desde los años 50 hasta nuestros días.

Todo ello en un formato de cuatro episodios, que promete ofrecer un cocktail de recuerdos y melancolía, acercándonos a esas canciones que acabamos haciendo nuestras, a esos artistas de los que un día fuimos un poco groupies, a esos programas a los que nos enganchamos, y, sobre todo, ayudándonos a entender mejor la música y lo que representaba en cada época.

Esto es lo que encontraremos en ‘Pop, una historia de la música y la televisión’. Un programa que se estrena esta noche a las 22:30 horas, en el canal #0 de MoviStar+. Nosotros sólo podemos decir: Larga vida a la música. Y si es nacional, mucho mejor.